El Dado del Arte

¿Es Barcelona una ciudad de arte contemporáneo?

2012-02-01T08:26:00.001+01:00

Con esta pregunta anunciaba 'La Vanguardia' hace dos semanas un debate que se celebró en CaixaForum con Nimfa Bisbe (Directora de la colección de arte contemporáneo en Fundación "la Caixa"), Bartomeu Marí (Director del MACBA) y Joan Fontcuberta (Fotógrafo y Presidente de la AAVC).

El supuesto objetivo de la actividad era reflexionar sobre la contemporaneidad artística de Barcelona, la situación del arte en la ciudad, la representación del arte catalán en el extranjero (o lo que queráis imaginar) porque la verdad es que fue una actividad sosa, con mayúsculas.

Al menos Fontcuberta dijo algunas de "sus frases" que escribí en Twitter y llegaron a amenizar el ambiente :)

"El arte contemporáneo es a la cultura lo q la F1 es a la industria del automóvil" Fontcuberta #cita
— Pilar DM (@eldadodelarte) enero 19, 2012

"Si se hacen programas en TV sobre cómo ir a buscar setas, ¿por qué no hay de arte contemporáneo?" Fontcuberta #cita
— Pilar DM (@eldadodelarte) enero 19, 2012

Perfil de gente interesada en saber si BCN es una ciudad de arte contemporáneo

Nimfa comenzó diciendo que hay 11 instituciones que exponen arte contemporáneo en Barcelona y 6 espacios dedicados al arte emergente. El potencial esta, pero falta organización. A lo que Fontcuberta replicó con los recientes cierres y centros o espacios en entredicho, casos como Metronom, Sala Montcada, ASM, La Virreina o La Capella, cuyas programaciones son un vaivén infinito.

Pero recordemos, el enorme vacío que existe entre hacer arte y llegar al MACBA. ¿Realmente cubrimos las necesidades expositivas? ¿Se apuesta por espacios con entradas menos exigentes que permiten el acercamiento al arte fuera de un cubo blanco?

Fontcuberta retomó la palabra mencionando el informe 'La dimensión económica de las artes visuales en España' elaborado por la consultora cultural ARTImetría (encargo de la AAVC en 2006, descargable aquí) donde se revela que un 43% de los artistas facturaban -antes de la crisis- menos de 3.000 €/año por su actividad artística, y cerca del 50% menos de 6.000 €/año.

¿Hablamos de Barcelona como ciudad de arte contemporáneo? ¡No!

Bartomeu se limitó a decir que el sistema del arte contemporáneo es complejo, hay muchas voces, bla, bla, bla e incluso:

"No todos tenemos los códigos para interpretar el arte contemporáneo" Bartomeu Marí, del @MACBA_Barcelona #cita
— Pilar DM (@eldadodelarte) enero 19, 2012

Dice Marí que el panorama artístico en BCN ha de ser diverso pero sostenible. Alusiones al Canodrom? :S
— Pilar DM (@eldadodelarte) enero 19, 2012

Literalmente dijó "El arte en Barcelona y Cataluña tiene que ser plural, coral, diversificado, tiene que tener instituciones grandes y potentes y tiene que tener dinámicos y fáciles de mover, y tiene que ser diverso y sostenible". ¿En definitiva qué?

Recordemos que Bartomeu Marí esta terminando de realizar el plan sobre el futuro de los equipamientos artísticos de la ciudad. ¿Os imagináis los discursos expositivos del MACBA multiplicados en todos los espacios de la ciudad? ¡Es como una pesadilla! Que en ocasiones hacen buenas exposiciones sí, pero son las mínimas y algunas tienen que tener unos códigos demasiado indescifrables, porque ni amantes del arte contemporáneo llegamos a verle un mínimo ápice de atractivo la verdad. Este Plan(azo) de Bartomeu Marí saldrá a la luz el próximo 7 de febrero.

No faltaron las menciones a la "crítica de arte", de ello se encargó Nimfa diciendo que faltaba crítica de arte, personas que hagan crítica porque ahora es inexistente. A ver ¿me puede decir cuántas personas viven exclusivamente de ser críticos de arte? ¿me puede decir cuántos medios de comunicación cuentan con un crítico de arte en plantilla? Por favor, no dígamos que faltan críticos, cuando sabemos perfectamente que no hay huecos, no creemos de nuevo faltas expectativas laborales. Ya es triste darse cuenta de la realidad, de televisiones llenas de programas sobre cómo, cuando y donde ir a buscar setas, eso es lo importante señores, no hablar de arte contemporáneo. ¿Es una falta de educación de públicos? Bueno, quitar las actividades educativas del ASM no es precisamente un paso hacia adelante, pero como aquí cada cual va a su rollo, pues estupendo oiga. ¿Cuántos programas de radio en Cataluña hablan de arte en general, ya no sólo contemporáneo? Yo hablaba, en su día, aportaba unos minutos de arte a los oyentes de Radio Blanes, pero la radio cerró, pero al menos, hubo un interés en acercar el arte al pueblo de Blanes.

También se habló de la internacionalización y de las galerías, del irrisorio número de artistas que hay representados en el exterior, en ferias internacionales e incluso de los pocos artistas catalanes que llevaban galerías catalanas, frente al número de extranjeros que tenían en su cartera.

Cómo podéis ver no se habló de nada nuevo, incluso cuando podían haber aprovechado la ocasión para presentar que comparten colecciones La Caixa & MACBA, y hablar más sobre planes de futuro, pues no, volvemos a las mismas preguntas que ya sabemos. Y el problema deriva siempre en lo mismo, cómo claramente dijo Fontcuberta, cada cual va a lo suyo, y hasta que no haya una política cultural común, y sobre todo una política de continuidad con objetivos comunes. Hasta entonces no se tirarán adelante los proyectos, porque con cada cambio político las propuestas del anterior quedan relegadas y todo se reconsidera, sí, caso Cánodrom... Falta un pacto cultural, las decisiones políticas se toman sin tener en cuenta a la ciudadanía, ni siquiera preguntándose si son útiles... Debería de haber un sentido común para el bien de la sociedad, replantearse los objetivos y la viabilidad antes de lanzar un concurso internacional y contratar a un suizo.

Y recordemos que, los artistas no producen mercancía...los artistas crean.

Long, long time ago... de @fernando_bayona en @focogallery

2012-01-31T08:27:00.003+01:00

Os dejo con mi primera colaboración con la galería virtual de fotografía FOCO Gallery. Comienzo con una reseña sobre la exposición que tienen abierta sobre Fernando Bayona hasta el 17 de febrero aquí.(Sala de Prensa)

Long, long time ago...

Long, long time ago, in a faraway land... there was a magic violin wich help the power to grantits owners every wish...

‘Long, long time ago...’ es la serie escogida por Fernando Bayona para presentar suprimera exposición en FOCO Gallery. Doce instantáneas nada espontáneas. Calculadas ymilimetradas hasta la más mínima mota de polvo o viruta de madera. Así trabaja Bayona,y ese es el sello de su fotografía: la minuciosidad y el gusto por cada uno de los detalles.Nada queda al azar del disparo, todo está bajo control, tanto en la producción como en lapostproducción de las imágenes.

En esta serie el leitmotiv es un violín. Un instrumento cuyas cuerdas entrelazan toda unaserie de escenas de cuentos clásicos, desde Caperucita a Gepetto, visitando al Mago Merlíno cayendo con Alicia en la madriguera del conejo. Imágenes de historias paralelas reunidaspara contar una historia común, la del Panete, un violín creado por Giuseppe Guameri en1737, propiedad del banco suizo BSI.

Pero en las fotografías de Bayona ¿qué es lo fotográfico? ¿qué es lo real y lo irreal? Estamosante fotografías de estudio que parecen lienzos, como si Bayona pintase con su cámara unescenario de ensoñación, de mundos paralelos, convirtiendo en real algo imaginario que salióde la mente de los Hermanos Grimm, Charles Perrault, Hans Christian Andersen o LewisCarroll entre otros.

La varita mágica de Merlín se convierte aquí en una cámara fotográfica, gracias a lacual Bayona transforma las palabras de los cuentos en ricas escenografías y narrativasfotografías.

Mucho, mucho tiempo atrás, en una tierra lejana... existía un violín mágico que tenía el poderde conceder a sus propietarios todos sus deseos.

Dani Lagartofernández

2012-01-29T09:57:00.025+01:00

[13]25: Al principio fue la palabra

La resolución 1325 del Consejo de Seguridad de las Naciones Unidas (octubre 2000) es un reconocimiento explícito de la contribución esencial que las mujeres de todo el mundo hacen por la Paz. Inspirado en la resolución 1325 de Naciones Unidas he fotografiado series de 13 mujeres que dedican su vida y sus mejores esfuerzos para lograr un fin de la violencia que está presente en sus sociedades y en sus vidas.

Hasta el momento he desarrollado el proyecto en Palestina, Israel y Colombia. Pido a cada mujer elegir una palabra que resuma la visión, misión o emoción vinculada a su relación personal y / o profesional con el conflicto en sus respectivos países.

Todas ellas aparecen con los pies descalzos, como metáfora de su posición honesta y directa, dentro de la realidad que tienen que vivir, sin ambigüedades o atajos (y con el riesgo de rechazo e incomprensión por parte de sus sociedades que muchas veces esto implica). Ellas mismas han elegido los lugares donde han sido retratadas: la interrelación entre el medio de donde provienen, su profesión, y el universo interior de estas mujeres, van de la mano en estas imágenes y así nos acercan a la esencia más íntima y humana de cada una de ellas.

Más información sobre Dani Lagartofernández
Texto: Dani Lagartofernández

'Desencuentro(s)' en @sabrinaamrani

2012-01-27T08:33:00.004+01:00

Hasta el 18 de febrero la galería Sabrina Amrani (Madrid) presenta 'Desencuentro(s)' con obras del marroquí Younes Baba-Ali (Oujda, 1986).

Un artista que reflexiona a través de múltiples formatos sobre los procesos migratorios y sobre el anonimato del hombre hipermoderno, cada vez más alejado de la idea de comunidad.

Obras llenas de desecuentro(s) como 'Ending your life under the sun', una instalación que refleja el proceso migratorio de los retirados occidentales que buscan pasar sus años de jubilación en los soleados países del Sur de Europa y Norte de África. Por ello la pieza es un ataúd que esconde en su interior una máquina de rayos UVA.

También destaca la pieza 'Untitled (Landspace)’, un paisaje repleto de bolsas de basura que recibe al expatriado que regresa a muchos países del Norte de África y Oriente Medio. Bolsas no biodegradables que arrastradas por el viento acaban enganchadas en los árboles.

Éstas y muchas más obras en vivo en la galería Sabrina Amrani hasta el 18 de febrero.

Psicofotografía o fotografía de espíritus: William Hope

2012-01-26T08:36:00.000+01:00

A través del Flickr del National Media Museum se puede tener acceso a una serie de fotografías históricas de gran importancia. Entre ellas destaca la de las fantasmales capturas de William Hope que fueron descubiertas en una librería de anticuario de Lancashire por uno de los curadores del museo National Media.

William Hope (1863-1933) es considerado uno de los autores más fascinantes de la psicofotografía o fotografía de espíritus, una tendencia que comenzó en la segunda mitad del XIX. Hope llegó incluso a fundar el grupo de espiritistas Crewe Circle Spirtualists, donde una serie de fotógrafos de espíritus hacían sesiones invocando fantasmas, que permitieron a Hope realizar retratos de familias con familiares ausentes.

Hope fue tildado de farsante, y comprobado años después, al ver que los rostros que aparecían procedían de otras fotografías que las propias familias prestaban al fotógrafo. Pero más allá de ello, su obra es un magnífico y escalofriante documento entorno a los trucos ópticos propios del mundo de la fotografía. No olvidemos que en la época de Hope el acceso a la fotografía era muy limitado, y la sociedad no conocía las técnicas que con este arte se podían llegar a realizar.

Los comienzos de Hope en el mundo de la psicofotografía se remontan a 1905, después de capturar supuestamente un fantasma en un retrato a un amigo. El éxito de estas imágenes radica en el éxito que obtuvieron después de la I Guerra Mundial, cuando parientes de fallecidos buscaban algún modo de contactar con los familiares abatidos. La fotografía les permitía conectar con el espíritu del fallecido y retratarse por última vez junto a ellos.

[Caja Negra] a cargo de Carlos TMori en el @PatioHerreriano

2012-01-25T08:25:00.004+01:00

El Museo Patio Herreriano (Valladolid) acoge hasta el 19 de marzo una interesante exposición del artista Carlos TMori bajo el título [Caja Negra] y el subtítulo: «Un respetuoso homenaje a las víctimas del 11S y a la muerte de la cinta vhs».

Una muestra realizada en colaboración con P4, la plataforma de apoyo al arte en Castilla y León y comisariada por Javier Panera que surge tras investigar sobre el llamado "apagón analógico" de 2010 y su relación con el fin del soporte del vídeo arte.

Entre las piezas clave de la exposición, destacan las dos torres de casi tres metros de altura construídas con cintas vhs conseguidas gracias a la donación de amigos y ciudadanos anónimos. Dos torres gemelas realizadas a escala 1:158 de las famosas torres del WTC. El recuerdo de la tragedia, de la catástrofe y de la desaparición es patente en la obra que, a su vez hace eco a la basura, al archivo, a las vhs.

©Belenzu

Las cajas son constantes en la muestra, respondiendo a la obsesión del propio artista: «Lo de las cajas me viene obsesionando desde hace mucho tiempo, debido a una contradicción personal: la necesidad imperiosa de orden y la incapacidad para conseguirlo».

Las viñetas de Vázquez en etHALL

2012-01-24T08:34:00.031+01:00

Desde el pasado jueves, el etHALL (Barcelona) acoge una exposición dedicada al famoso dibujante Vázquez. El conocido historietista cómico español perteneció a la generación de la Escuela Bruguera y entre sus trabajos más conocidos destacan Las Hermanas Gilda o La Familia Cebolleta.

Vázquez fue capaz de trabajar por un lado en historietas de aventuras infantiles y por otra con un estilo más libre, en temas para adultos, como el sexo y el dinero.

En la exposición se pueden ver las viñetas de este genial dibujante de la España pos-franquista, a través de las páginas creadas para Ediciones B, El Papus, El Barragán, Garibolo, Makoki y la editorial Glénat.

Hasta el 25 de febrero.

Inés Ortega Inglada

2012-01-22T09:59:00.012+01:00

Sleeveface, l'home de les mil cares

"Sleeveface, l'home de les mil cares" es una colección de retratos de una misma persona. Con tan solo un vinilo cubriendo la cara del personaje, éste puede adoptar la personalidad del artista. Esta obra es una oda al 33rpm, un soporte al que muchos seguimos siendo fieles.

Más información sobre Inés Ortega
Texto: Inés Ortega

Premio Joven de Artes Plásticas de la Universidad Complutense

2012-01-20T08:28:00.003+01:00

Ya se encuentra abierta la IV edición del Premio Joven de Artes Plásticas de la Universidad Complutense (Madrid).

Puede optar al galardón cualquier persona o grupo de personas residentes en España –sin importar su nacionalidad- y con una edad comprendida entre 18 y 35 años.

El plazo para la presentación de las obras es del 30 de enero al 3 de febrero en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense.

El ganador con el primer premio recibirá 6.000€, y se entregarán otros 2.000€ a un máximo de dos accésit.

Puedes descargarte aquí las bases completas y seguir toda la actividad del premio en su twitter @premiojoven

Además los preseleccionados por el jurado aparecen en los catálogos que se editan anualmente y en la muestra colectiva de los premios. Curiosamente en 2010, Julio Falagán (Valladolid, 1971) fue preseleccionado y actualmente expone en el Da2 (Salamanca) 'El Día de la Hecatombe' con una gran pieza titulada con el mismo nombre y realizada en 2011.

(Haz clic en la imagen para ampliar)

Este premio demuestra una vez más lo importante que es apoyar a los jóvenes talentos, y además, lo interesante que es descubrir los artistas que despuntarán de aquí a unos años.

Comisariado de arte digital y nuevos medios

2012-01-19T08:32:00.059+01:00

'Comisariado de arte digital y nuevos medios' es uno de los nuevos cursos online que Ártica Centro Cultural 2.0 ha lanzado para este 2012, concretamente del 5 de marzo al 9 de abril.

Los modelos curatoriales han experimentado un gran cambio en las últimas décadas debido a la entrada de nuevas corrientes artísticas basadas en el campo digital. Estos cambios y nuevas percepciones en el modelo curatorial se plasman en este curso, a la vez que se analiza la figura del comisario y de la interacción del público con las obras digitales.

El curso ofrece un recorrido por las exposiciones más destacadas en la historia del comisariado, permite llegar a elaborar una propuesta expositiva teniendo en cuenta todas las fases que son necesarias para la consecución de una exposición y además se hace eco de la difusión y la comunicación, partes clave para dar a conocer este tipo de propuestas curatoriales.

El público objetivo del curso son profesionales del arte y la cultura, gestores culturales, artistas, curadores, docentes, emprendedores independientes y profesionales creativos en general.

Durante cinco semanas se tratarán los siguientes puntos:

1. Introducción a la curaduría y los nuevos medios

2. Festivales de nuevos medios y exposiciones relevantes. Del cubo blanco al cubo negro

3. Elaboración de propuestas expositivas y producción de exposiciones

4. Comunicación de exposiciones y eventos a través de la web y las redes sociales

5. Proyecto final. Gestión de proyectos expositivos. En este módulo se llevará a cabo la elaboración de una propuesta expositiva de arte y nuevos medios

Si estás interesad@, puedes inscribirte aquí. ¡Precio con descuento hasta el 31 de enero!

Los tres primeros módulos del curso están dirigidos por Julieta Manzano, curadora, investigadora y docente en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca. Además tiene el Postgrado en Gestión de Arte Actual en la Universidad de Barcelona, especialización en Prácticas de comisariado, y un Diploma de Postgrado en Conservación en la University of the Arts, Camberwell College of Arts, Londres, especialización en Conservación de fotografía y arte contemporáneo. Actualmente realiza estudios de doctorado en Historia del Arte en la Universidad de Barcelona con una tesis sobre Prácticas de comisariado, arte latinoamericano y nuevos medios. Ha trabajado en distintos museos en Inglaterra, Alemania y España, donde ha obtenido una visión práctica sobre los diversos aspectos relacionados con la gestión de proyectos expositivos y culturales.

Yo me encargo del cuarto módulo enfocado en la comunicación y tutorizo junto con Julieta los proyectos finales :)

Toda la información de este curso aquí y recordad que aún quedan algunas plazas libres para la II edición del curso Gestión Cultural 2.0.

Marvilla y Olga Vidal exponen en Suria su 'Gestación'

2012-01-18T08:29:00.066+01:00

El pasado 16 de junio tuvo lugar la inaguración de 'Gestación' en la Lleonera (Barcelona) con las obras del binomio formado por el pintor Marvilla y la escultora Olga Vidal. Ahora, esta exposición itinerante que va creciendo en cada espacio que la acoge, se inaugura este sábado a las 19h en Cal Balaguer Del Porxo, en la localidad de Suria (Barcelona).

En esta nueva etapa de 'Gestación' se podrán ver obras ya expuestas en la Lleonera, así como otras nuevas obras individuales y conjuntas realizadas por los dos artistas donde exploran y fusionan de manera magistral sus dos líneas de trabajo.

Marvilla, proyecta en su obra el cosmos, la creación primigenia, considerando que la fuerza suprema que llama Dios fue el primer gestante, creando el universo. Aquí también interviene su planteamiento más místico, considerando el circulo, la figura más natural y arcaica al encontrarse en el cosmos desde los albores de la vida.

Olga Vidal Asensio, con las esculturas aborda el proyecto de Gestación, haciendo un paralelismo entre la gestación y el proceso de creación de un artista con su obra, la creación más terrenal, la fertilidad, el embarazo, la gestación a través de la sensualidad de la figura femenina.

La exposición estará abierta hasta el 18 de marzo en horario de mañanas: de martes a domingo de 11-14h y tardes de los sábados de 16-18h.

¡No os la perdáis! :D

@laexpoexpandida en #arteyuncafe

2012-01-17T08:31:00.050+01:00

Justo dentro de un mes en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense (Madrid) tendrá lugar la I edición del encuentro Arte y un Café. Una iniciativa promovida por Veo Arte en todas pArtes que interrelaciona lo online y lo offline.

El encuentro reflexionará sobre los diferentes aspectos y realidades que tienen que ver con el desarrollo y uso del arte en la web 2.0, básicamente los blogs y las redes sociales, con el objetivo de mostrar sus posibilidades a los alumnos de Bellas Artes, Historia del Arte o Ciencias de la Información, y en general a todas aquellas personas interesadas en estas áreas.

El evento, además de ser presencial el 17 de febrero cuenta con una parte online que incorpora tanto intervenciones de los ponentes físicos como ponencias online.

Personalmente, y junto con el resto del equipo responsable de La Exposición Expandida, presentaremos el proyecto en la mesa III dedicada a los proyectos colaborativos entre bloggers, pero sin duda os recomiendo seguir el encuentro durante todo el día por la cantidad de profesionales que ha conseguido aunar. (Ver programa del encuentro)

Desde La Exposición Expandida haremos una ponencia explicando todo el proyecto y además hemos preparado un vídeo de presentación especial para la web donde hemos recogido opiniones tanto de comisarios participantes como de personas que están siguiendo el proyecto. Esta recopilación de opiniones sigue abierta, así que puedes expresar tu punto de vista del proyecto, tus propuestas de mejora, o lo que consideres en un tweet con el hashtag #laexpoexpandida :)

Jesús Madriñán

2012-01-15T09:58:00.019+01:00

Good Night London

"Good Night London" es una serie de retratos documentales tomados en diferentes clubs de Londres. Situando el interés en un escenario tan hostil, la serie explora cómo los entornos artificiales funcionan como un elemento clave en la construcción de la identidad adolescente.

La fotografía convencional de estudio se saca aquí de contexto invadiendo tan complejo escenario. La calma y la inspiración del estudio son substituidas por el ruidoso y hostil "night-club" como fondo en el que los personajes serán escogidos muy al final de la noche, justo cuando el local está a punto de cerrar.

Al igual que muchos otros elementos presentes en las salidas nocturnas, el hecho de estar enfrentados con una cámara ofrecerá tanto al retratista como al retratado una vuelta de tuerca más en el juego, en la cual poder inventarse una manera de proyectarse a ellos mismos según la narrativa que quieran representar en ese momento. Situar al individuo frente a la cámara y los focos permite capturar la proyección de aquello que quieran mostrar. "Good Night London" congela escenas reales, convirtiendo lo ruidoso y salvaje en una atmósfera de calma y serenidad.

Más información sobre Jesús Madriñán

Texto: Jesús Madriñán

¡Nos hemos cargado la cultura! Inercia cultural en la actualidad

2012-01-13T08:25:00.009+01:00

Hoy quería mostrar dos noticias del mundo del arte que, simplemente, muestran la realidad.

Por un lado se paga un sueldo de 5.500 € mensuales a una persona por dirigir un centro de arte que no existe. Sí, esto es cierto y ocurre en Barcelona desde hace bastantes meses.

Y por otro lado el mantenimiento de un museo sin programación cultural, y únicamente con una conservadora al frente, y cómo en la actualidad existen contables dirigiendo fundaciones culturales y decidiendo, incluso, la programación de éstas. Esto lo podéis escuchar en la interesante intervención de Rafael López en la radio explicando la verdadera situación de la cultura en Salamanca que ya pre-anuncié en este post.

¿Qué opináis?

Del pensamiento a la representación...

2012-01-12T08:33:00.013+01:00

... y del gesto al signo.

Éste es el título de la primera muestra individual que Alejandra Vicuña presenta en el Espai Antoni Miró Peris EAMP (Barcelona) (Carrer de la Nació 32 - Plaça Carme Monturiol, 10) hasta el 26 de enero.

Alejandra Vicuña (Santiago de Chile, 1981) es una artista multidisciplinar que combina su faceta como arteterapeuta y monitora de proyectos socio-artísticos con acciones artísticas, especialmente intervenciones, vídeo-arte y fotografía. Es en este último campo artístico, donde explora con mayor intensidad los problemas de la sociedad contemporánea y el redescubrimiento del ser humano.

En esta muestra se pueden ver un total de 40 fotografías de sus dos últimos proyectos performáticos realizados entre julio de 2010 y febrero de 2011.

-Del pensamiento a la representación

Este trabajo comienza con la creación de figuras representativas de esquemas y mapas mentales internos, que fueron traduciéndose a lo largo de un extenso proceso en símbolos. El origen de mi imaginario simbólico tiene que ver con un proceso introspectivo en donde voy desenmarañando características propias de mi personalidad y sus limitaciones.

Desde las más tempranas manifestaciones de expresión simbólica y escrita del ser humano, pueden vincularse el lenguaje oral y gestual, lo que lleva a imaginar que los conceptos e ideas surgen inicialmente de expresiones corporales y sensoriales. La danza y el canto por tanto acompañan a las primeras inscripciones pictóricas, dándoles un carácter mágico y ritual.

Bajo esta directriz planteo un ritual en el que se desarrolle este lenguaje simbólico con la intención de comprender, observar y sobretodo traducir el símbolo a una realidad concreta.

Para esto utilizo mi cuerpo como vehículo expresivo, y una prótesis que va desde mi cabeza hasta el suelo que proyecta mis esquemas mentales.

El ritual consiste en una danza que responde a las necesidades mentales y corporales del momento y del espacio que elijo para realizarlo.

El lugar y el momento idóneo para llevar a cabo el ritual se concretan en la Playa del Maresme en Barcelona, a las 6 am de la mañana del 27 de Julio de 2010. La playa me permite incidir sin dificultad en el terreno para la inscripción de los pictogramas, y el horario ofrece poca contaminación acústica e iluminación apropiada.

Fotografías de Mique Marchant Guardiola.

-Del gesto al signo

Bajo la directriz de la performance "del pensamiento a la representación", esta performance tiene como finalidad retratar el gesto a través del fuego, para observar mi comportamiento y movimiento en el espacio.

También intenta ser una aproximación a la creación de signos y símbolos a partir del gesto involuntario y voluntario. En contraposición con el trabajo anterior, se realiza en un espacio poco iluminado para potenciar las figuras emergentes.

La peformance se realiza en la terraza de un edificio del Barrio de Congrés En Barcelona el 24 de Agosto a las 04:00 am.

Fotografías de Alberto Montero.

La 'Patología Fotográfica' de Esteban Leyton

2012-01-11T08:30:00.004+01:00

Esteban Leyton realizó como proyecto final de su curso de fotografía artística en la escuela Mestre Mateo de Santiago de Compostela la serie 'Patología fotográfica'.

El título de la serie hace referencia a la definición que la RAE hace de la palabra 'patología': conjunto de síntomas de una enfermedad o parte de lamedicina que estudia las enfermedades. Esta definición, junto con su objetivo de trasmitir mediante unobjeto un dolor, una sensación, una angustia, o un sufrimiento le llevó a generar 'Patología Fotográfica', donde pretende mostrar a través de la conceptualización, diez enfermedades latentes en elmundo y en nuestra sociedad, como lo son el Alzheimer, SIDA, Depresión, Parkinson,Obesidad, Anorexia, Lepra, Osteoporosis, Cáncer de pulmón y Esquizofrenia.

En todas las imágenes la luz, los elementos y la composición fueron muy buscados, estudiados y conseguidos, utilizando además luces duras y elementos toscos, para trasmitir crudeza o soledad, o por elcontrario, calidez y sosiego mediante luces difusas y objetos con un toque metafórico.

El Alzheimer tiene la característica de nublar o borrar los recuerdos de quien lo padece. Esteaspecto fue el elegido para representar la enfermedad.Los recuerdos, muchas veces, van asociados a la fotografía. De hecho, muchos tenemos ennuestras casas las fotografías enmarcadas de nuestras vivencias o de nuestros seres queridos.Este hecho tan cotidiano lo quise extrapolar al Alzheimer. La perdida de la memoria significatambién la perdida de los recuerdos que, poco a poco, en la persona que sufre Alzheimer sevan quemando.

El sida destruye las defensas del organismo y deja entrar a todas las infecciones que sano no leafectarían, y son esas infecciones, las que lo matan. En la imagen se puede ver una rosa, ya marchita y completamente curvada. El sida ya entró ensu organismo. Poco a poco la flor va muriendo mientras el virus va dejando paso a las llamadas“enfermedades oportunistas”. El adelgazamiento, la pérdida de masa corporal y eldebilitamiento del cuerpo son las armas más poderosas de la enfermedad, junto con ladestrucción de las defensas. Las espinas en el suelo representan estas defensas ya derribadas porel virus.

La osteoporosis se caracteriza por la enorme fragilidad que tienen los huesos, debido a laperdida de masa ósea en su interior. Las personas que la sufren, están expuestas a fracturasconstantemente debido a su baja calcificación.La fragilidad extrema es lo que intento mostrar con esta imagen, representándola a través deunos carcomidos y casi podridos huesos de madera.La rudimentaria estructura se asemeja a una pelvis de la cual salen las piernas. Los poros que seobservan en ella se podrían comparar con la forma que tiene un hueso osteoporósico por dentro,casi vacío. Los contornos de la estructura son toscos y dan la sensación de gastados. Lainestabilidad debido a posibles rupturas de los huesos, sobre todo de las piernas, impide unalibertad de movimiento a las personas con esta enfermedad. Este aspecto se puede apreciar enlas piernas ligeramente flexionadas y suspendidas en el aire del sujeto.

El cáncer de pulmón es una de las enfermedades más mortíferas que hay en la actualidad. El cáncer de pulmón decélulas pequeñas se propaga muy rápidamente y es muy agresivo. Las pequeñas uvas negrassimbolizan estas células que se extienden por el órgano sin control, también tienen unsignificado que se puede comparar con la realidad, ya que un pulmón con este cáncer vaadquiriendo un color muy oscuro.La razón principal por lo que trabaje con racimos de uva en esta imagen fue la enorme similitudque tienen con el pulmón, aspecto que ayuda a comprender mejor la conceptualización de laenfermedad.

La peculiaridad de la lepra es la capacidad de la bacteria Mycobacterium leprae para“comerse” los tejidos de las personas que la padecen, sobre todo de las extremidades.En esta imagen, se quiso mostrar cómo la bacteria va devorando la mano hasta dejarla sin dedos,similar a lo que les pasa a los enfermos. También en la mano de madera podemos apreciar losclavos que están ensartados en la palma, añadiendo un síntoma más, el de la pérdida desensibilidad en las extremidades, que es lo primero que se siente al padecer la enfermedad.

La esquizofrenia es la enfermedad mental más compleja y más peligrosa. El esquizofrénico,aparte de sufrir aislamiento social, incomprensión y frustración, sufre de un miedo terrible, notan solo a las alucinaciones y a las paranoias que siente, si no, a no controlar sus emociones opensamientos. En esta fotografía se busca representar este miedo feroz que padece elesquizofrénico,El constante pavor que siente cuando supuestamente le persiguen, conspiran contra él y lequieren hacer daño, está representado en la mano con la pistola, apuntando hacia él. La máscaraque está al lado de la mano, evoca a las poderosas paranoias que recibe de seres que controlansus pensamientos y que saben lo que piensa y como actúa.Todos estos elementos caen sobre el esquizofrénico de madera que hay en la parte inferior de laimagen. Su cabeza fraccionada muestra el desequilibrio mental que provoca estas alteracionesen un cerebro enfermo.

El parkinson se caracteriza por el continuo movimiento de las extremidades que sufren losenfermos generalmente en manos y piernas, dicho movimiento se produce en estado de reposo.La fotografía trata de mostrar ese estado, a través del sillón, objeto que uno asocia a descanso.Las cuerdas son toscas y poco elaboradas, como si en un intento descontrolado del personajepor evitar el contoneo de su mano, tomase cualquier elemento que le ayudase a detener eldesagradable síntoma.

La anorexia es el progresivo adelgazamiento debido a la voluntaria inanición de alimentos. Estoprovoca un adelgazamiento extremo, bordeando lo esquelético, por parte del cuerpo de unapersona enferma.Las piernas de la muñeca de la fotografía están consumidos y solo quedan los huesos debido a lainanición. Por otro lado,muestra la figura estilizada que se desea tener, muchas veces impuestospor los rígidos cánones de belleza de nuestro entorno. Metafóricamente en la imagen, la muñecase observa, se analiza y se critica. No se siente bien del todo con su cuerpo a pesar de estardelgada y continúa adelgazándolo, hasta llegar a los huesos.

La obesidad es una afección provocada por la ingesta descontrolada de alimentos, sobre todo grasos. Los maloshábitos alimenticios de nuestra sociedad y el sedentarismo, hacen que esta enfermedad sea unade las causas mas frecuentes de desarrollo de diabetes y problemas cardiovasculares. Elvoluminoso aspecto de las personas con este problema es lo que se representa en la imagen.Poco a poco el ovillo va adquiriendo contundencia y grosor, debido al terrible deseo de que loshilos vayan rodeándole y saciando su gula, hasta con vertirse en una bola de aspecto pesado,cuyo esqueleto o soporte se pierde en medio de todo esa “masa” de hilos.El desorden en la composición y estructura de los hilos, representa el impulso descontrolado delas personas que padecen de obesidad por devorar los alimentos.

La depresión es calificada por los médicos como la “enfermedad de la tristeza”. El sufrirla es llevar encima un pesoterrible de culpa, frustración y desesperanza, que provoca en la persona afectada un doloremocional muy difícil de sobrellevar.La depresión ,va poco a poco haciendo que el afectado vaya cayendo en una espiral denegatividad y rencor destructivo hacia sí mismo, impidiendo que hábitos tan básicos ysencillos,como lavarse o conversar, se conviertan en cosas que no le interesan o repele en ciertoscasos.El padecer esta tristeza crónica y extrema, provoca que la persona vaya hundiéndoselentamente en la desesperación ,como un tornillo que va poco a poco girando e introduciéndoseen la madera, cada giro lo adentra más en la soledad y lo aleja de la superficie quedandoestancado y sin salida.

¡Gracias Esteban por darme a conocer tu 'Patología Fotográfica! :)

Interacción de los museos en las redes sociales: prueba @elMNAC

2012-01-10T08:37:00.006+01:00

Un día con @VeoArte acabamos hablando sobre la interacción de algunos museos en Twitter. @VeoArte acostumbra a hacer muchas preguntas, no sólo a sus followers, también a los museos para analizar el tipo de interacción de éstos y cómo cada equipamiento hace uso de las redes.

En ocasiones sucede que algunos museos utilizan Twitter como medio informativo, y su timeline es un continuo noticiario de lo que hacen. Pero ¿interacción? La verdad es que suele ser escasa.

Quisé hacer la prueba con el MNAC (Barcelona). En una de mis últimas visitas a este templo del arte catalán, me encontré con una pieza extraña, así que le hicé una foto y les pregunté por Twitter.

Creo que Twitter no lo suelen consultar mucho, pues no obtuvé respuesta, así que decidí volver a hacerles la pregunta en Facebook, donde me indicaron que pasaban la pregunta al conservador y al cabo de unos días me explicaron el porqué de esta obra ensamblada.

Creo que es importante que los visitantes de los museos incrementen su espíritu crítico y que si tienen dudas, comentarios o cuestiones entorno a una obra o un servicio del museo lo puedan preguntar libremente a través de la red.

Carlos Bravo

2012-01-08T09:57:00.015+01:00

Nobody

Nobody retrata lugares comunes hechos por y para el hombre. Espacios de transiciónen los que la presencia de la figura humana está marcada por su ausencia, pero suhuella es evidente.Áreas que cambian radicalmente a lo largo del día y que en el momento de retratarlasparecen desprendidas de su vitalidad y energía. Se muestran ante nosotros comosimples objetos, despojados de su funcionalidad.

En los trabajos de Carlos Bravo hay que detenerse pausadamente, escuchar sussilencios y sentir el transcurrir del tiempo. Las imágenes que nos muestra adquierenuna importante presencia por el simple gesto de utilizar los mínimos elementosposibles. La presencia por la ausencia.

En su rigor formal y conceptual se adivinan las huellas humanas y efímeras delhombre, dándole todo su sentido con el inmenso juego de equilibrar la luz y laoscuridad. Sus series de fotos están dentro de la tendencia contemporánea fotográficamás actual, que otorga al soporte fotográfico el poder para expresarse por medio detodo tipo de influencias, asimiladas de otras disciplinas como el cine y la publicidad.Esa forma de narrar tan personal con sus fotos, trasciende la pura anécdota parainstalarse en nuestros pensamientos, en nuestros sentimientos.

Más información sobre Carlos Bravo
Textos: Carlos Bravo y Paco Martí

La intrascendencia del Ministerio de Cultura, por @ahiebra

2012-01-05T08:34:00.001+01:00

Hoy simplemente me voy a limitar a postear el último y excelente post de @ahiebra y por deferencia, si queréis comentarlo, hacerlo en su blog donde ya han comenzado a debatir :)

La intrascendencia del Ministerio de Cultura

Ministerio de cultura sí, ministerio de cultura no. Durante las últimas semanas, la prensa ha dedicado no pocas páginas a abordar esta duda, surgida a raíz del cambio de gobierno y recientemente resuelta. Una duda razonable si atendemos a la importancia del tema, pero difícil de entender si pensamos en las escasas posibilidades de que un Ministerio como el que se barajaba influyese positivamente en nuestra cultura o de que mejorase, al menos, el rendimiento de la Secretaría de Estado equivalente.

Difícil de entender, también y como de costumbre, la indignación generalizada ante lo previsible -la elección de alguien como José Ignacio Wert para dirigir el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte-, suscitada por la recuperación de un artículo, publicado en El País hace ahora un año, en el que el señor Wert recurría a la manida comparación entre las descargas y el robo. Triste, de acuerdo, pero seamos sinceros, ¿alguien esperaba que Rajoy pusiese al frente de alguno de sus ministerios a David Bravo? Al fin y al cabo, al lado del texto en que Sinde culpaba a la piratería del fracaso de Méliès, el de Wert parece digno de Aristóteles.

Creo, no obstante, que el problema de fondo es que no se han planteado las cuestiones adecuadas. Lo importante no es la existencia de un ministerio, sino su propósito. A los que piden un Ministerio de Cultura me limitaría a preguntarles para qué lo quieren... Porque si es para seguir con lo que hemos tenido desde 2004, mejor ahorrárnoslo.

Insisto en el interrogante, que no tiene nada de retórico: ¿para qué un ministerio? Porque, aunque se habla sin parar de la independencia económica de la cultura, no se concreta cómo debe traducirse aquélla ni qué tenemos que entender por ésta. Entre los discursos de los profesionales del sector se repite con frecuencia un mantra: "la cultura genera riqueza y atrae turismo". Muy bien, aceptemos barco. ¿Por qué no dejarla en manos, entonces, del novísimo Ministerio de Industria, Energía y Turismo? Nada parecería más lógico y, sin embargo, la solución enerva a los defensores de la cantinela cultura-PIB. ¿Incoherencia o cinismo? Juzguen ustedes.

Hay un segundo mantra, tanto o más peligroso que el anterior: "la cultura debe ser autónoma". ¿La cultura? ¿En serio? ¿Y qué haremos para lograrlo? ¿Decirle "levántate y anda"? Lo que los directores de museos, cineastas, músicos, literatos y catedráticos de primera línea piden cuando reclaman autonomía para la cultura es, simple y llanamente, que se les facilite un interlocutor con rango de ministro y un amplio presupuesto del que sus respectivos centros culturales, productoras, discográficas, editoriales y universidades puedan disponer con libertad. Porque esto es lo que solemos entender por cultura, aquello que tiene visibilidad mediática, la esfera de la cultura oficial, de las grandes exposiciones, las galas, los estrenos, las publicaciones académicas, los best-seller y los homenajes. ¿Pero qué ocurre con lo demás? ¿Qué hacemos con esa ingente actividad creativa que se desarrolla lejos de los templos de la cultura? ¿Y con la enorme cantidad de artistas a los que el mercado y las instituciones dan la espalda? ¿Y con los que no tienen intención alguna de vivir de su obra? Nos guste o no, todos ellos forman parte de ese "mundo de la cultura" que algunos se obstinan en monopolizar. No debemos confundir la cultura con el conjunto de instituciones y personajes que hablan en su nombre.

El debate, en consecuencia, no se debe plantear en torno a la existencia de un ministerio, sino en relación con el modelo cultural que queremos adoptar. Pero en este país no tenemos claro qué queremos proteger, divulgar y promover bajo el término cultura, ni hemos pensando acerca de cómo conciliar la realidad de una economía de mercado con la necesidad de fomentar la creación artística y de preservar el patrimonio material e inmaterial. No resulta extraño, pues, que sigamos obviando preguntas esenciales y dando por buenas respuestas irreflexivas.

La lista de cuestiones que han sido históricamente ignoradas a nivel político es casi interminable: ¿la inversión pública en cultura debe estar condicionada a la obtención de beneficios económicos? ¿Cómo debe ser calculada la rentabilidad de la cultura? ¿Deben existir las subvenciones? De ser así, ¿qué criterios deben primar a la hora de concederlas? ¿Nos quedamos con las cifras de visitantes/espectadores o intentamos cuantificar de otro modo la influencia de cada proyecto? Si optamos por un sector cultural de financiación mayoritariamente pública, ¿qué mecanismos podemos habilitar para evitar el nepotismo, el caciquismo y la endogamia que lo han caracterizado históricamente? "Los artistas tienen derecho a vivir de su trabajo" ¿Quiere decir que el Estado debe mantenerlos a todos o que debe garantizarles un mercado libre en el que devorarse unos a otros? ¿O significa otra cosa? ¿O es directamente una falacia? ¿En qué condiciones debe ser distribuido un proyecto subvencionado y cuáles deben ser las obligaciones de sus artífices? ¿Debe la legislación cultural beneficiar a los creadores, a los distribuidores, a las creaciones o a sus receptores? ¿Podría reducirse la aportación estatal a tareas de producción y conservación de contenidos culturales? ¿Es necesario que la gestión del patrimonio se vincule directamente a la explotación turística? ¿Cuál es la función del patrimonio?

En general, ni el actual ministro ni quienes le han precedido en el cargo han contestado públicamente y en profundidad a estas preguntas (algunos han dado por sentadas las respuestas, otros se han perdido en una retahíla de ambigüedades del estilo subvenciones sí, cultura subvencionada no). Muchos gestores culturales y artistas siguen el mal ejemplo: piden más dinero para la cultura sin proponer un programa en que emplearlo; exigen un representante sin especificar qué o a quién debe representar; entienden, erróneamente, que todo euro invertido en instituciones culturales está bien gastado. Cuando no hay manera de evitarlo, el debate se simplifica vergonzosamente: mecenazgo vs. financiación pública. Incluso asumiendo una polaridad tan simple y tan plana, convendría hacer un estudio riguroso acerca de ambas opciones y explicar las ventajas e inconvenientes de cada una de ellas. ¿En España? Ciencia ficción, claro.

A lo mejor es buen momento para dejar de escurrir el bulto y empezar a delimitar las competencias y objetivos de los organismos culturales estatales; de aclarar por qué pensamos en cultura al hablar de cine o arquitectura y no al hablar de ingeniería o programación de software; de decidir qué actividades creativas queremos proteger, a qué nivel deseamos hacerlo y qué papel queremos asignar al Estado en esta tarea. De lo contrario, estamos condenados a seguir legislando, proclamando, sufragando, criticando, protestando, llorando, pidiendo y dando en vano.

Demuestra tu creatividad en #NokiaPropositos2012

2012-01-02T08:35:00.019+01:00

¡Feliz año nuevo!

¿Cómo estáis? En esta semana 'de reyes' os propongo participar en el concurso 'Propósitos Nokia 2012' para ganar el nuevo Lumia 800 de Nokia, el primer dispositivo de la compañía finlandesa que opera bajo el sistema Windows Phone.

Este blog @eldadodelarte junto con @ceslava, @selvaorejon y @abelsutilo conformamos el jurado que elegirá al ganador en la categoría de 'diseño'. ¿Quieres ser tú? ¡Atento!

1. Has de ser rápido. Tienes tiempo para participar hasta el próximo lunes día 9, el nombre del ganador se hará público el martes día 10.

2. Has de ser creativo. ¿Qué te inspiran los colores del nuevo Lumia? Crea algo (una tarta, un vestido, un collage, ...) donde los colores del Lumia 800 sean los protagonistas. ¡Tu imaginación no tiene límites, así que demuéstranoslo!

3. Has de tener cuenta de Twitter y compartir la fotografía de tu creación en un tweet incorporando la foto o el link de tu creación junto con el hashtag #NokiaPropositos2012 y el usuario @NokiaSpain (Ojo, para entrar en el concurso ha de contener los 3 requisitos: tu creación + hashtag + usuario).

¡Disfruta de esta oportunidad y estrena móvil en este 2012!

Cristina de Middel

2012-01-01T10:09:00.031+01:00

Afronautas

En 1964, con la euforia por le recién ganada independencia aún fresca, Zambia lanzó su primer programa espacial. Su objetivo era mandar doce astronautas y diez gatos a la luna, superando así el reto que exhibían Estados Unidos y la Unión Soviética en plena carrera espacial.

Pocas personas apoyaron entonces la ambiciosa iniciativa de Edward Makuka, un profesor de secundaria zambiano que estaba al mando del proyecto y que se encargó de difundirlo y buscar financiación sin demasiado éxito.

Como anécdota la iniciativa constituye un detalle exótico y tierno dentro de la sangrienta historia africana pero también un ejemplo de la grandeza del ser humano y su capacidad de superación.

Como fotoperiodista siempre he tratado de ofrecer una visión excéntrica de la actualidad y por "excéntrica" entiendo, alejada de los canales y las formas asumidas. Así pues mi discurso dentro de la documentación se ha centrado siempre en pequeñas historias cuya reflexión puede ser válida en contextos mucho más trascendentes y documentados.

Como artista he elevado mi reflexión para situarme, ya sin las ataduras de veracidad y del documentalismo, en la difuminada frontera que separa la realidad de la ficción. Así pues me interesa reflexionar sobre aquellas manifestaciones que son falsas pero parecen reales y sobre aquellos acontecimiento que son veraderos pero parecen mentira.

Dentro de esta línea de trabajo el proyecto "Afronautas", que presento y que he venido desarrollando en los últimos meses, constituye un paso adelante en mi reflexión sobre la carga real de las fotografías como documento. Se trata de un ensayo más sobre la previsible reacción que la audiencia tiene con la imagen fotográfica y sobre su mecánica asimilación pero también un revulsivo hacia el cliché africano cargado de folclore y batallas: un acercamiento insólito al continente basado en su historia reciente.

Basándome en la increíble pero cierta noticia de hace 50 años, con esta serie de fotos reconstruyo las escenas que podrían haberla documentado entonces y refuerzo su veracidad añadiéndole a esa certeza mi carga personal y el fruto de mi imaginación.

El resultado es un fábula entrañable que tiene como trasfondo la espíritu de superación y la persecución de los sueños, pero que también tiene como moraleja la resignación inevitable ante un mundo y una realidad que concede pocas excepciones a la lógica del mercado y sus potencias.

Más información sobre Cristina de Middel
Texto: Cristina de Middel

Clara Asanza

2011-12-25T10:10:00.007+01:00

Trópico idiopático

Trópico idiopático es un paraíso visual, una utopía basada en el absurdo, que estudia a modo de guía médica enfermedades contemporáneas, enmarcadas en escenarios tropicales y urbanos. Pequeñas selvas de la urbe, micro espacios vegetales, que sirven como envoltorio a una catalogación de retratos y dolencias.

Dolencias de carácter idiopático (Adjetivo utilizado en medicina para clasificar enfermedades de una o más causas que son de algún modo poco conocidas, la causa puede no ser realmente aparente o caracterizada, A medida que la medicina y los avances científicos se producen en relación a una enfermedad, más causas radicales se descubren, y el porcentaje de casos designados como idiopáticos decae).

A través de estas imágenes se muestran casos de enfermedades con pasado desconocido, sin procedencia aparente, pero que afectan como cualquier otra a órganos vitales. Una muestra de desdichas, logros, enfrentamientos, asimilaciones personales, y un auto desconocimiento hacia las propias entrañas, experiencias que nacen de lo más visceral y humano de nuestro interior, y que dan lugar a fotografías perdidas en el tiempo estético y en un contexto de naturaleza buscada.

El resultado visual se muestra a través de miradas perdidas de individuos que quedan enmarcadas a modo de camafeos circulares, que quieren encontrar un trópico utópico dentro de las esferas del globo terrestre.

Más información sobre Clara Asanza
Texto: Clara Asanza

El #DA2 pasará a gestionarse por una persona?

2011-12-23T08:36:00.062+01:00

Hace casi un mes posteé sobre la situación que se estaba viviendo en Barcelona en el ámbito de los museos y sus direcciones. Como novedad, apuntar que ya ha salido el concurso público del Museu Picasso y el nombramiento de Marçal Sintes como nuevo director del CCCB (tema en el que hoy no entraré). Y el nombramiento del licenciado en Derecho, José Ignacio Wert como Ministro de Cultura, Educación y Deporte.

El estado de la cultura es grave, no sólo en Barcelona, también en muchas ciudades de España. En Salamanca por ejemplo despidieron ayer por razones presupuestarias a dos de los tres trabajadores con los que contaba en la actualidad el DA2, el centro de arte contemporáneo de la ciudad, tras el despido este verano del coordinador de la programación, Javier Panera.

¿La idea es que el centro sea gestionado por una única persona?

Desde verano tres personas se han dedicado a la programación expositiva del centro y a la conservación de las dos colecciones que posee: DA2 y Fundación Coca-Cola. Entre las dos, más de 750 obras de arte contemporáneo, que requieren de una atención diaria en labores de conservación, préstamo, catalogación, restauración, etc.

¿Y que hacemos con la programación para 2012 en la que se viene trabajando?

El centro tenía preparadas diversas muestras para este año, de artistas de la talla de Daniel Richter, Eugenio Merino, Pejac o José Manuel Ballester, junto con las exposiciones de artistas emergentes y los proyectos conjuntos con la Fundación Coca-Cola y los museos de la comunidad autónoma.

¿Se le dará algún uso a este equipamiento que acogió muestras tan espectaculares como la de Bernardí Roig o Ackermann?

Nueve años de trabajo y esfuerzo por llevar a una ciudad alejada de los circuitos artísticos la obra de artistas internacionales, muchos de ellos nunca antes expuestos en España. Tiempo en el que se han dado a conocer muchos artistas locales y emergentes.

Por ahora estas son las noticias... :(

Aniversario, radio, ebook, curso... ¡novedades!

2011-12-22T08:29:00.006+01:00

Recientemente el blog ha cumplido su quinto año de vida :) ¡gracias a tod@s por visitarlo, leer, comentar y recomendar sus posts!

Anunciar también que, con el cierre de Radio Blanes, ha finalizado mi colaboración semanal en el programa 'No som savis' de Radio Blanes, todos los podcasts en los que he podido participar están aquí listados:

Y...acabo con dos buenas noticias:

Ya esta disponible la descarga del e-book de 'Arte Joven y Cultura Digital', curso organizado por Ártica 2.0. He aportado mi granito de arena escribiendo el prólogo, creo que es una excelente lectura navideña!

Para finalizar, comunicaros que ante el éxito de la I edición del curso 'Gestión Cultural 2.0' el próximo mes de febrero dará comienzo la II edición. Participo como docente con la parte de Herramientas 2.0 para gestores culturales, ¡sería un placer contar con vosotros como alumnos! :)

De Skype al museo :: Christopher Baker

2011-12-20T08:28:00.001+01:00

La obra de Christopher Baker trata la relación de la sociedad con las nuevas tecnologías. Su obra más conocida es 'Hello World!' una instalación inmersiva de vídeo con más de 5.000 vídeos encontrados en Internet dentro de la plataforma de videoconferencia Skype.

El subtítulo de la obra 'How I Learned to Stop Listening and Love the Noise' delata el deseo humano de ser oído, pero, que mostrado junto a miles de vídeos queda neutralizado, porque no existe superposición o primacía de un vídeo sobre otro.

Santos Román

2011-12-18T10:06:00.020+01:00

Aesthetics

Aesthetics no es simplemente una recopilación de retratos de mascotas, ni nada más que una documentación sobre la realidad de las exposiciones caninas. Aesthetics es un trabajo psicológico completo y reflexivo que utiliza como excusa el mundo animal y en concreto una de sus manifestaciones más controvertidas, para conectarnos con actitudes, conductas o experiencias que nos ligan al mundo que vive fuera de nosotros y que en el fondo no es tan distinto al nuestro propio. Con el retrato de cada uno de estos personajes, que en realidad son imágenes de vivencias e intenciones, se repiten los esquemas de aquello en lo que se deposita la mirada.

Es difícil enfrentarse a estas imágenes sin identificarnos con el animal retratado y encontrarnos parecidos y similitudes como si de un ser humano se tratara. La verdad del universo es que nuestro mundo está vinculado inseparablemente al ser humano y moldeado por sus acciones. Y partiendo de esta idea del retrato psicológico, Santos Román (Oviedo, 1983), ha conseguido reflejar un mapa de expresiones faciales, miradas profundas y gestos complejos que nos permite vislumbrar la “personalidad” del sujeto adentrándose en una comprensión del mundo animal profunda y apartándose de la fría mirada de la mascota como objeto decorativo de salón.

Navegando a través de esta farragosa zona de conflicto entre “lo natural” y el “artificio” podemos vislumbrar lo complicado de penetrar en una idea de la estética que no se sitúa ni dentro del elaborado mundo de la industria de la belleza ni en el concepto de salvaje o indómito como sublime, sino en el mapa de las emociones que desvelan la asombrosa profundidad del ser.

Más información sobre Santos Román

Textos: Teresa Collazo Lugo

El hiperrealismo de Dirk Dzimirsky

2011-12-14T08:32:00.001+01:00

A Dirk Dzimirsky (Rhede, Alemania, 1969) le interesa la sobresaturación de capas, de líneas y de puntos y la interrelación entre estos elementos.

Sus fotográficos dibujos -a lápiz, pastel o carboncillo- incitan a observar detalladamente sus trazos buscando la esencia de cada rostro. El hiperrealista resultado lo consigue desenfocando el fondo y trabajando por capas consiguiendo dotar a los rostros de volumen y profundidad, y acercándose así al uso del diafragma en fotografía.

World Press Photo en el @cececebe

2011-12-13T08:33:00.003+01:00

Hasta ~~este domingo~~ el próximo 23 de diciembre, el CCCB (Barcelona) acoge la muestra 'World Press Photo 2011' organizada por la Fundación Photographic Social Vision.

'World Press Photo' esta calificada como la mejor cita del fotoperiodismo internacional, tanto por la calidad de sus fotografías, como por el debate y la critica que generan cada uno de los trabajos presentados. La muestra recoge las 170 fotografías ganadoras del prestigioso premio internacional de fotoperiodismo y se ha convertido en una cita con los sucesos políticos, sociales, culturales y deportivos del último año. Un espacio donde fotoreporteros de todo el mundo pueden presentar sus trabajos, muchas veces censurados por los gobiernos o los medios de comunicación.

En la edición de este año, el jurado formado por 19 miembros recibió 108.059 imágenes de 5.691 fotógrafos procedentes de 125 nacionalidades.

Jodi Bieber, Sudáfrica.

Institute for Artist Management/Goodman Gallery
para Time magazine.

En cada edición hay una fotografía 'ganadora', este año es la de la sudafricana Jodi Bieber que inmortaliza a Bibi Aisha, una chica afgana de 18 años que fue mutilada como castigo por huir de la casa de su marido en el centro de Afganistán. La imagen invita a descubrir la historia de esta chica que cuando tenía 12 años junto con su hermana menor fueron entregadas a la familia de un combatiente talibán, y cuando llegó a la pubertad, ya estaba casada con él. Aisha regresó a casa de sus padres quejándose del trato violento que recibía por parte de su familia política y los talibanes la buscaron para llevar a cabo su represalia por la humillación recibida, cortándole las orejas y la nariz. Aisha fue abandonada para ser más tarde rescatada y llevada a un refugio dirigido por la organización 'Mujeres para Mujeres Afganas' en Kabul donde recibió ayuda. Tras pasar un tiempo en el refugio, fue trasladada a Estados Unidos para recibir terapia y someterse a una reconstrucción facial.

Como bien explica la directora de Photographic Social Vision, Silvia Omedes, el lema de la fundación es 'ver para creer', por ello buscan concienciar a través de la fotografía de la realidad mundial, y animan al público a ampliar el punto de vista de los acontecimientos. Es gracias a esta asociación y al CCCB que podemos disfrutar de estas fotografías en Barcelona.

La fundación holandesa World Press Photo lleva más de 50 años apoyando al fotoperiodismo internacional y es la responsable de organizar esta muestra que se puede ver anualmente en más de 80 ciudades de 40 países y consigue reunir más de 2 millones de espectadores. Sus imágenes nos informan, nos emocionan y sobre todo nos invitan a reflexionar sobre nuestra sociedad.

2º Premio Reportajes Gráficos. Arte y Entretenimiento

Daniele Tamagni, Italia. Las cholitas voladoras, Bolivia.

La lucha libre es uno de los espectáculos más populares en Bolivia. Las mujeres luchadoras son conocidas como cholitas y en los últimos diez años han hecho muy popular este deporte. Aquí, Carmen Rosa y Yulia la Pacena combaten para recaudar fondos destinados a la construcción de los lavabos de una escuela en La Paz. Bolivia 26 de Junio.

Hace un par de semanas ya recomendé esta exposición en Radio Blanes, escuchad aquí.

Miren Pastor

2011-12-11T09:50:00.008+01:00

Waiteen

No transcurren muchos años desde que uno deja de ser niño hasta que pasa a ser adulto. Pero cuando se experimenta en primera persona, ese periodo se hace eterno. Época de cambios, secretos, sorpresas... son tantas las expectativas, las oportunidades, que la vida podría ofrecer, que se vive más en el mañana que en el presente.Para mi la adolescencia fue una época de continua espera.

Más información sobre Miren Pastor
Texto: Miren Pastor

Maurizio Cattelan y el horror vacui del Guggenheim

2011-12-09T08:43:00.006+01:00

Me encanta Maurizio Cattelan, pero me encanta tener el 'espacio' necesario para poder disfrutar de cada una de sus piezas. Por ello, el montaje de su retrospectiva en el Guggenheim de Nueva York, me parece lo más desacertado que podrían haber hecho con su obra.

Colgar una obra, dos a lo sumo del gran óculo del museo, hubiera estado bien, pero visualizar obras como 'La Nona Hora', 'El' y otras 128 obras colgadas resulta cuánto menos apabullante y rozando el horror vacui.

¿Éste es el árbol de Navidad que ha montado el Guggenheim?

Una retrospectiva en la rotonda del museo donde las piezas pierden esa fuerza individual que caracteriza muchas de las obras del italiano para convertirse en espectáculo. Un espectáculo que además es trasladable al iPhone, iPad y Android, con cuya aplicación seguramente se disfrutará más.

Mitch Epstein

2011-12-08T08:57:00.038+01:00

Mitch Epstein (Massachusetts, 1952) es un conocido fotógrafo americano cuyas obras están presentes en numerosas colecciones de todo el mundo.

Dos de sus series más destacadas son:

Serie 'American Power', donde analiza cómo se produce y es utilizada la energía en el panorama americano, así cómo los alrededores de sus centros de producción con el objetivo de criticar el consumo masivo de ésta en los Estados Unidos.

Serie 'Berlín', gracias al premio Berlín en Artes y Letras, Mitch pudo estar en el año 2008 un período de seis meses en la Academia Americana en Berlín. Su objetivo fue examinar la historia de la ciudad fotografiando los restos de la guerra y la historia de la posguerra. El resultado son imágenes a medio camino entre la contradicción y el surrealismo.

Elías Santis en Buenos Aires

2011-12-07T08:29:00.023+01:00

Hasta el 10 de diciembre la galería Mite (Buenos Aires) acoge la exposición 'Orbita Prima' de Elías Santis (Buenos Aires, 1980). Un conjunto de obras que nuevamente muestran el interés del argentino residente en Chile sobre la evolución de la especie humana jugando siempre con el onirismo y el surrealismo mediante la incorporación de objetos u otras especies que cohabitan con el ser humano en un mismo espacio-tiempo.

De la producción de Elías destaca sobre todo, la capacidad de reinterpretación de los elementos y conseguir plasmar una tensión contenida en medio de un caos.

Si tenéis la oportunidad de visitarla en vivo, no lo dudéis! :)

Caras B de la Historia del Vídeo Arte en España

2011-12-06T09:34:00.001+01:00

La semana pasada recibí un estupendo regalo: el catálogo de 'Caras B' que trata de reivindicar el valor del vídeo arte realizado en España que, sea porque las obras no tuvieron 'su momento', eran de autores desconocidos o no contaban con suficiente presupuesto, la difusión de éstas piezas ha sido prácticamente nula.

Gracias a las investigaciones de Nekane Aramburu y Carlos Trigueros, ahora este material y esta historia sale a la luz. Vídeos rechazados en los festivales, vídeos caducados, obras poco o nunca vistas, etc. en definitiva, "vídeos en la estantería" cómo les gusta decir a éstos dos investigadores.

Un recorrido por cuatro décadas por la historia no oficial del vídeo arte en España, desde la dictadura y los incipientes ensayos de experimentación al actual mestizaje e interdisciplinariedad. En total, 60 obras casi inéditas forman parte de esta exposición de la AECID, dentro de su departamento de promoción cultural exterior y, que ofrece a embajadas y centros culturales. La muestra ha itinerado en agosto de 2011 en el Thai Short & Film Festival de Bangkok, y en septiembre en el EXiS Experimental Film Festival de Seul. Ahora, hasta el 14 de diciembre la muestra se puede ver en el Instituto Cervantes de Sydney y se tiene pensado que itinere a lo largo de todo 2012 y 2013.

Berta Vicente Salas

2011-12-04T09:41:00.014+01:00

Me entusiasma crear dimensiones paralelas, donde tu decides lo que vas retener y lo que vas a dejar escapar, donde realidad y fantasía bailan al mismo compás.

Más información sobre Berta Vicente Salas
Texto: Berta Vicente Salas

Campaña 2012 para @Doodle4Museums #d4m

2011-11-30T10:52:00.001+01:00

Nuevamente Soledad Gómez, Montaña Hurtado, Nuria García y yo retomamos la campaña Doodle 4 Museums, con el objetivo de que Google dedique un Doodle a los museos el próximo día 18 de mayo de 2012, con motivo de su día internacional. Precisamente este año el lema escogido por el ICOM para ese día es: “Museos en un mundo cambiante, nuevos retos y nuevas aspiraciones“, ¿y que mejor que un doodle para celebrarlo? :)

El año pasado hicimos una campaña muy breve pero en apenas tres meses, se sumaron más de cien personas y más de cincuenta museos de España, América Latina y Portugal. Este año, con más tiempo, queremos que el objetivo se convierta en realidad, para ello os animamos a seguir la página creada en Facebook, el usuario de Twitter, y como gran novedad, marcar vuestro apoyo públicamente gracias a Twibbon.

Más información en la web creada para la campaña.

¡Os esperamos!

Rafael Manzano García

2011-11-27T09:57:00.049+01:00

Cuando te planteas empezar un proyecto, tanto por encargo como de manera personal, e incluso de ambas formas, lo más importante es el por qué lo haces, por qué diriges tu mirada hacia esta dirección tan concreta, por qué esas imágenes y no otras.

Este es un proyecto que empezó siendo una disyuntiva en mi vida. Regresaba a mi tierra, Almería, después de haber estado viviendo fuera, con las circunstancias que eso conllevaba: amigos que ya no están, la familia y su idiosincrasia particular en donde has perdido ritmo, gente que te necesitaba desde hacía tiempo, un tiempo que tú no tenías, nuevos horizontes profesionales y personales, sueños por cumplir, otro tipo de luz (esperada)... Necesitaba, en definitiva, encontrar mi sitio.

Pero eso a veces no es posible porque ese tiempo en el que has estado fuera ha hecho mella en ti, en tu interior, en tus gustos, y de pronto te ves que estás en una ciudad en la que nada es lo que recordabas, lo que necesitas en ese momento este lugar no te lo puede dar. Y eso es una situación dura, más si cabe porque tu vida se rige por "imágenes", por situaciones visuales que te aportan, que te orientan hacia esos designios que se abren ante ti, y eso no lo tienes ¿Qué hacer entonces? ¿Me marcho de nuevo? Nunca veo a mi familia, ¿me voy a despegar de ellos de nuevo cuando acabo de llegar? La luz que hay aquí es un milagro para un fotógrafo, ¿me quedo? ¿Me quedo y me reciclo?...

Elegí quedarme aun sabiendo que no tenía sitio ni emocional ni deseado, y defraudado por no saber si es que este no era mi sitio o si yo no estaba a la altura de lo que me ofrecía, en tanto ciudad, en tanto proyecto vital.

Si elegía quedarme y reciclarme tenía que hacer algo, buscar un nexo entre lo que había delante de mí y lo que yo querría haber encontrado en esta ciudad que a todas luces no coincidía conmigo, ni social ni fotográficamente, además de una especie de rechazo que sentía cada día. ...Y lo encontré en El Mar y su Orilla... Fue en este escenario donde pude sentirme feliz, tranquilo, donde podría reflexionar acerca de la fotografía como universo vital, sobre el amor, las relaciones personales, las etapas venideras y sobre la característica aglutinadora del mar y su orilla, para convocar gentes, situaciones y momentos.

Estuve 5 meses fotografiando todo tipo de de lugares donde apareciera el mar, visiblemente o intuido; esto es, la zona de orilla. También empecé a reflexionar sobre los límites físicos, las orillas físicas y las emocionales, y sobre esto había mucho que pensar: las dos orillas (Al Andalus), Europa y África, la profundidad y misterio del mar y la supuesta concretud y protección de la tierra firme, lo seco y lo mojado... como conceptos contrapuestos a priori, que afectan en maneras diferentes según su naturaleza, al ser humano, a su relación con todo lo que le rodea.

Establecí como parámetro fotográfico del proyecto, el "dotar" a aquellas imágenes que iban proyectándose delante de mí de esas carencias que tenía. De modo que ya no eran paisajes sin más, eran sentimientos de soledad, alegría, revelación... eran el sofá, la mesa y los libros de mi casa, eran las personas a las que echaba de menos y aquellas con las que ya nada tenía en común... eran de todo menos estampas de naturaleza.

Pensé en cómo podría darles esa personificación, cómo hacer esa conversión fotográfica decentemente y surgió la Luz. Es sabido por muchos grandes fotógrafos que han venido a esta tierra, la calidad y singularidad de la luz que yo tenía delante de mí. Así que consecuentemente con los otros aspectos de esta serie fotográfica, volví de nuevo al límite divisorio, esta vez de la luz. ¿Cómo podría saber dónde está el límite de reflexión de la luz en un objeto cualquiera? ¿Qué significaba El límite lumínico?... Después de reflexionar acerca de esta cuestión puramente física, llegué a la conclusión de que el límite podría habitar (como todo en la vida) en ese primer momento en que la luz expone una superficie, dejando en sombras las zonas cercanas y a oscuras las más alejadas.

A mí me interesaba sólo el primer momento en que ese reflejo lumínico podía desvelarme alguna información de la Luz. Algo de culpa tuvo el estudio y posterior tabla de exposiciones que Ansel Adams evolucionó y estableció sobre las distintas zonas en las que la luz interfiere: zona de negros, zona de grises y zona de blancos con sus derivados en negros sombreados, grises jaspeados y blancos puros. Para unir estas dos vertientes concretas (la personificación de las imágenes en situaciones personales y la reflexión acerca de la cualidad separadora y reveladora de la luz) en un todo en cada una de las fotografías, proponía la cualidad limitadora de la luz que me inspiraban mis propias carencias personales y vitales, que solaparía en dichas escenarios fotográficos, sin distinguir entre objetos, personas o animales.

Así, 5 meses trabajando sobre este proyecto, casi vomitando las imágenes que me llamaban la atención por su capacidad para acoger esta historia personal y existencial como escenarios en los que se interpretaban los conceptos sobre los estados carentes-poseídos universales: la desesperación, la soledad, la paciencia, la alegría porque lo difícil no dure siempre, la felicidad esquiva, las coordenadas humanas, el amor..., lo que nos hace movernos a los seres humanos, al mismo tiempo regados con esa luz, en tanto límite que sugiere y contextualiza.

De ahí el título Lumina Confinis (el último límite de luz) ...

Más información sobre Rafael Manzano García y su proyecto Lumina Confinis

Texto: Rafael Manzano García

¿Qué está pasando en Barcelona con las direcciones de las instituciones culturales?

2011-11-25T11:42:00.008+01:00

En Barcelona estamos viviendo desde los últimos meses una renovación de cargos de dirección en museos y centros expositivos bastante importante. Desde que a comienzos del verano, Maite Ocaña directora del MNAC presentara su dimisión y estos días se hable ya de Pep Serra como su sustituto al frente de la institución. Por ende, Pep Serra abandonaría el Museo Picasso, siguiendo los mismos pasos que Maite Ocaña quien, antes de ser directora del MNAC lo fue del Picasso.

Por ello, saldría a concurso la plaza de director del Museo Picasso, en cuánto Pep Serra se incorpore al frente del MNAC. Esperemos que el Museo Picasso, dependiente del Ayuntamiento de Barcelona, sí saque a concurso la plaza, no cómo en La Virreina cuyo nombramiento de Llucià Homs ha levantado la polémica de nuevo sobre la no-celebración de un concurso abierto, siguiendo el manual de buenas prácticas, que en según qué casos, vemos cómo es omitido...

Llucià Homs se incorporó a la plantilla del Instituto de Cultura del Ayuntamiento en junio, manteniendo la programación de La Virreina dejada por Carles Guerra, su antiguo director que pasó a formar parte del staff del MACBA como conservador jefe en sustitución de Chus Martínez que se unió al equipo curatorial de Documenta 12 en Kassel (Alemania).

No olvidemos que Llucià era hasta su incorporación al Instituto de Cultura, el director en Barcelona de la empresa privada La Fábrica.

Pero esta sucesión de nombres y de cargos, no termina aquí, recientemente asistimos a la no-renovación de Josep Ramoneda al frente del CCCB, una destitución de lo más criticada, por lo que el CCCB ha sido y sigue siendo para Barcelona, ese centro a medio camino entre el centro de exposiciones y los centros culturales del siglo XXI que proponen exposiciones temáticas.

De todo esto y más (CoNCA, caso Moritz Küng, etc) se dió cuenta Elena Vozmediano en su artículo de ayer en El Cultural, que podéis leer aquí.

Tanaka Tatsuya y el calendario de miniaturas

2011-11-24T08:51:00.003+01:00

Gracias a la app para iPhone Instagram he podido conocer el proyecto de Tanaka Tatsuya, un calendario realizado a partir de miniaturas.

¿Qué os parece?

¿Cómo actúan los museos españoles en las redes sociales?

2011-11-23T08:52:00.004+01:00

La presencia en Facebook y Twitter de 50 museos, centros o espacios españoles ha sido analizada en el nuevo estudio de dosdoce.com titulado 'Conexiones entre Museos en las Redes Sociales'.

Un estudio elaborado entre mayo y octubre de 2011 cuyas fases han sido:

1. Selección de un número relevante de museos, centros de arte y espacios de producción suficiente para el estudio.

2. Identificación de los centros.

3. Anotación de los datos cartográficos de cada centro para posteriormente localizarlo en el mapa de España.

4. Realización de un mapa de España con todos los centros.

5. Identificación de las relaciones existentes entre los diferentes centros a través de las conexiones establecidas entre sus redes sociales.

6. Visualización de las relaciones a través de gráficos vectoriales.

7. Mostrar el tejido resultante entre redes.

8. Análisis de los puntos de más actividad en el mapa y demostración de la centralización de los datos.

9. Comprobación del nivel de seguidores con los que cuenta cada centro.

10. Representación de la participación de cada centro en las redes sociales seleccionadas a través de gráficos de datos.

11. Estudio del éxito de interacción del usuario con las redes sociales de las que forma parte y la respuesta dada por la institución.

Uno de los objetivos del estudio era evaluar el tono y enfoque de las conversaciones de estas instituciones, y descubrir si eran conversaciones o simples monólogos corporativistas. También observar de qué manera interrelacionaban entre ellos y con su público.

Os invito a conocer cómo están actuando estas instituciones en las redes sociales leyendo el documento completo en Licencia Creative Commons que se puede descargar gratuitamente aquí.

Obras cedidas y obras robadas en busca de dueño

2011-11-22T08:40:00.004+01:00

En los últimos días han salido a la luz dos noticias bastante diferentes. Por un lado la cesión de 450 obras de arte contemporáneo por parte del galerista Yvon Lambert al estado francés y por otro lado, la exhibición en la web de la Dirección Central de la Polícia Judicial Francesa de más de 6.000 obras robadas recuperadas por la policía en las últimas décadas.

Volviendo a la donación de Lambert, las obras que el galerista francés ha donado se exhibirán en la colección permanente del Museo de Arte Contemporáneo de Aviñón (Francia) y, además, serán catalogadas y tasadas próximamente por Christie's.

Entre las 450 obras nos encontramos con nombres como Miquel Barceló, Douglas Gordon, Anselm Kiefer, Basquiat, Cy Twombly, etc. Una colección de arte contemporáneo que reúne a los artistas plásticos más importantes del siglo XX y que, ya es considerada como el donativo artístico más importante que recibe el Estado francés, tras el legado de Picasso que cedió cerca de 3.500 obras al Louvre, hasta la creación de su museo homónimo en la capital francesa.

Ahora, Lambert, el galerista francés más importante del siglo XX, que compró su primera obra con apenas 14 años y que se ha catapultado al éxito gracias a su apoyo al conceptual, al minimalismo y al 'Land Art' ha decidido a sus 65 años abandonar su profesión de marchante, cerrando en junio su galería de Nueva York y cediendo su sala parisina a Olivier Bélot.

Sin movernos de Francia, desde http://www.avisderecherches.interieur.gouv.fr/osvnaviguer.asp podemos conocer las obras recuperadas del golpe a la casa de subastas Druot, el robo más grande de piezas de arte acontecido en París, más de 6.000 obras (cuadros, muebles de época, orfebrería, esculturas, etc.).

Obras de Picasso, Renoir, Chagall, Coubert y Rembrandt figuran entre las obras que se han ido recuperando en las últimas décadas durante 147 allanamientos en contenedores del este de París, en Bagnolet. Piezas que iban a ser subastadas por Druot. Al hacer públicas las obras, la Polícia francesa busca a los dueños legítimos que deberán probar su posesión, un proceso que no será fácil.

Sasha Frolova

2011-11-20T10:13:00.000+01:00

Tras @emergent2011 ...

2011-11-17T11:05:00.000+01:00

Hace un par de semanas tuvo lugar la IV edición de Emergent, el festival internacional de fotografía de Lleida en el Pati de la Llotja.

Tal y cómo anuncié aquí, tuve la oportunidad de estar visionando portfolis de los jóvenes fotógrafos, así como asistir a las conferencias y visitar las exposiciones que con motivo del festival tenían programadas en diversas salas de la ciudad.

La verdad es que cada año que pasa, el festival crece y crece con más y más calidad, a pesar de todas las adversidades que pueden tener en términos económicos, demuestran que las cosas se pueden hacer bien, cercanas y de calidad. El ambiente que se respira en este festival es envidiable en otros festivales, esa posibilidad de hablar tranquilamente con los fotógrafos, de ver sus proyectos, de escuchar sus jóvenes trayectorias y motivaciones. Sin duda, ésta posibilidad de disfrutar del trabajo de la mano del propio artista es, quizás, lo que más me gusta de Emergent.

Los fotógrafos presentes en el Pati de la Llotja los podréis ir conociendo a lo largo de '40 domingos de fotografía 2011', la nueva sección del blog que comenzará el próximo 27 de noviembre. De este modo podréis, igual que el año pasado, conocer las nuevas tendencias y miradas fotográficas de los artistas más jovenes.

De las exposiciones que tenían en la ciudad, destacaría sobre todo dos. La del Museo Jaume Morera sobre Sergio Belinchón y la de Branka Nedimovic en el Archivo Histórico de la Ciudad.

Sergio Belinchón presenta en el Museo Jaume Morera, 'Western', una exposición que reúne imágenes y vídeos que, Belinchón ha realizado sobre el género cinematográfico ‘spaghetti western’, donde plasma los lugares artificiales que se han creado en Europa para aparentar el Lejano Oeste.

Branka Nedimovic, Premi Emergent-Fundació Sorigué 2010 presenta bajo 'The Disappeared' como durante la gran crisis serbia el temor a la muerte estuvo presente en la sociedad serbia. Ese temor hacia la desaparición de seres queridos es mostrada a través de imágenes de personas anónimas oficialmente declaradas desaparecidas, que han sido descargadas de Internet y ampliadas hasta convertirse en rostros no definidos, en puros píxeles.

Dos días para @InMediTerraneum

2011-11-16T08:26:00.005+01:00

Este viernes arranca In Medi Terraneum, un festival internacional de videoarte que tiene lugar de manera conjunta en Argentina, Uruguay, España, Italia y Grecia. Gracias al uso del video streaming, 'revertimos el circuito artístico centro-periferia a través del videoarte en ciudades fuera de la órbita hegemónica' explican en su perfil de Twitter.

Cinco ciudades de cinco países que permitirán replantearse donde se encuentran las periferias y cuáles son los denominados 'centros artísticos'. Invitan también a reflexionar acerca de la construcción de una nueva cultura contemporánea, con el Mediterráneo y Latinoamérica como nuevos ejes de acción.

En este festival, se seleccionará una obra por país. Y Madrid participa generando la quinta obra, como un híbrido de las otras cuatro. Las cuatro obras seleccionadas serán expuestas en las cinco sedes del festival In Medi Terraneum.

El viernes, tiene lugar la inauguración en Madrid, con una sesión de Vj y Dj en la cual se combinarán fragmentos de las obras ganadoras para formar una quinta pieza híbrida. La sesión será retransmitida en directo y proyectada de manera simultánea mediante streaming en las otras cuatro ciudades del festival. Previamente a esta sesión, se realizará una presentación del festival y los artistas participantes que igualmente se retransmitirá por streaming y en la que se podrá intervenir desde cualquiera de las sedes.

Una vez finalizado el evento inaugural, las cuatro obras seleccionadas, más la quinta pieza generada en directo mediante Vj, quedarán expuestas en los espacios de las instituciones colaboradoras de cada ciudad.

Rauf Mamedov

2011-11-15T08:35:00.006+01:00

Rauf Mamedov (Azerbaijanian, 1956), es un fotógrafo que actualmente vive y trabaja en Moscú. Su obra está centrada en temas bíblicos que, a menudo son representados a través de personas con Síndrome de Down.

Aparte de ser fotógrafo, también es director de cine, con The Silence of Maria, Pieta y Last Supper.

Max Sauco

2011-11-13T09:56:00.009+01:00

Espacios abandonados. Sala 4 de @laexpoexpandida

2011-11-07T09:00:00.003+01:00

Esta semana sólo habrá un post, debido a que 'El Dado del Arte' acoge la Sala 4 de La Exposición Expandida dedicada a los 'Espacios Abandonados'.

Y es que la ciudad no sólo se compone de viviendas, plazas, monumentos, parques y edificios administrativos. Todas las ciudades guardan en su entramado espacios olvidados y dejados en el abandono, a merced del tiempo, en ruinas o sin ni siquiera haber sido acabados de construir. El abandono se ha apoderado de ellos firmando un contrato de alquiler indefinido.

La situación de desemparo en la que se encuentran estas construcciones ha acaparado la atención de un gran número de fotógrafos de todo el mundo que, con o sin manipulación digital, provocan en el espectador una necesaria reflexión en torno al paso del tiempo y la destrucción, pero también sobre el contemporáneo proceso de abandono de edificios inacabados y sobre la posible belleza del abandono.

Lugares en silencio, con escasa o nula presencia humana, en el que nos adentramos gracias a fotógrafos del 'urbex', una corriente generada en Estados Unidos que alude a la exploración urbana, y cuyo objetivo es, por un lado, el disfrute del espacio vacio dejado por el abandono y, por otro, la sensación de peligro entrando en lugares prohibidos. Además el 'urbex' permite sólo sacar fotografías, sin dejar más rastro de su presencia que las propias pisadas.

Precisamente en Detroit (Estados Unidos) ha desarrollado Kevin Bauman su serie 100 Abandoned Houses. Un proyecto en el que ha trabajado durante diez años fotografiando las casas que quedaban abandonadas en Detroit en un área de 138 km cuadrados, debido al interés por urbanizar otras áreas de la ciudad y al fuerte descenso de población, por lo que probablemente el número de casas abandonadas en Detroit seguirá en aumento en los próximos años.

También en Estados Unidos, concretamente en el estado de Maryland se encuentra Chris Folsom cuya obra fotográfica relacionada con espacios abandonados abarca desde hospitales psiquiátricos a fábricas de ropa abandonadas.

Esta corriente del 'urbex' también tiene seguidores en Europa, como Tim Borremans, desde Amberes (Bélgica), cuya afición por descubrir lugares abandonados le ha llevado a fotografiar desde castillos a viejas estaciones de tren, pasando por asilos, teatros o centros de vacaciones construidos por los nazis.

En España nos encontramos con Luis Veloso Clemente cuya obra hace especial enfásis en el abandono de estructuras de hormigón armado, sobre todo en la zona de Levante. Esqueletos que muestran la situación de la economía actual, son ruinas anticipadas de los edificios que nunca fueron. Sin duda, el paralelismo con las ruinas arqueológicas de las ciudades se hace evidente. En aquellas vemos y nos imaginamos, lo que en su día fue un asentamiento, pero ante las ruinas de hormigón vemos lo que debería hacer sido. Se han convertido en restos antes de ser, siquiera, entes. Además Veloso Clemente potencia esta característica al dotar a las esculturas de una fuerte iluminación, convirtiéndolas en estrellas de cine, en arquitecturas admirables.

En el lado opuesto a Veloso Clemente tenemos la serie 'Leninakán' de David Simón Martret donde recoge los restos que aún perdurán del grave terremoto que asoló la república caucásica de Armenia en 1988. La ciudad de Leninakán (ahora conocida como Gyumri) fue la más afectada y comenzó entonces toda una fase de recontrucción urbanística pero, aún hoy, las calles están repletas de ruinas y de edificios asolados por el terremoto, fábricas cerradas que se tornan vestigios de aquella tragedia. Edificios en ruinas durante más de 24 años cuyo aspecto se ha convertido en 'normal' para los habitantes más jóvenes, que no han conocido otra Gyumri.

David Simón Martret también es el autor de una interesante serie titulada 'La Catalana' donde hace referencia al fantasmal barrio ubicado en la periferia de Barcelona que, con el paso de los años se ha convertido en un barrio dormitorio de pocos habitantes, supervivientes de la higienización urbanística, que se niegan a abandonar sus hogares.

Para acabar, pensemos en el futuro. La innevitable transformación de las ciudades ha servido para que Albert Puntí imagine la ciudad ciber-romántica destruida por las ruinas, a las cuales se enfrenta como si fuera el caminante de Caspar David Friedrich ante la más inmensa neblina. Una interesante fusión entre la arqueología y los monumentos cumbres de Barcelona junto con un toque futurista de una ciudad en ruinas y sin rastro humano, destruida por su propio avance.

Si quieres oir lo que se dijo sobre este post en Radio Blanes, haz clic aquí.

Anka Zhuravleva

2011-11-06T09:11:00.006+01:00

@mediamusea en TEDxLaRioja

2011-11-04T14:00:00.000+01:00

Hoy os dejo con la presentación que MediaMusea realizó en el TEDxLaRioja sobre las nuevas fronteras en la cultura. También os recomiendo visitar su magnífico blog y su nueva sección titulada 'Conversando con...' donde entrevista a profesionales de los museos sobre el uso de las nuevas tecnologías en sus instituciones.

Cotización del mercado del arte en América Latina

2011-11-03T08:42:00.000+01:00

Hace un par de semanas se celebró ArtBo, la feria de arte que se realiza en Corferias (Bogotá) que permite conocer la situación del arte contemporáneo en Colombia. El diario Portafolio entrevistó a Carolina Ariza, colombiana que desde hace 15 años reside en Francia, donde es directora de investigación para Latinoamérica del Museo Nacional de Arte Moderno del Centro Pompidou de París. Fue invitada a la feria para que pudiera conocer en primera persona el actual arte colombiano y de la región.

“Llevo varios meses adelantando la investigación sobre Colombia y casi todo el trabajo se ha hecho de manera virtual, con excepción de algunos encuentros que he podido tener en Europa, así que la oportunidad de entrar en contacto directo con lo que ocurre en Colombia es realmente apasionante”.

¿Cuál es el impacto y la importancia de esta clase de ferias de arte en las que no sólo se puede ver y comprar obras, sino también debatir, conocer a los artistas, a los críticos, a los curadores e interactuar con ellos?

Las ferias son puntos catalizadores de encuentros, son eventos que aceleran los procesos en la medida en que facilitan los contactos y permiten una visualización condensada de lo que está pasando en el contexto. También son excelentes termómetros que permiten ver la manera como se inscribe el arte local dentro de la esfera global. Desde hace tiempo las ferias dejaron de ser simples espacios para el mercado del arte y el coleccionismo y empezaron a tener un enfoque teórico muy marcado.

¿Qué tanta presencia tienen los artistas latinoamericanos en el Centro Pompidou?

Depende de las zonas geográficas. Por ejemplo, Brasil está muy bien representada, al igual que los históricos de Argentina y Chile. Estos, porque con los golpes de Estado, muchos artistas se exiliaron en París y allí hicieron gran parte de su producción.

¿Y Colombia?

Sólo hay una artistas, Adriana García, de 33 años. Es una videoasta que vivió en París 10 años y es muy familiar para el público de allá.

¿Cuál es la percepción que se tiene en Francia del arte contemporáneo colombiano?

En realidad, tiene poca notoriedad, pero gracias a las bienales internacionales los parámetros están cambiando. Las bienales han permitido dar a conocer algunos artistas colombianos muy importantes, que eran totalmente desconocidos en el exterior. Evidentemente Doris Salcedo es la artista de mayor reconocimiento internacional, pero no podemos olvidar que en los últimos años se han destacado otras figuras que han participado en diferentes bienales: Óscar Muñoz estuvo en la de Venecia en el 2007 y Alberto Baraya, en la del 2009. Actualmente, en la Biennale de Lyon Colombia cuenta con la representación de cinco artistas: Nicolás París, François Bucher, Oswaldo Maciá, Gabriel Sierra y José Alejandro Restrepo. También se han dado a conocer importantes artistas colombianos en las bienales y ferias de arte latinoamericanas a las que los europeos acuden cada vez con mayor interés.

En la Bienal do Mercosul, curada por el colombiano José Roca, participan Wilson Díaz, Juan Manuel Echavarría, José Alejandro Restrepo, María Elvira Escallón, Mateo López y Oswaldo Maciá. Existen casos particulares como el de Gabriel Sierra, quien se dio a conocer en Francia cuando expuso en el 2006 en el centro de Arte Contemporáneo de Bretigny, o el de María Fernanda Cardoso, quien presentó en el 2008, en el Centro Pompidou, el Circo de pulgas.

¿Qué tanto interés hay en Francia por la producción artística colombiana, no sólo en cuanto a compradores y coleccionistas, sino también en las instituciones museales?

El interés actual en Latinoamérica es evidente. En Europa existen coleccionistas importantes apasionados por el arte latinoamericano, pero dichas fronteras geográficas cada vez son menos marcadas en ese sentido. Los coleccionistas se empiezan a interesar en lo que está pasando actualmente en Colombia, aunque la información aún sigue reservada a ciertos especialistas que tienen una conexión directa con el país.

¿Se ha contizado el arte latinoamericano?

Claro, y como América Latina está tan fuerte, los mismos coleccionistas de la región han invertido en sus países y están comprando obra de artistas de sus vecinos. Se ha vuelto costoso.

Collages del inconsciente: Eva Eun-Sil Han

2011-11-02T08:41:00.001+01:00

Eva Eun-Sil Han (Corea del Sur, 1972) vive y trabaja en Bélgica. Su obra, intimista refleja el subconsciente. En las obras donde combina geometría plantea la pregunta, ¿podemos medir las emociones a través de formas geométricas?

En sus trabajos fusiona papeles, imágenes de revistas o de libros antiguos, además de pintura al óleo o acrílico.

"With the collage the unexpected happens". Eva Eun-Sil Han

Great Museums TV

2011-11-01T08:48:00.001+01:00

Great Museums, es una serie de documentales sobre museos que se emite en la televisión pública norteamericana y que ha ganado más de cuarenta premios de la televisión.

Los episodios los van incorporando completos en su canal de Youtube.

Una oportunidad única para descubrir la realidad museística de los Estados Unidos.

Sergey Sokolov

2011-10-30T10:20:00.003+01:00

Sean Kenney, profesional de LEGO

2011-10-28T08:48:00.023+02:00

¿Sabías que LEGO tiene un total de 13 profesionales certificados para construir con sus piezas? Uno de ellos es Sean Kenney (1976), un profesional a tiempo completo dedicado a construir todo lo que pueda imaginar. Durante años sus obras, modelos y libros han inspirado a muchos niños y aficionados a LEGO a seguir sus diseños.

En su web aparte de poder adquirir estos libros, también se pueden adquirir las piezas creadas por Sean. Por ejemplo:

Emergent 2011, punto de encuentro con la fotografía más joven

2011-10-27T09:39:00.001+02:00

Este año es la cuarta edición del festival de fotografía Emergent que se celebra anualmente en Lleida.

En realidad el plato fuerte del festival comenzó ayer con las Jornadas 'Nice to Meet you' que tienen lugar hasta mañana viernes en el Patio de la Llotja. Durante estos tres días de jornadas, se dan cita jóvenes fotógrafos procedentes de toda España y de once países europeos y sudamericanos, así como cerca de 60 agentes del sector del arte, entre comisarios, directores de festivales, galeristas, editores, bloggeros de arte, etc. Un punto de encuentro donde debatir y compartir propuestas fotográficas.

Dentro de estas jornadas también tienen lugar conferencias, exposiciones, debates, stands de libros de autor, entrega de premios y visionado de portfolios. Esta última parte es una de las más destacadas, es un meeting point donde 40 fotógrafos emergentes seleccionados en esta edición por el comisario Rafael Doctor, tienen la oportunidad de mostrar sus trabajos a los agentes del sector que han sido invitados por el propio comité organizador con el objetivo de concretar proyectos comunes en un futuro próximo. Precisamente, de mi presencia con ellos el año pasado surgió la sección '40 domingos de fotografía' que nos ha permitido a lo largo de este año profundizar en la obra de los fotógrafos presentes en la pasada edición.

Como mañana estaré allí, ya os iré informando vía @eldadodelarte de todo lo que suceda y de las exposiciones que visite por la ciudad del Segre :) y si tenéis preguntas para los artistas, equipo organizador, bloggers participantes, etc. también podéis hacerlo mediante comentarios o twitter. ¡Nos vemos en el @emergent2011!

Carla Broekhuizen

2011-10-26T08:24:00.000+02:00

Carla Broekhuizen es un artista holandesa que expone en True Colors (Leiden, Holanda) hasta el 18 de diciembre.

De formación autodidacta, desde 2003 trabaja con técnicas digitales llegando a realizar esta fotografía tan surrealista :)

Julián de Narváez

2011-10-25T08:20:00.001+02:00

Julián de Narváez (Bogotá, 1977) es un ilustrador y diseñador que en 2008 fue premiado por el Salón Nacional de Ilustradores realizados por la Cámara Colombiana del Libro, un prestigioso galardón en el campo de la ilustración.

Christina Zelenskaya

2011-10-23T09:43:00.003+02:00

¿Cuánto debe cobrar un artista por su trabajo?

2011-10-21T11:29:00.002+02:00

Recientemente el Gobierno del País Vasco presentó un estudio elaborado por la consultoría cultural ARTImetría donde se establece un sistema de cálculo para la remuneración del trabajo de los artistas en las convocatorias de subvenciones y ayudas en el País Vasco.

Sin duda, un informe de referencia sobre la valoración económica del trabajo de los artistas en los proyectos de artes visuales. Un informe cuyos objetivos son, en primer lugar, analizar y evaluar prácticas existentes en el País Vasco y en otros países, y en segundo lugar, proponer un modelo de valoración del trabajo de los creadores que pueda ser aplicado en las diferentes convocatorias de ayudas, becas, etc. o a otras situaciones en la que los honorarios del artista deban de ser tomados en cuenta.

En el informe (que puede descargarse gratuitamente aquí) se hace un interesante análisis de algunos modelos internacionales como Australia, Canadá, Estados Unidos y por supuesto países nórdicos, entre otros. A su vez, y concretando las acciones llevadas a cabo por el Gobierno Vasco se analizan las ayudas aportadas desde las diferentes administraciones: diputaciones forales, ayuntamientos y el propio Gobierno del País Vasco. Así mismo también se hace una relación de los centros artísticos ubicados en esta comunidad autónoma como Arteleku, la Sala Rekalde, Montehermoso, etc. de museos como el Guggenheim o el de Bellas Artes, de las galerías y de los centros de producción. Con ello se hace un exhaustivo mapa de los agentes implicados en las artes visuales en el País Vasco.

La siguiente parte del estudio es una interesante recopilación de experiencias de los artistas ante el sistema de ayudas, tanto dentro como fuera del País Vasco. En total se solicitó la opinión a 46 artistas, pero solamente 28 respondieron a preguntas sobre ayudas, concursos, jurados, ferias, etc.

Por ejemplo ante la pregunta de opinión sobre los jurados alguno contestó:

“Más que primar el interés de los proyectos, priman la decisión de jurados, que tienen sus intereses en algunos artistas”.

“El sistema del jurado tiene sus pros y sus contras, la rotación en las diferentes convocatorias tiene que ser constante para higienizar el sistema”.

Respecto al importe de las ayudas, algunas opiniones fueron:

“Insuficiente, bajo, si tenemos en cuenta que junto además de los costes de producción del proyecto artístico, el artista tiene unos gastos mensuales: dietas, transporte, alojamiento, otros gastos personales... como cualquier persona”.

“La paradoja suele ser tener una ayuda en materiales, o incluso local–taller, y no tener tiempo de trabajar en ello porque hay que trabajar en otra cosa para pagar el piso y la comida. Esto implica, por no dar un poco más, o repartido distinto, desaprovecharlo todo”.

“La obligación de buscar más de una institución financiadora sólo incrementa el trabajo de gestión, y aumenta el riesgo de imposibilidad de realizar finalmente el proyecto”.

En la última parte del informe se ofrecen propuestas de incorporación de la remuneración de los artistas en los esquemas de ayudas, teniendo en cuenta la tarifa diaria de un artista en el País Vasco, distinguiendo entre el denominado 'artista emergente' y el 'artista senior'. Es decir, se proponen modelos para determinar cuál debe ser la remuneración del artista cuando desde la administración o las fundaciones se convocan ayudas y subvenciones a la creación.

¡Feliz lectura!

Matt Sesow en Flash Gallery

2011-10-20T11:57:00.001+02:00

Si seguís este blog, seguramente ya conoceréis al estadounidense Matt Sesow porque expuso en 2009 y en 2010 en Barcelona gracias a la galería Artevistas.

Ahora vuelve a Barcelona, en esta ocasión de la mano de Flash Gallery en un evento-exposición que sólo dura dos días, viernes y sábado, abierto de 18 a 22h.

Como suele ser habitual, Sesow lleva ya algunas semanas en España pintando, es su manera de trabajar, propiamente en 'el terreno' donde expondrá.

Pae White

2011-10-19T10:16:00.000+02:00

Pae White (California, 1963) es un multidisciplinar artista que actualmente vive y trabaja en Los Ángeles. En su trabajo muestra su interés por las cosas y los espacios que hay entre las cosas, así como los conceptos de temporalidad, fugacidad o lo efímero de la vida cotidiana.

Persigue que el espectador tenga una mirada más profunda sobre las cosas que le rodean, por ello parte de materiales ordinarios y de procesos simples, realizando por ejemplo figuras de papel unidas por un hilo para capturar la sensación de un enjambre de abejas, congelar el humo de un cigarrillo, etc.

Quiere que la visión de sus obras obligue a detenerse y considerar las partes y piezas de nuestras vidas, que en ocasiones pasan desapercibidas, hasta llegar a preguntarse ¿Qué es importante para nosotros? ¿Qué estamos viendo?

@BenHeine y sus fotografías intervenidas

2011-10-18T08:46:00.004+02:00

Ben Heine (Bélgica, 1983) es un multidisciplinar artista conocido por sus proyectos "Pencil vs Cámara" y "Digital Circlism".

En el primero, una mezcla de dibujo y fotografía Ben ofrecía su particular visión de la realidad a través de una simple hoja de papel y una fotografía donde mezcla imaginación y realidad, ilusión y surrealismo.

En "Digital Circlism" mezcla el Pop Art con el puntillismo, y se centra en retratos de personajes conocidos.

Yuri Albert

2011-10-16T10:09:00.000+02:00

Emre Ayaroğlu: origami extremo

2011-10-14T11:12:00.000+02:00

Por si el fin de semana queréis practicar con el origami, aquí os dejo unos cuántos retos realizados por el artista turco Emre Ayaroğlu, más en su Flickr.

Esculturas de Lorenzo Quinn

2011-10-13T13:04:00.005+02:00

Aprovechando que ayer era festivo, decidí acercarme a Almenar (Lleida) para conocer la obra de Lorenzo Quinn. En este municipio de unos 3.700 habitantes está ubicado Rafart Gallery, una galería de esculturas de Lorenzo Quinn.

La suerte no tiene que pillarte durmiendo,

pues es tan veloz como una estrella fugaz y

tan permanente como una huella en la arena.

Lorenzo Quinn aparte de sus esculturas públicas ubicadas en Londres, Birminghan, Nueva York, Miami, Abu Dhabi, etc. También realiza una escultura en menor formato, que es la que se puede contemplar en su galería. Un espacio dedicado enteramente a la figura de Lorenzo Quinn, desde puertas a escaleras.

La obra de Lorenzo es figurativa, y el motivo más recurrente son las manos, aunque en general podríamos hablar de todo un entramado intimista que externaliza a través de figuras humanas. Todas sus obras se acompañan de textos que explican el porqué de cada obra, y ayudan a comprender toda la producción de Lorenzo.Una de las piezas más espectaculares quizás sea la dedicada a su padre 'Ascensión' con el siguiente texto:

Asciende, asciende,

pues has creado y has dado.

Me has enseñado o que sé, y lo

que soy es gracias a ti.

Tú has sido mi mentor, mi estrella polar.

He reflejado en ti la imagen de la

perfección, sólo para que esa

imagen se reflejará en mí.

Pues como tú una vez más me

has enseñado, la perfección debe

medirse en uno mismo.

Asciende, asciende

a las manos de tu creador, pues

es allí donde nos volveremos a

encontrar, y allí me enseñarás

más.

Se lo dedico a mi padre. Te quiero

y te echo mucho de menos...

Pero también destacan obras como 'Gravedad' , 'Dar y tomar', 'El Árbol de la vida', 'Reflejos', 'La fuerza de la naturaleza', etc. La verdad es que prácticamente todas las obras son bastante cautivadoras, no sólo por su perfección estética, el punto de equilibrio, sus títulos o sus textos, sino porque transmiten a la perfección sentimientos universales. Además algunas son móviles lo que les aporta un punto de dinamismo bastante insólito en este tipo de esculturas.

Os recomiendo visitar este espacio, o su Facebook y Youtube.

Desde aquí, agradecer al galerista Ramiro la excelente visita guiada que nos hizo. ¡Hasta pronto!

Untitled, 2009

2011-10-12T08:48:00.001+02:00

Un punto rojo sobre un fondo blanco... ¿Estamos en Japón? Bueno, en realidad estamos ante el cartel de la película de 2009 titulada 'Untitled'. Una comedia centrada en un joven compositor bastante bohemio llamado Adrian, quien se involucra con un galerista de Nueva York gracias a su hermano Josh, un pintor de éxito.

¡Disfrutad del día! :)

¿Qué es @laexpoexpandida?

2011-10-11T08:39:00.043+02:00

Después de meses de trabajo, hoy os presento uno de los últimos proyectos en los que participo: La Exposición Expandida, un proyecto experimental de comisariado colectivo que, de momento, cuenta con la participación de cinco blogs: Semíramis en Babilonia, Musas20, Composición Número 1, El Dado del Arte y Zapatos Rosas. Éstos blogs funcionan como 'salas' de la exposición global que tiene como temática 'la ciudad'.

De este modo cada blog 'comisaria' una parte de este atractivo tema acogiendo un apartado del tema global. Cada semana se abrirá en uno de los 5 blogs participantes una sala nueva, una nueva mirada sobre 'la ciudad' desde el punto de vista de la arquitectura, el patrimonio, los espacios abandonados o el arte urbano. La primera sala en inaugurarse será comisariada por el blog Composición Número 1, bajo la temática de 'La ciudad como espacio social'.

Si queréis seguir toda la actividad de esta exposición expandida podéis hacerlo a través del blog, el Twitter o el Facebook.

¡Recordad que el proyecto está abierto a cualquier blog que desee sumarse a la propuesta, acogiendo nuevas miradas sobre la ciudad!¡Os esperamos!

Slava Mogutin

2011-10-09T10:53:00.008+02:00