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19 nov 2013

Ouroboro: crowdfunding, fotografía y territorio

Hace un par de semanas, Gerard Boyer me escribió para presentarme Ouroboro, un proyecto de crowdfunding en el que está participando junto con otros seis compañeros (Gerard Boyer , David Flores , Marcos Isabel , Ignasi López, Juanan Requena, Carlos Albalá y Pilar Barrionuevo).


Según explican los componentes del proyecto: "Ouroboro. Códice para un hilo circular" es un laberinto-libro de resolución abierta en el que sólo encontrarás una solución si sabes buscar lo imposible. El libro propone un juego circular a través de las sucesivas pulsiones y utopías que componen el viaje y de los elementos íntimos, mutantes y contradictorios que constituyen nuestros lugares.


Ourobo, es un libro de autoedición colaborativa, resultante de la experiencia-taller: 3 Weeks Bside Project Experience realizado en La Fragua - Artist Residency en Belalcazar (Córdoba), cuyo proceso se basa en el aprendizaje colaborativo focalizado en la construcción de un discurso conjunto entorno a la idea de territorio y mapa. Es decir, Ouroboro es el resultado de esas intensas tres semanas que los siete componentes vivieron en Belalcazar reflexionando sobre la palabra "Territorio", desde una perspectiva personal, pasando por el territorio vivido, el territorio imaginado, etc. En definitiva, una experiencia grupal donde topografías emocionales, individuales y comunes asociadas al entorno territorial han acabado gestado Ouroboro.

 

La materialización del resultado de dicho proyecto es triple:
  • Una exposición en la Sala Barco de La Fragua denominada “Derivas y Topogramas”, que se celebró en Julio-Agosto de 2013.
  • Una exposición en La Kursala de Cádiz abierta desde el pasado lunes 11 de noviembre y hasta el 8 de enero.
  • Y un libro-laberinto cuya edición se puede apoyar mediante crowdfunding. El libro no estará a la venta en librerías ni en portales de venta on-line, por ello si quieres apoyar el proyecto y obtener un ejemplar, no dudéis en apoyar el proyecto a través del siguiente botón:

http://www.kuabol.com/support01.php?id_proyectos=8



Decálogo de un Ouroboro circular:

1. Una troupe de 7 autores y fotógrafos que (casi) no se conocen entre ellos se resumen tres semanas en un convento de clausura a 40 grados de temperatura a la sombra para realizar un proyecto-libro del que compartirán autoría.
2. Descomponen y analizan la idea de territorios personales.
3. Unifican esas ideas y trazan mapas comunes.
4. Realizan un trabajo fotográfico y de investigación coherente con estos mapas.
5. Trazan un plan de trabajo para los siguientes 4 meses.
6. Realizan una exposición-ensayo en el convento.
7. Acaba la clausura.
8. Ponen en común las investigaciones posteriores paralelas.
9. Inauguran una exposición en La Kursala (11 de noviembre)
10. Publican un libro con Bside Books + La Kursala: [Ouroboro. Códice para un hilo circular] (diciembre)


Post relacionados con crowdfunding fotográfico: IOANNINA -Ιωάννινα- Un cuento griego

5 feb 2011

Artehólico V

Cerramos el ciclo con los coleccionistas...


4 feb 2011

Artehólico IV

Después de marchantes, críticos y comisarios, llega el kit de la cuestión, los artistas...


1 feb 2011

Artehólico I

El sábado pregunté vuestra opinión sobre el mundo del arte, tal y cómo se le pregunta a Charles Saatchi en su libro.


Ahora bien, ¿Cuál es su respuesta?


A lo largo de la semana conoceremos la opinión de Saatchi sobre: artistas, comisarios, coleccionistas, críticos y marchantes. ¡Comenzamos con los marchantes!


6 ene 2011

Neo Rauch

Neo Rauch (Leipzig, 1960) es uno de los pintores alemanes de mayor proyección y cotización.

Recientemente TASCHEN ha sacado a la venta la monográfica más extensa sobre las pinturas de Rauch, y digo grande porque son 474 páginas a un precio de 750 € o 1.000 $. Pero claro, mencionar que tienen un tiraje limitado a 1.000 ejemplares firmados por el propio Neo Rauch. Y existe también una versión de 100 ejemplares que incluyen una litografía, cuyo precio es de 3.000 € o 4.500 $.



Las pinturas de Rauch se caracterizan por su rico colorido, y por la evocación de mundos míticos a la vez que íntimos provocando una reflexión entorno a la filosofía, la historia del arte, la literatura y su propio paisaje onírico, sin olvidar ecos al progreso y a la comunicación. Obras a medio camino entre el pop y el barroquismo, el graffiti y la pintura, lo social y lo psicológico. En sus obras se perciben influencias de Bacon, de los pintores prerrenacentistas, del surrealismo o de los muralistas mexicanos de mediados del XX, pero con todo ello, ha conseguido un estilo único uniendo figuración y abstracción obteniendo un respecto a nivel internacional.

Si queréis hojear el libro online, haz clic aquí.



30 dic 2010

Leni Riefenstahl :: Africa

Taschen tiene la capacidad de hacer libros bonitos, y si a esa capacidad se le suma un destacado contenido de la mano de Leni Riefenstahl, el resultado es único. Esto sucede en 'Africa' el libro que la alemana TASCHEN publicó este año con fotografías de Leni.


Ya en la introducción Kevin Brownlow deja clara la importancia documental del libro, "Si Leni Riefenstahl no hubiese hecho otra cosa que visitar África y traer sus fotografías, tendría asegurado un lugar en la historia."


El libro es el resultado de los continuos viajes que Leni realizó al continente africano cuando tenía poco más de sesenta años. Un continente donde había trabajado ya previamente en varios proyectos cinematográficos y fotográficos a mediados del siglo pasado. De entre todos los países del continente, el preferido de Leni era Sudán, allí convivió con la tribu nuba, fotografió a sus gentes, aprendió su lengua y se convirtió en su amiga. Los nuba, un pueblo cariñoso y pacífico, acogió a Riefenstahl como a uno de los suyos.


'Africa' recoge las instantáneas de Leni de los nuba, los dinka, shilluk, masai y otras tribus, además de recoger las experiencias de Leni en África y los momentos felices de su vida allí. Un libro-referencia en la carrera de Leni y en el conocimiento de las tribus africanas.

Para visualizar el libro on line, haz clic aquí.


9 dic 2010

El juego del otro y El fin del arte

Ante el período vacacional que se aproxima, dos recomendaciones literarias:

El juego del otro
es un libro con textos de Paul Auster, Enrique Vila-Matas, Jean Echenoz, Barry Gifford, Paul Klee y Sophie Calle. Publicado por Errata Naturae en 2010 plantea cómo han estado siempre unidos el problema de la identidad y de la creación artística, concretamente El juego del otro reflexiona sobre el plagio como fuente de creación artística, y el deseo de impostura de hacerse pasar por uno que no se es, llegar incluso a inventarse una autobiografía, a saciar el hambre de crearse a sí mismo a través del arte.



Una inédita compilación de textos de diversos autores que se ilustra con fotografías , sobre todo de Sophie Calle. En el libro se incluye, por primera vez en castellano, Gotham Handbook. Nueva York: instrucciones de uso, de la artista Sophie Calle y fruto de una colaboración con Paul Auster, donde se documenta la performance que nace de una relación entre ambos en donde Auster, primeramente, se inspira y apropia de obras realizadas por Calle para su excéntrico personaje de María en la novela Leviatán. Después Sophie le sugiere a Paul invertir el juego y recibir de mano de Auster unas instrucciones personales de cómo mejorar la vida en Nueva York, le solicita un guión para desarrollar durante un tiempo y hacer de ese periodo, documentado con fotografías e informes, una obra de arte perfectamente integrada en la personalísima trayectoria de esta creadora. De ese modo, se reúnen el fragmento de Leviatán en donde Auster da vida a María con trabajos de Sophie Calle, la correspondencia de ambos para hacer el proyecto y el manual de instrucciones de Auster y la crónica-obra de arte de Sophie Calle.

También se presenta "Un viaje a Túnez”, el breve diario que Paul Klee escribió en su recorrido por Túnez en 1914, acompañado de su amigo el pintor August Macke. En este capítulo se propone un juego al comparar el diario de Klee y el inventado de Macke -escrito por el escritor norteamericano Barry Gifford bajo la sospecha de que el diario de Klee no se ciñe a lo que realmente sucedió en aquel viaje-. Por último El juego del otro incluye el epígrafe: “Sobre la impostura en literatura”, una sugerente y aguda conversación entre los escritores Enrique Vila-Matas y Jean Echenoz.

El fin del arte, de Donald Kuspit, traducido por Alfredo Brotons y publicado por Akal en 2006. Un libro donde Donald contesta a Arthur C. Danto, el autor de La muerte del arte (1984) y Después del fin del arte (1997), donde analizaba la quiebra de la modernidad.


Pero, más allá de las contradicciones que plantean ambos autores y otros teóricos, es evidente la etapa de incertidumbre y redefinición artística en la que se encuentra el arte desde hace décadas. El 'todo vale' y las múltiples voces de artistas, críticos, comisarios y públicos ha puesto en riesgo el juicio estético. Kuspit aboga por defender una sola entre decenas de maneras de 'ser artista', desautorizando el resto, teoría que no creo sea posible y factible hoy día debido a la multitud de perspectivas que ofrecen los creadores, por ello discriminar unas en pro de otras es practicamente imposible. Se ha de ser crítico, eso sí, ante la fatiga de lo nuevo o la farsa delirante. En definitiva, Kuspit condena la confusión entre arte y realidad, que es para él siempre banal, y la primacía de la idea sobre la ejecución de la obra. Según su habitual enfoque freudiano concibe el acto creativo como sesión psicoanalítica, el estudio como clínica y la obra como herramienta de curación.

13 nov 2010

¿Cuál es el límite de la pornografía en el mundo del arte?

Hace dos semanas publiqué 'Los límites del arte bajo censura' con motivo de la censura parcial a la exposición 'Kiss the pass hello' de Larry Clark en el Museo de Arte Moderno de París.

Hoy continuo hablando de censura, en este caso una censura de 'catálogo'.

En Salamanca (España) esta semana se ha hablado profundamente de la censura de catálogos de exposiciones (celebradas en el Da2) que la Fundación Municipal Salamanca Ciudad de Cultura envió a los directores o bibliotecarios de diversos centros educativos con la finalidad de enriquecer sus bibliotecas con catálogos de arte contemporáneo que hasta entonces estaban almacenados. De este modo, la propia Fundación Municipal dejaba a criterio de los docentes el uso de esos catálogos. Pero el partido político PSOE ha considerado que de los 20 catálogos que formaban el pack enviado a los centros, el catálogo de 'Laocoonte devorado. Arte y Violencia política' junto con algunos recientes de muestras sobre artistas salmantinos como Fernando García Malmierca, Alberto Martín, Hugo Alonso, etc. hacen apología de la violencia y la pornografía.


Centrémonos en dos aspectos, la comunicación tergiversada y el papel del arte contemporáneo en la educación.

Una comunicación basada en titulares como:

"El Ayuntamiento envía a colegios catálogos con imágenes violentas y pornográficas"

"Polémica en Salamanca por un catálogo infantil con fotos 'porno' y favorables a ETA"

"El PSOE denuncia que escolares de doce años reciben catálogos con imágenes violentas"

Desde luego, con estos titulares, cualquiera podría poner el grito en el cielo, dada la afirmación de los mismos, pero descifremos estos titulares...

Los catálogos no se enviaron a escolares, sino a los docentes y bibliotecarios, que son quienes deben decidir el uso de los catálogos en función de la edad y objetivos académicos de los alumnos.

Las imágenes no son como tal pornográficas o favorables a ETA, sino que, de nuevo, nos encontramos ante una información sacada de contexto. En los medios de comunicación se han presentado extractos de imágenes, buscando un significado que diera soporte a esos titulares y a sus tergiversadas interpretaciones. Pero por ejemplo, la exposición 'Laocoonte Devorado' se posicionó como ejemplo claro contra la violencia de todo tipo y las imágenes no se mostraron aisladas como han aparecido en los medios de comunicación, sino junto con 'Los desastres de la Guerra' de Goya, para mostrar que los artistas a lo largo de la historia se han posicionado frente a las injusticias y barbaries de su época. Además en aquella exposición el taller educativo tuvo como objetivo la resolución de conflictos de modo no violento. También se ha hecho mención de las imágenes de adolescentes fumando o bebiendo en el catálogo del finlandés Jouko Lehtola, las cuales formaron parte de una exposición que mostró la ritualidad de los comportamientos en los adolescentes europeos. Un catálogo donde no se exaltó esos comportamientos, sino que mostró una reflexión crítica respecto a los mismos y una gran sensibilidad por parte de Lehtola, cuyo hermano murió a consecuencia de la droga. En este caso, el taller educativo se centró en plantear alternativas de ocio saludable frente a lo que mostraban las duras imágenes del artista.

Según algunos medios de comunicación, diversas asociaciones de padres exigen que el material sea utilizado bajo supervisión del profesorado y otros centros han optado por retirarlos y evitar así que lleguen a manos de sus alumnos.

¿?
Apaguemos la televisión.
Cerremos sesión en el ordenador.
No leamos más.
No salgamos a la calle.
No aprendamos historia.
¿El mal esta ahí fuera?

No me puedo creer que constantemente desde la política y los medios de comunicación nos quieran vender ideas de progreso y de nuestro camino hacia una sociedad más liberal, hacia una sociedad del conocimiento 'libre', etc. Me pregunto como va a ser eso posible si aún algunos centros educativos no son capaces de crear espíritus críticos en sus propias aulas y optan, por la solución fácil, la eliminación de todo aquello que puede darles ideas malas...

Oh, sí, ideas malas... ¿Acaso en la televisión no aparecen escenas violentas y pornográficas, incluso en programas enfocados al público infantil o en el llamado 'horario infantil'? ¿Acaso no se quiere hacer el esfuerzo por parte tanto de los docentes como de los padres por una actitud pedagógica y social, una actitud que les enseñe a ser críticos y a saber diferenciar lo que esta bien de lo que esta mal? ¿Hasta cuando vamos a quedarnos en el arte de Velázquez, aprobando con buenos ojos, eso sí, las Bacanales de Rubens, el cuerpo desnudo del David o la Venus de Milo? ¿Cuál es el límite de la pornografía en el mundo del arte? ¿Qué hay más violento que 'Los Desastres de la Guerra' de Goya?



La gran mayoría de los centros que han recibido estos catálogos, son centros asiduos a la programación educativa del Da2, y por tanto, centros que han mostrado sensibilidad hacia el arte contemporáneo allí expuesto. Además tal como ha divulgado el coordinador de la programación del Da2, Javier Panera en su comunicado de prensa, el centro recibe semanalmente visitas por parte de escolares que participan en sus talleres y programas educativos, y por parte de los docentes, demanda de catálogos o ampliación de las exposiciones.

Las últimas noticias, vienen por parte del Instituto de Arte Contemporáneo, que ha rechazado la utilización política de los catálogos del Da2, y confía en el criterio de los directores y bibliotecarios tal cómo explica en su comunicado:

Estimados Sres.,

el Instituto de Arte Contemporáneo, asociación que agrupa a más de 300 prestigiosos profesionales del arte actual (artistas, críticos, docentes, comisarios, directores de museos, galeristas, coleccionistas, gestores culturales y editores) desea manifestar su rechazo ante la utilización política que se ha hecho del envío de los catálogos del Da2 a los centros de enseñanza. Nos parece necesario y loable que las instituciones culturales difundan sus actividades y sus publicaciones, y confiamos en el criterio de los directores y bibliotecarios de esos centros de enseñanza para determinar qué material puede ser inadecuado para los alumnos, dependiendo de sus edades. Es necesario que los niños y los jóvenes conozcan, con la guía de sus profesores y de los equipos didácticos de los museos y centros, toda la complejidad del arte de hoy. En primer lugar, para su enriquecimiento cultural y, en segundo, para que aprendan, a través de la mirada crítica de los artistas, a formar un criterio independiente ante lo que ocurre en el mundo.

Atentamente,
Junta Directiva del Instituto de Arte Contemporáneo


De nuevo, un partido político en pleno siglo XXI quiere censurar y prohibir la libertad de expresión, en este caso, la libertad de expresión en las artes visuales, mutilar la formación en arte contemporáneo, volver a la quema de libros hitleriana, a la pérdida del conocimiento, a la censura pública de contenidos (¡ya vistos por los escolares!). Quememos catálogos, carguémonos grandes clásicos literarios y cinematográficos, destruyamos gárgolas catedralicias, cerremos canales de televisión enteros ¡todo a la hoguera! ¡Avivemos la censura del siglo XXI!

¿Hasta donde puede llegar la estupidez humana sumada a un posicionamiento político?

¿Qué se persigue? ¿Un arte 'para escolares'? ¿Un arte no-contemporáneo? ¡Un arte censurado! ¡Mutilemos cualquier pensamiento!

Desde aquí mi más sincero apoyo al equipo del Da2, a los que agradezco por un lado, sus propuestas innovadoras tan premiadas y alabadas nacional e internacionalmente, y en segundo lugar, su interés por hacer del arte un instrumento educativo y un dispositivo de reflexión ante los problemas del presente.

9 oct 2010

75 años de DC comics

La editorial TASCHEN acaba de lanzar un nuevo XL. Esta vez un libro de cabecera para los locos por el cómic.

Ya en 1935, el fundador de DC Comics, publicó el primer libro especializado en cómics con el material más reciente y original del momento, cuando los cómics eran el lugar donde mostrar las historietas descartadas por los periódicos. Paso de ser un medio dirigido a niños a convertirse en un fenómeno social a lo largo del siglo XX.



Ahora, en el 75 aniversario de la editorial DC Comics, TASCHEN le rinde homenaje publicando el libro más exhaustivo y pesado. Con más de 2.000 imágenes, el libro hace un recorrido por estos 75 años y más de 40.000 cómics publicados.


El autor es Paul Levitz, que trabajó 35 años en DC Comics, editorial de la que llegó a ser presidente y director editorial, pero ahora se dedica a escribir.

El precio del libro: 150 €.


29 jun 2010

7 días en el mundo del arte

'Siete días en el mundo del arte' de Sarah Horton, es otro libro que me han recomendado donde según las críticas explica como el arte se ha convertido en el movimiento cultural por excelencia. Este hecho se ha producido debido a las últimas generaciones de artistas, pero también a otros factores que lo han convertido en una gran potencia y en un gran negocio.

Un mercado que ya estaba desarollado creció y se multiplicó, llegando a crear un microcosmos, un mercado particular, con leyes propias y eventos paradigmáticos.

Este proceso conllevó el surgimiento de un nuevo mundo: subastas, bienales, ferias internacionales, coleccionistas y grandes exposiciones.

¿Glamour? ¿Talento? o ¿Arte?

Un libro fruto de varios años de investigación y de viajes por Estados Unidos, Europa y Asia, que revela la grandeza y excesos del arte.

22 jun 2010

El tiburón de 12 millones de dólares

'El tiburón de 12 millones de dólares: la curiosa economía del arte contemporáneo y las casas de subastas', de John Thompson.


He oído mucho sobre este libro, los que se quejaban de él, se quejan de todo y no entienden nada de arte contemporáneo. Alabanzas no he oído, pero risas sí. Creo que es un libro que se ha de leer predispuesto a 'entender' un poco el mercado del arte contemporáneo, que es diferente al mercado del arte en general. Hablar de arte contemporáneo es hablar de revalorización, de millones, de colecciones, de Hirst, de Koons, en fin...

¿Por qué razón invertiría un banquero multimillonario de Manhattan hasta 12 millones de dólares por la carcasa de un tiburón en proceso de descomposición? ¿Qué misteriosa alquimia hace que la pintura nº5 de Jackson Pollock se venda por 140 millones de dólares? ¿Cómo llega una chaqueta de cuero con una cadena plateada tirada en una esquina a Sotheby’s dejando a la casa de subastas la suma de 690.000?

El escritor supuestamente va desvelando los secretos económicos y las estrategias de marketing que impulsan al mercado a producir los precios astronómicos a los que se cotizan las obras de Hirst, Koons, Tàpies o Jasper Johns. Thompson descubre la psicología –y los intereses económicos– por los que se mueve el mercado del arte, mostrando hasta qué punto influyen el deseo de poder y el autoensalzamiento.

Para los ansiosos, os dejo con el primer capítulo del libro en pdf, aquí y algunos extractos de este capítulo...

El primer problema del agente que trataba de vender el tiburón disecado era el precio de venta, 12 millones de dólares, de esta obra de arte contemporáneo. Otro problema era su peso, algo más de 2 toneladas, por lo que no iba a ser fácil llevárselo a casa. La «escultura» del tiburón tigre disecado de 4,5 m estaba metida en una vitrina gigante de cristal y tenía el original título de La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo...

Aún había otra grave preocupación, que en cualquier otra compra habría disuadido a los compradores. Desde que se exhibió por primera vez en 1992 en la galería privada de Saatchi en Londres, el tiburón se había deteriorado de forma espectacular. Como las técnicas utilizadas para preservarlo habían sido inadecuadas, el original se había ido descomponiendo hasta que la piel se le arrugó visiblemente y comenzó a adquirir una tonalidad verde pálido, se le desprendió una aleta y la solución de formaldehído del tanque se fue enturbiando.


Se planteó entonces la cuestión de si Hirst podía reemplazar el tiburón en descomposición simplemente comprando y disecando uno nuevo. Muchos historiadores del arte argumentaron que si se renovaba o se reemplazaba el tiburón, se crearía una nueva obra de arte.

15 may 2010

El arte y el espacio. Heidegger dialoga con Chillida

'El arte y el espacio' es un libro escribo con Martin Heidegger en 1969, donde a lo largo de apenas 48 páginas el alemán reflexiona sobre el encuentro que tuvo con la obra de Eduardo Chillida. Desde la teoría y la práctica artística ambos llegan a lugares comnes: la idea del espacio como área vital, en relación directa con el hombre.

Chillida concebía la escultura bajo el carácter humano que habitaba el límite, y los espacios que se podían llegar a generar dentro de una obra plástica.

El libro supone un claro punto de partida para entender, en ambos, su concepción del espacio, de la tierra, del mundo, de la materia, del ser, etc.

"La plástica: la corporeización de la verdad del ser en la obra que instaura lugares"

11 nov 2009

Nicola Dale

Nicola Dale, es un artista que trabaja en torno a los libros. Cuando estaba en la Universidad empezó a hacer arte con los libros que estudiaba y comenzó a querer a los libros más allá de su contenido, por sus tapas, sus letras, sus hojas, su diseño, incluso el olor.

Volumes

The Book Which Reads itself

Telling the Truth About History, But Not About the Past

A Secret Heliotropism

Ten Years

Fly Kim Deal

14 sept 2009

Fraude, de Elvin Post

Hace unos meses se publicó Fraude de Elvin Post. Un libro que narra la historia de dos falsificadores de arte: Vicent Bloom y Elijah Fish, que durante seis años engañaron al mundo del arte con supuestos descubrimientos de obras maestras de Chagall, Picasso, Matisse, Degas y Giacometti.

Las casas de subastas no sospecharon nada, y vieron esas nuevas obras falsificadas como 'descubrimientos'. Pero la verdad salió a la luz y Bloom y Fish acabaron en la cárcel, donde permanecieron siete años. A su salida, Bloom se encuentra con Fish y le propone un nuevo plan: robar algunas obras del Museo Isabella Stewart Gardner situado en Boston. Según Bloom, la seguridad del museo es mínima, y las obras que quiere robar, -entre las que se encuentran la Tempestad en el mar de Galilea de Rembrandt, El concierto de Vermeer y obras en pequeño formato de Degas-, no estan aseguradas. Pero Fish tiene dudas, dado que ahora se dedica a vender reproducciones de arte y no quiere volver a prisión, Bloom le convence diciéndole que su nuevo socio acaba de morir vendiendo reproducciones de Fish como originales. De este modo los caminos de Bloom y Fish vuelven a juntarse para cometer el mayor atraco de arte de la historia de los Estados Unidos.

Interior del Museo Isabella Stewart Gardner, Boston

Un atraco que fue real y documentado, sucedió el 18 de marzo de 1990, por unos ladrones vestidos de polícia que se llevaron las piezas de las que se habla en la novela y dejando otras tan importantes como El Rapto de Europa de Tiziano, lo cual desconcertó a los investigadores. La investigación del robo sigue sin resolverse, y los huecos donde estaban los cuadros robados aún muestran ese escalofriante vacío.

Una novela que según apuntan algunos críticos literarios, bien podría convertirse en un guión cinematográfico, ¿como novela? hay opiniones que la alaban y otros que afirman su título.

Fraude. Elvin Post. Barcelona: Paidós (Alea). 319 pág.

Este libro ofrece tanta información sobre el robo y la falsificación de arte que debería ser prohibido”. Geert Jan Jansen, maestro falsificador.

No obstante, puede que haya arrepentimientos tras el robo, como ocurrió recientemente en el Museo Nicholas Roerich de Nueva York donde devolvieron el cuadro Talung Monastery del ruso Nicholas Roerich, valorado en 70.000 dólares. El cuadro fue devuelto por correo y en perfecto estado a la institución, la cual no daba crédito, por la inusual manera de recuperar la preciada obra. Como dato curioso, decir que el museo, cuenta sólo con cuatro empleados y recibe una media de 25 visitantes al día.