31 jul 2011

Rubén Acosta

De Rendering

Un sueño está compuesto de una mezcla de deseos y miedos. Y en ocasiones para sustentar un sueño y convertir este en realidad no hace falta esperar a que este ocurra, sólo es necesario provocarlo. Relacionado con los negocios, muchas veces los deseos conquistan límites insospechados, guían por el duro camino de lo real y dan respuesta a los escollos. 


Un día el jeque tuvo un sueño “construir una ciudad en el desierto”, y proclamaba al mundo ante las expectativas de crecimiento frases como “tu construye que ellos vendrán” en referencia a la afluencia de inversores y turistas. Y como en la actualidad no existe estructura arquitectónica imposible, sino restricciones económicas, la aventura comenzó utilizando el efecto llamada que producían las mega construcciones. “Dubai, where the vision gets built” es el slogan publicitario que alberga toda esas materializaciones de los sueños, la atracción de los inversores, la afluencia de los turistas ... Este proceso de gentrificación, lleva además asociado una campaña de marketing global, y es necesario superar los límites impuestos por ellos mismos, ya que dichas campañas tienen un periodo de vigencia muy corto.

Como materialización de esos sueños arquitectónicos utilizan las herramientas digitales actuales y sobre todo, el Render. Un render es una visión virtual de una imagen generada por ordenador. Este concepto de render se asocia a programas informáticos de video, pero también softwares 3D utilizados para animaciones y arquitectura. Programas como por ejemplo 3d Studio Max consiguen visualizar las construcciones y llevar la idea desde el papel hasta ver el edificio en su resultado final. Estos renders reproducen además del edificio, las diferentes condiciones de iluminación posible, los múltiples puntos de vista, las condiciones del lugar elegido, y unido a programas de edición gráfica como PhotoShop le añaden “realidad” con los habitantes paseando. Es una anticipación del resultado sin necesidad de la creación del mismo, por lo que se convierte en lo más cercano a una visión idealizada del arquitecto y del cliente. Estos renders se convierten a su vez en objeto indispensable para “vender la obra”, por lo que la maquinaria del marketing previa se basa plenamente en ellas. En el caso de Dubai, es evidente la sobredimensión de información virtual presente en Internet, frente a las información real de la ciudad. Al introducir en el buscador de imágenes de Google la palabra Dubai, la mayor parte de las imágenes que aparecen son renders de proyectos futuros, de proyectos inacabados, o incluso de proyectos acabados que son más atrayentes en sus imágenes virtuales que en sus imágenes reales. Existe un confusión de lo real y de lo virtual, pero la imagen global generada es la que prevalece en el imaginario global. Es una hiperrealidad basada en simulacros como que diría Braudillard que es creada por encima de la realidad. 


¿Es posible deconstruir un render? Técnicamente no es posible. Es un viaje sólo de ida entre lo recreado y la imagen final por lo que no es posible desandar los pasos. Con esta afirmación, no sería posible volver atrás, deconstruir, o “desrenderizar” una imagen en sí misma, sin acudir a la fuente. El proyecto De-rendering nace con la idea de destramar esa idea, de mostrar la realidad de una ficción y a partir de la ciudad infinitamente fotografiada Dubai, generar un camino de retorno. La ciudad de Dubai ha sido construida sobre el desierto y este, al igual que los barrancos, los ríos y el mar, tienen memoria. Los deseos megalómanos del jeque de construir en el desierto, conlleva evidentes problemas de sostenibilidad: escasez de agua, sobreexplotación de trabajadores de países subdesarrollados, cambios de corrientes marinas, tormentas de arena y un continuo mantenimiento de las infraestructuras urbanas. La crisis global y especialmente la acaecida en Diciembre de 2009 en Dubai cuando la principal empresa del emirato, Nakheel admitió su imposibilidad de pagar las deudas adquiridas, evidenció un fallo en el sistema basado en la especulación y en la burbuja inmobiliaria. 


El proyecto desarrollado De- rendering no sólo está formado por fotografías de la ciudad, de sus edificios, de las infraestructuras urbanas, sino también de historias de fracasos y sueños. Los fracasos inmobiliarios especulativos, la desertificación, el abandono de los bienes de los “expatriados” contrasta con los sueños generados por el negocio a través de esas imágenes publicitarias y a su vez también de los sueños de los trabajadores que acuden al emirato en busca de trabajo.


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Texto: Rubén Acosta

28 jul 2011

Julia Fullerton-Batten

En 1970 en la localidad alemana de Bremen nació Julia Fullerton-Batten, una de las fotógrafas más renombradas de la actualidad.

Aparte de sus trabajos publicitarios o de moda, destacan sus trabajos personales, llenos de fantasía a la par que realidad, con notas de originalidad e ingenio. Julia Fullerton-Batten comenzó en el campo fotográfico muy joven, dado que su padre era fotógrafo, entre sus series destacan:

-Teenage Stories. Fotografías donde juega con las proporciones y rememora al libro de Alicia en el País de las Maravilas. Muchas de éstas imágenes han sido realizadas en el parque en miniatura Madurodam, situado en Holanda.


-In Between. Quizás una de sus series más conocidas, aparecen mujeres levitando, congeladas en el aire, empujadas por alguna fuerza oculta.



-Awkward. Una serie también de adolescentes, que muestra una clara influencia pictórica. 


27 jul 2011

Jordi Abelló y su nueva Historia del Arte

Recientemente el centro Arts Santa Monica (Barcelona) ha acogido una interesante muestra titulada 'Espejo negro (Aliento) y nueva Historia del Arte'.

Una muestra del artista Jordi Abelló compuesta por dos videoproyecciones inéditas que se inscribe dentro de la faceta 'teórica' de este artista. Una faceta que le sirve para reflexionar alrededor de la pintura y el mundo del arte.


Sobre la primera obra 'Espejo negro (Aliento)', Abelló explica:

“Toda la pintura se transmite por el aire. Los rayos de luz solar chocan en la pintura, rebotan y nos llegan a la retina. Leonardo da Vinci tiene una frase, que inspira este trabajo, y que lo ejemplifica en la perfección: “Los aires se llenan de infinitas líneas rectas y radiantes que se cortan entre sí y se entrecruzan, dando a cualquier cuerpo la forma justa de su causa”. La imagen de la pintura está en el aire y todas las imágenes van chocando las unas contra las otras. Gracias al vídeo, poder filmar como se desprende una imagen de la pintura y, gracias a un espejo negro situado frente a la pintura, detectar como los rayos chocan entre sí y contra el espejo. Y como sorpresa final ver como el cuadro de Zurbaran desprende aliento."

Y respecto a su segundo vídeo, 'Nueva Historia del Arte', Abelló afirma:

“Últimamente estoy obsesionado en descubrir que, detrás de muchos cuadros, se esconde una historia de muerte y desolación. Muchos cuadros han sido testigos directos o indirectos de muerte y de sangre. Me gustaría recordar e investigar estas historias que, con el tiempo, se olvidan. Son obras que han sido saqueadas, obras que han sido atesoradas por dictadores, por gente con grandes fortunas que han comprado grandes colecciones gracias a la venta de armas o, incluso, por artistas que han firmado penas de muerte. De esta manera, se pondrá en evidencia algunos casos que demuestran que la historia del arte también esconde muerte y sufrimiento. Esta realidad casi siempre queda escondida, ahora finalmente verá la luz”.

A mí personalmente me ha gustado más el segundo, y su acción en Twitter lanzando frases como éstas:

-Miguel Ángel pintó la Capilla Sixtina por encargo del Papa Julio II, absolutista, belicista y padre de unos cuantos hijos.

-Felipe IV, después de la victoria en la Guerra de los Segadores, se hizo pintar por Velázquez. Colgó el retrato en una iglesia.

-David firmó la pena de muerte de Luis XVI y María Antonieta.

-El Matrimonio Arnolfini perteneció a la familia real española y fue robado por un soldado escocés que había combatido en España durante la ocupación francesa.


-Napoleón institucionalizó el saqueo de obras de arte hasta convertir el Museo del Louvre en un templo de las artes dedicado a su gloria y la del imperio. 

-Mariano Fortuny dio una visión triunfalista de la guerra de África.

-El dinero obtenido por la familia Güell con el tráfico de esclavos financió algunas obras de Gaudí.

-Colecciones de arte de todo el mundo tienen obras expoliadas por Hitler.

-Fritz y Heirich Thyssen, hijos del fundador de la dinastía, apoyaron a Adolf Hitler y alimentaron la maquinaria bélica.

-Picasso, a pesar de tener conocimiento del régimen sanguinario de Stalin, hizo apología de él.

-El Ministerio de Defensa estadounidense utilizó el expresionismo abstracto para contrarrestar el arte soviético.

-Durante la invasión de Irak, fueron robadas obras de arte del Museo Arqueológico y vendidas de nuevo a coleccionistas de todo el mundo.

-Ninguna casa de subastas pregunta de dónde proviene el dinero que permite comprar obras de arte. Todo el mundo admite que el arte sirve para blanquear dinero.


26 jul 2011

Sobre el manifiesto posfotográfico y el cúmulo de imágenes

Joan Fontcuberta y Martin Parr están presentes en la francesa localidad de Arlés, donde se celebran cada año Les Rencontres d‘Arlés, con una exposición donde ambos se replantean el papel de la imagen en la era de Internet. Aunque más bien nos hacen a los espectadores plantearnos ¿hacia donde vamos?

Parece que hoy todo vale. Reciclamos, cortamos, importamos, pegamos, transformamos, agregamos contenido gráfico y textual donde queremos. La imaginación es nuestro límite. A nuestro alcance: cámaras, teléfonos con cámaras, escáner o programas de edición de imagen.


Su manifiesto se titula 'From here on (De aquí en adelante)' igual que su exposición. Analizan a partir de los trabajos de 36 participantes los cambios que ha experimentado la fotografía debido a la saturación de imágenes a la que estamos sometidos. Los límites entre el creador y el editor de contenidos cada día están más fusionados. Y ello queda reflejado en la muestra con los trabajos amateurs que presentan, robados de las redes sociales y buscadores de imágenes. (Si queréis conocer más sobre su anterior trabajo 'Reflectogramas', leed el post publicado en el blog Diacrítico).

Si el trabajo de Fontcuberta y Parr en esta muestra, ha sido recapitular imágenes vertidas en Internet, ¿pueden ser en este caso, consideradas sus prácticas de fotográficas?

Y es que si nos movemos por Facebook o Twitter, comprobaremos que muchas personas se pasan el día colgando fotografías de cielos en Instagram o en Twitpic. Fotografías hermosas muchas de ellas, dignas de ser imprimidas y expuestas, al mismo tiempo que documentan un momento, un lugar o una experiencia, antes de convertirse en 'recuerdo'. El 'momento' es insustituible, pero mantienen la imagen digital como recuerdo. Estas imágenes podrían aparecer perfectamente en la sección de información metereológica de los informativos televisivos, para analizar la composición y dirección de las nubes. En un mismo día puedes ver las nubes de Brooklyn, el cielo de Formentera o el de Lisboa, mirarlos como algo más  que una pura instántanea informativa es una decisión particular.

Por tanto, parece que se deviene fundamental guardar una distancia crítica y una mirada sarcástica, para dotar a esas imágenes de un nuevo significado. Y...¿qué es ahora la fotografía? ¿Estamos hablando de la caducidad compositiva o temática de la misma?

Igual es el momento de reconocerlo sin lágrimas. De ser capaces de entender el proceso evolutivo, ya no sólo de la disciplina, sino de su propia raíz creativa que puede ser colectiva, y que puede llegar a ser muy democrática con su expansión. Ahora bien, ¿qué os parece esta afirmación: 'Todos podemos hacer fotografías, pero no todos somos fotógrafos'? El objetivo de la fotografía depende de la ocasión, y una persona puede ser fotógrafa en un momento dado y hacer fotos siete minutos después, sin problema.

Casualidades de la vida, el jueves pasado asistí a un congreso para reflexionar sobre la cultura en Cataluña donde Fontcuberta estaba presente en la mesa de debate 'Cultura Digital'. Hice un par de anotaciones, de esas que se pueden considerar estelares fuera de contexto. Aparte de su habitual 'Hoy todos somos fotógrafos' me gustó su 'Si ya hay millones de fotografías de Barcelona entre Google Imágenes y Flickr, ¿tiene sentido hacer más?'. En un primer momento dudas, es evidente que lo que quieras capturar seguramente ya haya sido capturado, pero por otro lado, y tal como afirmó el genial Màrius Serra, cada momento es único, y el presente es un estado documentable que sólo ocurre una vez y dada su naturaleza cambiante, merece ser capturado.


En dicha mesa de debate, se volvió a afirmar cómo la cultura digital ha trastocado todas las costumbres pasadas en el uso de la imagen, se dejo claro que lo que realmente falta en esta era de la imagen es la reflexión académica, escasa debido en parte a una reducida visión histórica. Las redes sociales favorecen la difusión de las imágenes, pero al mismo tiempo asistimos a una vulgarización de la creatividad, a un 'todo el mundo es fotógrafo'. ¿Realmente queda creatividad y talento en esta cultura de masas? ¿O todo es remezcla? ¿A dónde nos está conduciendo la invasión digital en el mundo de la creatividad? (Roberta Bosco, también presente, fue tajante, este exceso nos conduce hacia la mediocridad). Sea como fuere, os recomiendo un documental que refleja esta incertidumbre creativa con la llegada digital, se titula 'Press Pause Play'. 



22 jul 2011

Programa de arte en el Aeropuerto de San Diego

Hace un par de días descubrí que en el aeropuerto de San Diego hay un programa de arte desde el año 2006. El aeropuerto se implica culturalmente con sus visitantes y ofrece todo un conjunto de actividades: exposiciones, conciertos, performances...en ocho puntos estratégicos del recinto aeroportuario.

Estos 'espacios de arte' están reñidos con intereses económicos, por ello, habitualmente se ven suplantados por anuncios o stands publicitarios, que aportan dinero al aeropuerto frente a la exhibición altruista de los artistas del programa. Al aeropuerto le sale más rentable un stand de una multinacional que una exposición de arte,  de manera que están buscando soluciones que equilibren este enfrentamiento de intereses y logren la permanencia del programa.


El objetivo general del programa es crear un ambiente único  al mismo tiempo que dar la bienvenida al viajero de un modo diferente al resto de aeropuertos.  Además están abiertos a propuestas de exposición, así que si os interesa mostrar vuestro arte en el aeropuerto, hacer clic aquí.

21 jul 2011

Citas fotográficas

Hoy parece ser el 'día de los eventos fotográficos'. En Barcelona me constan al menos tres.

-Fundación Foto Colectania. Presentación en España de los prestigiosos premios de fotografía que se conceden desde 2007, 'SONY WORLD PHOTOGRAPHY AWARDS'. 

A las 20h, el director de FotoColectania, Pepe Font de Mora dará la bienvenida al encuentro y posteriormente, Javier Arcenillas, galardonado en dos categorías de los premios en la última edición explicará su experiencia. Acto seguido se proyectarán los trabajos más recientes de Cristina García Rodero, miembro desde 2009 de la prestigiosa agencia MagnumPhotos.

A partir de las 21h, el director ejecutivo de la World Photography Organisation, Scott Gray presentará los premios y se procederá a proyectar las imágenes de los galardonados en la edición de 2011, en la terraza de la Fundación. 

Más información del evento, aquí.

-Exposición TPS Loves Emergent Artists. 19.30 horas en The Private Space, además de la proyección de 'La noche de las escuelas', con la participación de alumnos de las escuelas que se han adherido al programa Escuelas Amigas del festival.


Como anticipo a la próxima edición de Emergent2011 que se desarrollará en octubre, hoy inauguran la exposición TPS Loves Emergent Artists, uno de los premios que el equipo de comisarios de la galería The Private Space otorgó en la última edición del festival, con el objetivo de dar visibilidad al trabajo de nuevos artistas. (Algunos de los artistas presentes han aparecido ya en este blog en la sección '50 domingos de fotografía' que se desarrolla los domingos con fotógrafos de la pasada edición de Emergent).

En la exposición se podrán ver trabajos de Camino Laguillo, Faustine Ferhmin, Rodrigo Dada, Rubén Acosta, Ting Ting Cheng y Michele Tagliaferri.

-Villa del Arte y Museo Diocesano de Barcelona. Exposición del fotógrafo francés Jean-François Rauzier, titulada 'Voyages extraordinaires Barcelona'.


Sin duda, una de las exposiciones 'bellas' del verano barcelonés, de la que se podrá disfrutar hasta el 11 de septiembre. Rauzier despliega todo su universo creativo a merced de la arquitectura, además ha realizado siete obras específicas sobre Barcelona para esta exposición que acoge el Museo Diocesano con más de 30 obras.

Con tantas propuestas interesantes, es evidente lo complicado que es elegir :( 

20 jul 2011

Asociación Centro Museo de la Fotografía

Una de las mejores iniciativas que he visto en las últimas semanas es la impulsada por Jordi Guillumet, Juan Bufill, Pep Rigol, Manel Úbeda, Vicenç Boned, Sílvia Omedes y Israel Ariño. Juntos, forman la plataforma que reivindica la creación de un centro museo de la fotografía en Cataluña, la Asociación Centro Museo de la Fotografía.

Y es que la fotografía en Cataluña, es ese arte dejado casi en el abandono por parte de las administraciones. Ahora, ésta asociación reivindica su valor y busca aliados, complicidades y por supuesto, recursos, tanto públicos como privados que hagan posible la gran aspiración del sector: la creación de un centro museo de la fotografía que vele por el importante patrimonio presente en Cataluña y el destacado peso que la comunidad ha tenido en éste sector, no olvidemos que la primera fotografía en España se realizó en Barcelona.

Además la Asociación también reivindica el apoyo a los fotógrafos que en numerosas ocasiones, han pasado a la historia como 'desconocidos' para el gran público, pero cuya obra se deviene fundamental para entender, no sólo la evolución de la fotografía, sino también conocer la sociedad de las diferentes épocas en las que desarrollaron su trabajo.

Una asociación que recupera el espíritu de las famosas 'Primeras Jornadas Catalanas de Fotografía' celebradas hace más de 30 años (1980) en la Fundación Miró (Barcelona) y que esta conformada por reconocidos profesionales del sector que en los últimos meses han llevado a cabo la tarea de unir voces en un sector tan poco cohesionado como es el de la fotografía en Cataluña. Hasta ahora su tarea ha sido aglutinar y unir fuerzas en el sector para conseguir su objetivo y presentarse ante la administración como una entidad sólida y un interlocutor aglutinador.

Una causa a la que se han unido artistas, comisarios, críticos, docentes, coleccionistas, galeristas, directores de centros, fundaciones y museos, así como gestores culturales. Entre los nombres, se encuentran Tony Catany, David Balsells, Manel Esclusa, Joan Fontcuberta, Manolo Laguillo, Eugènia Balcells, Fundació Vila Casas, Fundació Foto Colectania, etc. Una lista abierta de apoyos que se presentará en septiembre.

El objetivo de creación del centro museo de la fotografía responde a la necesidad del sector tras las acciones administrativas, entre las que destacan, el caso Centelles o el fin de la Primavera Fotográfica en 2004. Reivindican un centro dedicado a administrar el patrimonio fotográfico, con áreas de investigación y formación, pero sobre todo, documentar la riqueza patrimonial dispersa.

Desde aquí todo mi apoyo a la asociación, y espero que ese centro deje de sonar a utopía y se convierta en una realidad. Aprovechando este fotográfico post, recomiendo el programa de televisión 'Fotografies', recientemente ha acabado su primera temporada, pero ya están preparando la siguiente  (soy fan de este programa!!). También recomiendo la lectura de 'Why you are the future of photography' publicado la semana pasada en el británico Guardian, a raíz de los conocidos 'Les Rencontres de Arles'.



17 jul 2011

Ruben Reehorst

''Lust is an emotional force that arises from the psychological action of fantasizing about sex. It is distinct from the natural desire for sexual love inherent in the body. The action of 'Lusting' can induce a violent or self-indulgent psychic condition to arise. In the three Abrahamic religions Lust is considered a sin.''


''Polaroidnudes''

From the very beginning of art,and throughout history,whether in painting,  sculpture, media, commercials, advertisements, magazines, and photography, the female nude has always been present. As an object or statement of desire, purity, sensuality, virginity, lust, and aesthetic form and shape. In the most literary definition ''Fine Art'' in photo's is synonimised with ''Nude Art''. It wans't untill the '80s that Helmut Newton brought out a different kind of female,one with independence and power, one that could crush the generalised image of women created by men (They Are Coming), and took fashion and art to a new level.

I admire women. I was raised between them, love(d) them, fought them, try to understand them, hugely respect their complexity and eternal beauty. I will never be one. I am a heterosexual male and also look at them from a point of attraction, imagination, and sexuality. Women are often portrayed as objects, carriers of all that we guys want.

 

This series is a combination of subjects. Polaroidnudes is both a tribute to women, aswell as a question; is what we see what we get or do we want to see what is presented by a pre-fabricated concept? Taking visual elements from the Renaissance, the Sixties, and the modern day as inspiration, I depict women from different ages and backgrounds in a state of anonimity, as keepers of a polaroidcamera, the most honest form of photography, as a metaphor for life itself.

I will far rather see the race of man extinct than that we should become less than beasts by making the noblest of God's creation, woman, the object of our lust. Gandhi.

 

Más información sobre Ruben Reehorst
Textos: Ruben Reehorst y Gandhi

13 jul 2011

Christa Sommerer & Laurent Mignonneau en el ASM

Hasta el 25 de septiembre el claustro del centro de arte, Arts Santa Mònica (Barcelona) presenta 'Sistemas vivos. Christa Sommerer & Laurent Mignonneau'. Una exposición de dos de los artistas más reconocidos e innovadores del panorama internacional del media art y el arte interactivo.




Sus obras reclaman la participación del visitante a través de interfícies interactivas donde aplican principios de la teoría de sistemas vivos relacionados con la ecología, la vida artificial y las ciencias de la complejidad.


La importancia de esta exposición, recae además en que es la primera retrospectiva de la pareja y permite experimentar con sus obras más vinculadas al estudio de los sistemas vivos: Eau de Jardin, Still ALife, Phototropy, Life Spacies II, Mobile Feelings y A-Volve. En la exposición es posible desde tocar plantas y ver cómo crecen con nuestro tacto, a crear seres acuáticos que interactúan entre sí o escuchar el latido de otra persona con estos aparatos en un confortable sillón rojo.