13/4/2014

Museum Hours #Arteenelcine

Cuarto domingo de la sección #Arteenelcine

Museum Hours
Jem Cohen
2012


La historia de un vigilante de sala

¿Cómo son los vigilantes de las salas de los museos? Sentados o de pie se pasan horas rodeados de obras de arte, velando por su seguridad, día tras día, viendo a los visitantes recorrer las salas, mirando las obras, en definitiva, viendo la vida pasar desde su silla. Cuesta saber que puede haber en su mente o cuáles son sus intereses.

Museum Hours se basa precisamente en ello, en la historia de amistad de un vigilante de sala y una turista.

Johann (papel interpretado por Bobby Somme) trabaja desde hace seis años como vigilante de sala en el Kunsthistorisches Art Museum. En su juventud, Johann viajaba con bandas de rock, por eso afirma: “Tuve mi dosis de ruido y ahora tengo mi dosis de silencio”. Aunque indica que custodiar en un museo es aburrido, al fin y al cabo no es un mal empleo. Su sala favorita es la que contiene las obras de Pieter Brueghel, ya que siempre que las contempla descubre nuevas escenas. 



La conexión con una visitante de Montreal

Un día Anne (interpretado por Mary Margaret O'Hara) visita el museo y Johann siente curiosidad por ella. Al cabo de unos días Anne vuelve al museo y Johann le ayuda a guiarse en la ciudad. Anne le explica el motivo de su estancia en Viena: ha viajado desde Montreal porque su prima residente en Viena está en coma. Johann siente la necesidad de ayudar a Anne, indicando que si él estuviera perdido en Montreal también le gustaría recibir ayuda. 

Juntos analizan diversos cuadros y piezas del museo, hasta que un día ella le pide que le acompañe al hospital a ver a su prima. Johann describe autorretratos de Rembrandt a la prima de Anne, con la esperanza de que despierte en algún momento, también menciona a Arcimboldo, concretamente su obra "Verano" indicando que es la obra preferida por los niños que visitan el museo.


Johann acaba enseñando diversos lugares de la ciudad a Anne, sorprendido de hacer turismo en su propia ciudad pero encantado de poder visitar los lugares por el puro placer de mostrárselos a alguien, huye de los lugares más típicos, pero su reflexión final es que se pasa demasiado tiempo en casa navegando en Internet y los lugares que él recordaba han sido transformados.


El museo se convierte en Museum Hours en un espacio de diálogo, donde Johann y Anne comparten conocimientos, pero el arte trasciende el espacio del museo, y también está presente en las escenas que suceden en el hospital.

La escena de la oradora invitada

Otra de las partes clave de la película es la importancia que Jem Cohen otorga a la sala con las pinturas de Brueghel. Para ello, a través de Gerda (papel interpretado por Ela Piplits), una "oradora invitada" un grupo de visitantes recorre la sala y profundiza en la obra del flamenco y en el concepto de "eternidad" que transmiten. ¿Realmente una pintura puede ser eterna? La oradora alega que esas pinturas no parecen pasadas de moda porque siguen mostrando problemas reales: hipocresía, políticos y sacerdotes corruptos, abusos, etc. por tanto vemos la obra como contemporánea, fresca y relevante.

Johann no se olvida de las visitas de adolescentes a los museos y muestra cómo éstos se aburren y se ríen del arte, llamándoles solamente la atención las pinturas con cabezas cortadas o con escenas de sexo. A Johann le gusta analizar los comportamientos de los visitantes, y disfruta del halo de "invisibilidad" que parecen tener los vigilantes. 

La película finaliza bruscamente, en una excursión que realizan Johann y Anne, éste recibe una llamada del médico indicando la muerte de la prima de Anne.



5 puntos clave de Museum Hours:

· Grabación en el Kunsthistorisches Art Museum.
· Historia de amistad entre un vigilante y una visitante del museo, unido a la necesidad que siente Johann de ayudar a Anne sin pedirle nada a cambio.
· Jem Cahen lleva a la gran pantalla la realidad de un museo desde los ojos de uno de sus vigilantes.
· El museo y la ciudad acaban siendo también protagonistas.
· La escena de la oradora invitada en la sala de Brueghel.

Sección: 30 Domingos de Arte en el cine

11/4/2014

"Invasión espacial" entrevista a @peniqueprod para @RevistaUnBreak

Hace ya un año que comencé mi colaboración con la Revista UnBreak y de la entrevista a Cayetano Ferrández en el primer número. Mes a mes esta publicación para iPad se ha posicionado como líder en el mercado de revistas interactivas, concretamente en 17 países de habla hispana y según la App Store, una de las revistas más descargadas de todos los tiempos.

En resumen... que es un auténtico placer poder escribir en ella :-)


En este número donde celebran el primer año de la revista, he dedicado mi sección "Utopías del Arte" a entrevistar a los "Penique", un joven colectivo que se dedica a las intervenciones efímeras. 

¿Queréis conocerlos mejor? Entrar aquí y descargaros gratuitamente el último número de UnBreak!


¡Gracias Peniques por concederme esta entrevista!

#HazUnBreak
Consulta números anteriores aquí.

6/4/2014

El molino y la cruz #Arteenelcine

Tercer domingo de la sección #Arteenelcine

El molino y la cruz
Lech Majewski
2011

Esta película tuvo un azaroso comienzo. Lech Majewski recibió una crítica de su película "Angelus" por el historiador del arte Michael Francis Gibson, junto a la que adjunto un ejemplar de su libro "El molino y la cruz" donde analizaba la tabla "Camino al calvario" del pintor flamenco Pieter Brueghel "el Viejo". Narra Majewski que mientras leía el ejemplar de Gibson, su cabeza iba creando imágenes, y al finalizar su lectura decidió dar forma al libro en esta película.


Doce personajes y un molino

"Mi cuadro debe contar muchas historias, debe ser suficientemente amplio para contenerlas todas".

Majewski ha seleccionado doce personajes de los más de cien que aparecen en el cuadro para narrar sus historias en la película y conformar la historia de la tabla de Brueghel. El molino, transformado en un personaje más de la película, es mostrado por Majewski como una máquina poderosa que transforma las fuerzas del cielo y conecta al hombre con algo físico, en este caso derivando en una hogaza de pan. 


La historia muestra la creación de la tabla por parte de Brueghel (interpretado por Rutger Hauer), situando la historia de la pasión de Cristo en Flandes bajo la ocupación española de 1564, donde la Inquisición Española ejerció una sangrienta represión sobre la reforma protestante en los Países Bajos. Una época de rebeldía contra el imperio, donde las torturas y la represión la ejercen los hombres de casaca roja, mercenarios al servicio del rey español que se encargan de que las mujeres sean enterradas vivas y los hombres azotados y crucificados.


El resultado es una escena donde cuesta reconocer el cuerpo de Cristo caído en el suelo y casi oculto, aparece como una figura sola, abandonada y olvidada en mitad de otras múltiples escenas representadas. En primer plano, su madre, la Virgen María muestra el dolor por la inminente ejecución y muerte. El resto de los personajes sigue con sus quehaceres, alejados del acontecimiento que está ocurriendo en los alrededores de Amberes, la crucifixión de Jesucristo.


En la parte izquierda de la tabla, Brueghel situó una enigmática roca coronada por un molino de viento. Y este no es el único misterio del cuadro que intriga desde hace tiempo a los historiadores del arte. La obra de Brueghel está llena de símbolos y metáforas, desde su molino, el molinero viene a ser un recordatorio de la esencia divina de Jesús. Su madre, María, lamenta el triunfo de la noche que borra el mensaje de las Escrituras, que refuta la predestinación y el lugar de las vidas de los hombres entre sus manos.


Decorados y 3D

Destaca la capacidad de Majewski para trasladar a la gran pantalla toda la atmósfera de las obras de Brueghel, además Majewski ha combinado digitalmente, de tres maneras diferentes el material rodado:

- Los actores son filmados frente a un “chroma key”, una pantalla azul o verde, en un estudio de cine, cuya imagen se integrará sobre diferentes fondos.
- Los actores y el material rodado en las localizaciones de Polonia, Republica Checa, Austria y Nueva Zelanda recuerdan a los paisajes que podemos encontrar en las obras de Bruegel.
- Imágenes de segmentos de la obra de Brueghel, pintada en 2D, sirven como telón de fondo.

 

En post-producción, Majewski y su editor, sobreimprimieron laboriosamente estos tres elementos. Por ejemplo, agregó a un actor filmado delante de una pantalla azul con varias capas de fondos pintados por Brueghel y localizaciones rodadas, todo reforzado por imágenes digitales de un cielo majestuoso filmado en Nueva Zelanda. Un proceso que, sin duda, le permitió al director actuar como si él mismo recreara al propio pintor concibiendo su obra.

El resultado es una película de una belleza plástica innegable, minuciosa e hipnótica, que promete al espectador una experiencia visual y conceptual tan experimental como inédita y que constituye un hipnótico examen de la obra del pintor y los tiempos en que vivió, así como una extensa contemplación del proceso creativo en sí mismo. El director permite al espectador  vivir dentro del universo estético de la pintura del pintor flamenco.


5 puntos clave de El molino y la cruz:

· Riesgo de Majewski al trasladar a la gran pantalla la creación de una obra de arte religioso, un tema a priori poco atractivo para el gran público.
· Respeto hacia cada detalle de la obra de Brueghel.
· A pesar de ser un tema clásico, Majewski minimiza la crueldad del calvario gracias al despliegue técnico y la grandeza visual de los paisajes.
· Escasez de diálogos, es una película para deleitar los sentidos.
· Maestría al conseguir que los personajes del cuadro cobren vida en la pantalla.


30/3/2014

Cremaster #Arteenelcine

Segundo domingo de la sección #Arteenelcine

Cremaster
Cinco películas de 35 mm 
Matthew Barney
1994-2002

El ciclo Cremaster es un proyecto del artista visual Matthew Barney (California, 1967). En su obra, Matthew explora la trascendencia de las limitaciones físicas y muestra un interés por la anatomía llegando a representar seres inexistentes. 

En 1994 comenzó a trabajar en el ciclo Cremaster, un proyecto fílmico dividido en cinco partes sin orden concreto que se acompaña de esculturas, fotografías y dibujos. El título del ciclo Cremaster hace referencia al músculo cremáster que en el hombre controla el ascenso y descenso de los testículos en el escroto en función de la temperatura o la estimulación. A lo largo de las cinco partes se puede ver la mezcla de partes autobiográficas, históricas o mitológicas. 

Matthew además de haber ideado y dirigido el ciclo, protagoniza todas las partes excepto la primera, y en Cremaster 5 llega incluso a representar tres de los cuatro personajes. 

La primera parte que se realizó fue Cremaster 4, en 1994, seguida de Cremaster 1 en 1995, Cremaster 5 en 1997, Cremaster 2 en 1999 y Cremaster 3 en 2002. Por ello, según los expertos, éste es el mejor orden para ver el ciclo, siguiendo la secuencia de producción. Cinco partes donde Matthew muestra constantemente los opuestos: lo estático y lo dinámico, lo intelectual y lo visceral, el hombre y la mujer, la creación y la destrucción, lo bello y lo grotesco, lo trivial y lo profundo, lo ridículo y lo sublime, la realidad y la ficción, lo histórico y lo futurista..

Esta producción de Matthew ha generado mucha controversia por su complicado entendimiento y significado, sin embargo, una parte de la crítica la ha alabado por su riqueza visual. Sea como fuere, enfrentarse al ciclo Cremaster no es fácil, más allá de su difícil acceso, es una producción casi muda, donde el espectador tiene que ir conformando su propia idea de la película, cuestionarse constantemente las acciones y actitudes que se muestran y dejarse llevar por la trama. Sin embargo, más allá de esta complejidad, este conjunto propone una redefinición de lo que el arte es o lo que puede llegar a ser, así cómo su presentación y experimentación. 

Una sacudida visual en toda regla.


Con este ciclo, Matthew Barney ganó el premio Europa 2000 en la 45º Bienal de Venecia (1993). 

Cremaster 1: El nacimiento de un nuevo ser aún sin diferenciación sexual

Cremaster 1, grabado en el Bronco Stadium (Idaho, Estados Unidos), es la única película del ciclo donde no aparecen personajes masculinos. La película presenta el momento de máxima ascensión del músculo cremáster, en un estado de indiferenciación sexual primaria. En el campo de juego aparece un grupo de bailarinas creando figuras y coreografías, mientras que en el cielo sobrevuelan dos dirigibles de la marca Goodyear. La alta posición del cremaster se representa por el vuelo de estos dirigibles que metafóricamente dan la bienvenida a algo nuevo que está naciendo, la identidad sexual del feto. En ambos dirigibles hay azafatas y en el centro de cada cabina una mesa blanca con una figura esculpida en vaselina que podría ser un aparato reproductor, rodeada de racimos de uvas. En un dirigible son de color verde y en el otro rojas. 

 

Bajo ambas mesas se encuentra la protagonista de esta parte del ciclo, el travesti Marti Domination, simultaneidad que se ve reforzada al coger uvas de los dos colores y trazar diagramas que se repiten en las coreografías de las bailarinas en el estadio. La película finaliza con la configuración de una estructura gonadal andrógina, de sexo indeterminado que marca las primeras seis semanas de desarrollo fetal, y con la protagonista esperando el inicio de su proceso de transformación sexual.



Cremaster 2: El desarrollo fetal, la división sexual

A modo de western gótico, Matthew a través de una narrativa looping, retrocede hasta 1977 (año de la ejecución de Gary Gilmore), a 1983 (cuando Harry Houdini, quien pudo haber sido el abuelo de Gilmore, aparece en la World's Columbian Exposition). Dentro de la película, hay tres temas interrelacionados: el paisaje como testigo, la historia de Gilmore (interpretado por Matthew) y la vida de las abejas. El parentesco entre Gilmore y Houdini y su correlación con la abeja macho se muestra en la escena inicial de la película, cuando el espíritu de Houdini es invocado y el padre de Gilmore muere tras fertilizar a su esposa.


 

En esta parte del ciclo aparece Dave Lombardo, ex baterista de Slayer y Steve Tucker, vocalista del grupo Morbid Angel, aludiendo a Johny Cash, quien fue llamado por Gilmore la noche de su ejecución como último deseo.


Cremaster 3: La leyenda masónica de Hiram Abiff

La tercera parte del ciclo se centra en la adaptación de la leyenda masónica de la muerte de Hiram Abiff, el arquitecto del Templo de Salomón en un espacio emblemático como es el edificio Chrysler. Durante la película hay una lucha constante entre Hiram o el Arquitecto (interpretado por Richard Serra) y el Aprendiz (interpretado por Matthew), que están trabajando en el edificio. El asesinato y la resurrección de Hiram se mezclan con los ritos de iniciación masónica por los que el Aprendiz atraviesa para llegar a ser Maestro Masón.



El Museo Guggenheim de Nueva York es uno de los escenarios de esta parte del ciclo, concretamente de la fase del rito masónico donde el Aprendiz debe ascender por la rampa del museo evitando los diferentes obstáculos que se le van presentando.


Cremaster 4: Sidecar y Loughton Candidate en la Isla de Man

Esta primera parte del ciclo se desarrolla en la Isla de Man y muestra la competición motociclística de sidecar que tiene lugar en la isla donde cada sidecar circula en una dirección contraria por la carretera del litoral. Mientras esto ocurre, Loughton Candidate (interpretado por Matthew) -un sátiro con cuatro cuernos, dos ascendentes y dos descendentes-, baila claqué erosionando el suelo hasta caer al océano -momento en el que el equipo ascendente sufre un accidente- y posteriormente abrirse paso hacia la isla a través de un túnel lleno de vaselina. 


 


En la escena final Loughton se encuentra en el punto de llegada junto con los sidecar, teniendo amarrado mediante cintas de colores el escroto, lo que garantiza la continuidad del descenso pese a la oposición del cuerpo.


Cremaster 5:  El Mago, la Reina y la Diva en Budapest

Cremaster 5 se desarrolla en la ciudad de Budapest, en ella, el Mago (interpretado por Matthew) cruza a caballo el Puente de las Cadenas, mientras la Reina (interpretada por Úrsula Andress) sube las escaleras del Teatro de la Ópera de Budapest acompañada de dos mellizas hasta situarse en la cámara del trono donde se sienta mientras las mellizas colocan palomas jacobinas a su alrededor. El director de orquesta hace una señal y la ópera comienza en un teatro vacío donde la Reina canta acompañada de un conjunto de cuerdas recordando el triste final del Mago, desnudo y encadenado preparándose para saltar al Danubio con grilletes de plástico en tobillos y muñecas. En el escenario, aparece su Diva (interpretada también por Matthew) que recorre el escenario mientras deja caer en la escena pétalos de flores. 


Desde su trono, la Reina puede contemplar el balneario, donde el Gigante (interpretado también por Matthew) entra en una de las piscinas donde hay duendes con un grupo de cintas conformando una guirnalda que le fijan al Gigante su escroto, cuyo músculo cremáster, gracias a la tibia temperatura de la piscina, permite el descenso de los testículos. Posteriormente el Mago cae al Danubio y la Reina pierde el sentido, Diva también cae en mitad del escenario al alcanzar el punto más alto de su ascensión.


 
5 puntos clave del ciclo Cremaster:

· Constantes metáforas visuales.
· Ausencia casi total de diálogos.
· Constante confrontación de opuestos.
· Mezcla de partes autobiográficas, históricas o mitológicas.
· Localizaciones: dentro del Museo Guggenheim en la tercera parte del ciclo o en los baños termales de Budapest en la quinta parte.

Sección: 30 Domingos de Arte en el cine

23/3/2014

Why beauty matters #Arteenelcine

Primer domingo de la sección #Arteenelcine

Why beauty matters
Roger Scruton para la BBC
2009

 

Roger Scruton, filósofo y escritor plasma en este documental la escasa presencia de la belleza en el arte del siglo XX. Scruton reivindica, desde una postura bastante conservadora, la restauración de la belleza a su posición tradicional en el mundo del arte, la arquitectura, la música y la vida en general. Durante el documental insiste en la poca importancia que se le ha dado a la belleza desde el siglo XX, a favor de la fealdad y la publicidad, hecho que nos conduce a lo que él denomina un "desierto espiritual" y a la pérdida del sentido de la vida.

 

Duchamp y su "Fuente" como reivindicación

Why beauty matters comienza indicando que, si en algún momento entre 1750 y 1930, se le hubiese preguntado a cualquier persona formada que describiera la finalidad de la poesía, el arte o la música todos habrían respondido: la belleza.

Sin embargo, en el siglo XX la belleza dejó de ser importante, y una parte del panorama artístico tuvo como objetivo perturbar y romper tabúes morales, hecho que se vio favorecido por una sociedad donde el objetivo era el yo, la fama, el dinero y el escándalo, por encima del concepto de belleza. Esto también se dio en la arquitectura, que desde ese momento se limitó a buscar la utilidad dejando de lado la belleza, resultando construcciones impersonales y volviendo "feo" nuestro entorno.

Scruton comienza hablando de "Fuente" el ready-made de Duchamp, donde en realidad, Duchamp no se manifestaba contra la belleza, sino que "Fuente" era un gesto satírico contra el esnobismo de la sociedad, pero fue interpretado como que desde ese momento cualquier cosa podía ser arte, desde una lata con excrementos a una pila de ladrillos. Duchamp lo único que hizo fue deshacerse del concepto creatividad, ya que él no intervino en su "Fuente". Por tanto, en aquel momento el arte abandona el estatus sagrado, ya no eleva a un estadio de valores morales o espirituales, el arte se convierte sólo en un acto, en un gesto. Se produce por tanto un culto a la fealdad, a lo perturbador, para ser arte, había que hacer algo perturbador y con impacto para triunfar. El máximo ejemplo de ello sería Damien Hirst.

En el documental Scruton visita a Michael Craig-Martin y Alexander Stoddart, dos artistas totalmente opuestos. Mientras el primero ha enseñado a los jóvenes artistas británicos en la corriente que inició Duchamp e indica que se quedó fascinado cuando vio la "Fuente" de Duchamp, Alexander es un escultor clásico que persigue la belleza con cada obra defendiendo el concepto de destreza técnica y de creatividad. Craig-Martin defiende la "Fuente" duchampiana indicando que su objetivo no era mostrar belleza, sin embargo, existe algo en esa obra que cautiva la imaginación y eso es lo que busca hacer el arte. El motivo por el que Duchamp presentó su "Fuente" era como reivindicación a la obsesión de la época por la técnica, la óptica, etc. él quería mostrar una obra que negase todo lo que la gente decía que debía tener el arte, es decir perturbarles y hacerles pensar que quizás, la cuestión central del arte se encuentra en algún otro lugar, más allá de la técnica o la belleza clásica.

Evidentemente Duchamp desconocía la repercusión que su acto tendría para el devenir del arte contemporáneo y cómo desde entonces el concepto "arte" se ampliaría cómo indica Craig-Martin "Creo que es importante decir que la noción de belleza ha sido extendida para incluir cosas que antes no estaban en esa categoría y esa es la función del arte, hacer que ciertas cosas que no eran consideradas como bellas hasta ese momento, pasen a serlo". 

Pero entonces, ¿qué engloba el arte? ¿Nos sirve el mismo término para hablar del "David" de Miguel Ángel y de latas con excrementos?

Dicen que el arte de hoy nos muestra el mundo tal y cómo es, el aquí y el ahora con todas sus imperfecciones, ¿pero el resultado es realmente "arte"? Estamos seguros que algo no es simplemente arte porque nos muestra un trozo de realidad, incluyendo su posible fealdad.


El concepto de creatividad

El arte necesita de la creatividad y la creatividad trata en cierto modo sobre el compartir, una invitación hacia los otros a ver el mundo tal y como el artista lo ve. Por ejemplo, encontramos belleza en el arte naif de los niños, donde expresan el mundo desde su perspectiva, compartiendo lo que sienten. Y algo de esa creatividad infantil subyace en las obras de arte genuinas. Vemos creatividad frente a la escultura original del "David" de Miguel Ángel, pero cuando vemos un molde de la figura de David en un jardín, no nos resulta bello ya que carece del ingrediente esencial, la creatividad.

Todas estas reflexiones sobre la belleza chocan en nuestra sociedad. Actualmente puede parecer amenazante juzgar el gusto de otra persona, o incluso se pueden llegar a ofender ante la sugerencia de que hay una diferencia entre el buen y el mal gusto. Scruton reivindica por ello la búsqueda de la belleza frente a la obsesión que tenemos por el utilitarismo, en este sentido critica el hecho de que valoremos algo en función de su utilidad, porque entonces evidentemente la belleza acaba perdiendo, ¿cuál es el uso de la belleza? 


Nuevos cultos contemporáneos: a lo feo y a lo útil

Oscar Wilde dijo "Todo arte es absolutamente inútil", una observación que lanzó como alabanza, para él la Belleza era un valor más alto que la utilidad. Las personas necesitan cosas inútiles incluso aún más que las cosas útiles, por ejemplo ¿cuál es la utilidad del amor o la amistad? Lo mismo se aplicaría entonces a la belleza. 

Dado que hoy día la publicidad es mas importante que el arte, el arte trata de llamar nuestra atención como lo hace la publicidad, siendo descarado o escandaloso como la calavera de Hirst. Por ello el arte de hoy tiene como fin crear una marca incluso si no tiene ningún producto que vender excepto a ellos mismos (los artistas).

La belleza se encuentra por lo tanto a la deriva en dos direcciones
: mediante el culto a lo feo en las artes y mediante el culto a la utilidad en la vida cotidiana. Esta deriva se detecta sobre todo en la arquitectura moderna, obsesionada por la utilidad de los edificios, y construyendo edificios feos, con fecha de caducidad y con un futuro de abandono. 

La siguiente reflexión que plantea Scruton es "la contemplación y no posesión de la belleza", poniendo como ejemplo "El Nacimiento de Venus" de Botticelli, donde el florentino retrató a una mujer de la que estaba enamorado. Por ello, Scruton defiende la idea de que la belleza yace más allá del deseo sexual, y podemos encontrarla no solo en gente joven, también en un rostro de avanzada edad como los retratos de gente común realizados por Rembrandt. Solo necesitamos ojos para verla y corazón para percibirla. Igual que encontramos belleza al ver un niño pequeño, ante un paisaje, una canción o un poema.


El documental termina poniendo sobre la mesa la capacidad que tiene el arte para mostrar belleza dentro de terribles escenas como puede ser una crucifixión y dentro de escenas banales como puede ser una cama desordenada. Concretamente cita la "Cama deshecha" de Delacroix como símbolo de la condición humana, y la facilidad que tiene la obra de conectar con nosotros, porque nos resulta totalmente familiar. Sin embargo, contrapone esta cama con la de Tracey Emin, donde muestra una vida moderna desordenada, una obra que no es hermosa, que solo muestra una sórdida realidad, literalmente una cama sin hacer que si la vieras en un contenedor no le prestarías importancia.

5 puntos clave de Why beauty matters:

· Es un documental que hace reflexionar sobre la posible transformación del concepto de belleza no sólo en el arte, sino en la vida en general.  

· En el siglo XX la sociedad dejo de buscar la belleza como canal de comprensión del mundo y de su entorno. 

· El arte contemporáneo no persigue la belleza.

· El concepto de "profanación estandarizada" para definir una parte del arte de nuestros días, donde sólo la transgresión es lo que hace valiosa a una obra, y donde aquellos que intentan aunar lo sagrado y lo bello son vistos como pasados de moda. 

· Un bonito paisaje, una pieza musical, un poema, siguen siendo pequeños resquicios de belleza que podemos seguir disfrutando.


Sección: 30 Domingos de Arte en el cine

16/3/2014

30 Domingos de Arte en el cine #Arteenelcine

Han sido 10 domingos intensos de "Fotografía para levitar" gracias a los cuales hemos podido adentrarnos en la obra de Li Wei, Julie de Waroquier o Martin Stranka, entre otros autores.


Y ahora, que todas escenas parecían "de cine" he pensado en abrir una nueva sección basada precisamente en el séptimo arte. 

Bienvenidos a la sección #Arteenelcine donde durante 30 domingos profundizaremos en documentales y películas centrados en el arte o en artistas concretos.


¡Preparad las palomitas! :-)