Más allá del cementerio

El concepto de cementerio, ya no es lo que era, o al menos hay arquitectos y diseñadores que están dispuestos a cambiar la concepción de los 'campos santos' y a vincularlos de una manera contemporánea con el paisaje que los acoge. Uno de estos ejemplos se muestra en el último ejemplar de la italiana revista Abitare. El proyecto de la Farewell Chapel en el cementerio Krasnja, un pueblo situado cerca de Liubliana (Eslovenia) es obra del estudio de jóvenes diseñadores Ofis Arhiteckti.

La capilla, construida al lado del viejo cementerio, no es confesional, es un lugar para recordar al fallecido y donde permanecer antes de la inhumación en un sencillo y acogedor espacio. También tiene una serie de servicios: guardarropa, cocina y baño.

El edificio ocupa unos doscientos metros cuadrados y se extiende sobre una superficie de trescientos cincuenta. La capilla se adapta a las curvas de nivel del terreno, y también en su interior continua el sistema de curvas. Uno de los elementos más destacados es la iluminación interior de la capilla, en el techo han diseñado una ventana-escultura en forma de cruz.

El proyecto de Ofis ganó el concurso para la capilla y ha costado 180.000 €.

Artículo completo en italiano por Marco Sammicheli, aquí.

Museos insólitos

Fuente: NIEVES LLACA - 17/06/2009 para El Viajero, El País.

Los museos han sido tradicionalmente lugares que adquieren, conservan y exhiben colecciones de gran valor cultural para el estudio, la educación y el deleite del público... Pero, ¿y si fueran más allá e hicieran de la sorpresa y el asombro de sus visitantes su razón de ser? Pues lo han hecho. Los objetos más frikis y extravagantes se cuelan en salas de todo el mundo confeccionando las colecciones más increíbles y provocadoras, que van desde aparatos de tortura a inodoros, sin olvidar objetos eróticos o escatológicos, entre otros.

EL VIAJERO ha seleccionado catorce museos en diferentes categorías, para los que buscan algo nuevo y diferente en la sala en la que observar en silencio resultará algo más complicado.

1. Erotismo entre cuatro paredes

Viajamos a Estados Unidos para encontrar dos buenos ejemplos, el Museo Erótico de Miami y el del Sexo en Nueva York, cuya colección no tiene nada que ver con la famosa serie. Aunque en principio no resulten en sí mismos originales, el morbo llama a sus visitantes a curiosear por las diferentes salas y encontrar desde vibradores a curiosas decoraciones, con motivos sexuales por supuesto, en una pipa de fumar o en un juego de té. Una muestra similar, y más cercana, nos sitúa en Barcelona, cuyo Museo Erótico cuenta con 800 piezas de arte erótico y es, además, un centro de información didáctica acerca del erotismo y su historia a través de los siglos.

Uno de los más destacados museos de corte erótico es La Faloteca Nacional, en Húsavík (Islandia), fundada en 1974 por el ex-profesor de Historia Sigurour Hjartarson que, en su momento, contaba con 63 miembros. Todos los penes que expone son de animales de la fauna islandesa. Ahora, tiene 170 penes y, aunque le falta el de un hombre, cuenta con un donante de 92 años que aún sigue vivo. Alberga 38 ejemplares de 15 especies de ballenas, un ejemplar de oso polar, 19 ejemplares de siete especies de focas y morsas y 93 ejemplares de 19 especies de mamíferos terrestres. Además, cuenta con numerosas obras artísticas con formas fálicas.

2. Un museo para pies

Así visto, decir que acudes a un Museo del Calzado en Marikina (Filipinas) puede no parecer gran cosa. Sin embargo, los 800 pares pertenecientes a la ex primera dama del país, Imelda Marcos, famosa internacionalmente por su extravagante y vasta colección de zapatos, merecen la pena. Además, junto a estos se exponen otros tantos donados por otras personalidades, como un par de zapatillas de ballet de Lisa Macuja, los zapatos de color rojo fuego de la Dama de Sangre, Rosa Rosal (actriz filipina de la época dorada), o un par de zapatos de oficina de la Presidenta de Filipinas, Gloria Macapagal Arroyo.

Otra curiosa muestra para fetichistas es el Museo del Calcetín de Tokio. Acumula más de veinte mil pares, entre los que se muestran el más largo del mundo -32 centímetros de la punta al talón- y algunos pertenecientes a personajes famosos, como los que lució el luchador de sumo Kitamo Umi en su ceremonia de retiro, o el par que usó el Primer Ministro japonés, Yoshida Shigaru, durante la primera visita oficial que realizó a Estados Unidos en 1950. Una talla 23, por cierto.

3. ¿Quién dijo miedo?

La tranquilidad de Florencia (Italia) se ve alterada cuando entras en el Museo de los Asesinos en Serie, que muestra la historia de los grandes personajes en eso de sembrar el terror y coleccionar decenas de víctimas. Protagoniza sus salas el malsano universo de leyendas como Elizabeth Bathory o Jack El Destripador pasando por psicópatas más recientes como Charles Manson, Gacy El Payaso o el mismísimo Ed Gein en cuyas peripecias se inspiró la película La Matanza de Texas.

Si esta exposición no acaba de impresionarte, prueba con el Museo de la Inquisición de El Solar en Santillana del Mar (Cantabria), cuya colección de aparatos de tortura no deja indiferente a nadie. Artilugios para la humillación, algunos especialmente diseñados para mujeres, y los ideados para la ejecución y el castigo físico. En total, más de medio centenar que dejarán al visitante con los pelos de punta.

Pero si prefieres las emociones fuertes, el Museo de los Incendios en Penrith (Australia) no sólo exhibe aparatos para extinguir el fuego, sino que ofrece al visitante la posibilidad de experimentar qué se siente dentro de una casa en llamas.

Por último, el más raro en su categoría, especialmente por los objetos que alberga es el Museo de Ataúdes de Nottingham (Reino Unido). Decenas de féretros para el descanso eterno con las formas más dispares, que van desde una zapatilla de ballet a un contenedor de escombros, pasando por un huevo de madera.

4. No apto para olfatos refinados

Cualquier cosa parece digna de ser coleccionada y expuesta al público en un museo. Al menos, eso deben de pensar en Enschede (Países Bajos), donde pueden presumir de ser los únicos del mundo en exhibir excrementos. El Museo Jannick cuenta con una completísima muestra de deposiciones fecales, y la estrella de la exposición se llama pupú: una caja con las defecaciones de diferentes animales, que el visitante puede oler para intentar adivinar a qué especie pertenece cada una.

Para dar un cierto respiro al olfato se puede acudir, por increíble que parezca, al Museo del Water en Nueva Delhi (India). Sin desagradables olores esta vez, muestra cómo ha evolucionado el singular mundo de los sanitarios. Muchos se lo pensarían dos veces antes de sentarse en algunas de las piezas de semejante exposición, y se sorprenderán con la decoración de algunos orinales de la muestra, autenticas obras de arte.

Por último, el viajero puede comprobar cuanto lo acertado del dicho "la basura de unos es el tesoro de otros" en el Museo de la Basura de Stratford (Estados Unidos). El recinto, construido con materiales reciclados, enseña cómo utilizar lo que tiramos para hacer juguetes o esculturas gigantes de dinosaurios, expuestos en su interior.

5. Para los amantes de la comida

Nadie duda hoy en día que la gastronomía es todo un arte y por ello, ¿por qué no un museo dedicado a ello? Los comensales más exquisitos tienes su paraíso en el Museo de la Pasta de Roma.

El eje central de las cocinas italianas cobra vida en este lugar donde se muestra su historia, desde los inicios etruscos hasta la actualidad, a través de elementos multimedia y exposiciones sobre los utensilios que se empleaban para la fabricación de este alimento. También muestra fotografías y obras de arte en torno a la pasta. ¡Se te hará la boca agua!

Florentijn Hofman

Florentijn Hofman

Simon Schubert

Simon Schubert es un multidisciplinar artista alemán, que realiza instalaciones, obras en papel, y esculturas. Fijaros sobre todo en los trabajos en papel, están realizados sólo doblando, eso sí, numerosas ocasiones, están a la venta por unos 6.000 $ cada uno.

Alejandra Laviada y los objetos encontrados

Alejandra Laviada (México, 1980) premio Descubrimientos de PHotoEspaña se dedica a documentar fotográficamente lugares a través de los restos que encuentra. Una búsqueda casi detectivesca que la lleva a adentrarse en desconocidos lugares, sobre todo del centro histórico de México, lugares que las instituciones tienen previsto remodelar, edificios abandonados a la espera de ser demolidos, etc.

Un pasado silenciado es convertido en arte gracias la mirada de Alejandra. Unas simples latas de pintura son estrategicamente dispuestas en forma de pirámide y objeto de la fotografía.

"Pienso en la fotografía de manera diferente. Yo no fotografío. Yo creo algo y lo fotografío"

Estuko Iwao

Mona Hatoum

Hasta el 20 de septiembre la Fondazione Querini Stampalia de Venecia acoge la muestra Interior Landscape, con obras de la libanesa Mona Hatoum. La exposición presenta un conjunto de 25 piezas -algunas inéditas y otras creadas específicamente para esta ubicación- y gira en torno al conflicto en Palestina y la emigración. Hatoum recrea un territorio doméstico en el que formas aparentemente simples del mobiliario y los objetos sencillos se transforman en ambiguos mensajes.

Gustav Vigeland

Gustav Vigeland (Mandal, 1869 - Oslo, 1943) fue un destacado escultor noruego que trabajó sobre todo la madera. También mostró grandes dotes para el dibujo y fue Lorenz Dietrichson, profesor de Historia del Arte, quien al ver los dibujos exclamó "es un genio". Recibió una beca del estado para estudiar en Copenhague y trabajó un año bajo la dirección del célebre escultor y profesor danés Christian Gottlieb Vilhelm Visen. Posteriormente recibió una beca de estudios y viajó a París, donde pudo conocer personalmente a Rodin y contemplar las creaciones que éste estaba realizando. En 1893 regresó a Noruega y realizó su primera exposición, dos años después viajó a Berlín y a Florencia, y cuando regresó entró a trabajar en el equipo encargado de la restauración de la catedral de Trondheim, y fue Vigeland quien esculpió toda una serie de excelentes estatuas entre 1897 y 1902. Pero estos eran trabajos de restauración y Vigeland se percató de lo limitado que era ese trabajo, por ello abandonó la Trondheim y se dedicó a crear sus esculturas más bellas: Nordraak, Abel, Beethoven, Wergeland y otras de sus obras capitales.

Fue entonces cuando le empezaron a llegar importantes encargos y en 1921 buscó otro lugar de trabajo y firmó el contrato mas extraño que haya firmado jamas un artista con una autoridad oficial: Vigeland se comprometía a legar a la ciudad de Oslo los derechos de propiedad de todas las obras de arte que se encontraban en su posesión: esculturas en madera, bronces, esculturas de piedra, grabados en madera, bocetos, diseños, toda su obra creada y futura; a cambio la ciudad de Oslo le facilitaba un taller adecuado donde proseguir su labor, el futuro Museo Vigeland.

El proyecto para el parque Frogner, finalizado en 1930, fue pagado con los beneficios de los cines de Oslo. Otro de sus proyectos, el de adornar el Abelhaugen, fue abandonado, y por un momento pensó en emplazar la fuente delante del taller. Pero este lugar no convenía, y en 1931 el Consejo Municipal aceptó los planos propuestos, con el puente, la fuente, el monolito y las esculturas del parque Frogner, casi todas compuestas de una maraña de cuerpos unidos (incluso de niños) que producen una sensación confusa e impactante, con un total de más de 600 figuras. Tras su fallecimiento en 1943, antes de la conclusión completa del proyecto, el Consejo decidió en otoño de 1947 que los trabajos proseguirían según el plan de Vigelang. El parque Frogner constituye su más vasta obra, aunque su genio creador se manifestó también en otras muy importantes, entre las cuales destaca una serie de estatuas de hombres célebres: Rikard, Nordraak, Camilla Collett y Niels Henrik Abel.

El arte de Gustav Vigeland ha sido siempre objeto de polémica, ha sido criticado y contestado, admirado y elogiado. No obstante, su obra, que por su amplitud sobrepasa la de cualquier otro escultor noruego, evidencia el genio con el que desempeñó su quehacer artístico. El conjunto de estatuas que adornan el Parque de Frogner constituyó su obra mas importante, mientras que el museo Vigeland permite seguir la evolución de su obra.

Si quieres conocer su museo, haz clic aquí.

Pixelismofotografico

Roberto Giusti (Parana, Argentina, 1962) se define como un 'imaginador visual', en concreto esta desarrollando lo que él denomina Pixelismofotografico, 'una manera de caos para una nueva creación'.

¿Qué quiere decir realmente pixelismofotografico? Estamos hablando de una (nueva) técnica desarrollada con un conjunto de programas e ideas entrelazadas para que a partir de la destrucción de una imagen (re)nazca otra. Un 'morir' para 'nacer'. Un reciclaje fotográfico, cuanto menos, peculiar.

¿Hasta que punto una imagen puede reformularse en sí misma y renacer teniendo un pasado, y una estética? ¿Puede sensibilizar más ahora que antes?

Para ello Roberto justifica muy bien el hecho de que nada es eterno, y de que la vida al fin y al cabo es algo efímero, un viaje en el que tenemos una maleta para llenar, para compartir, para expandir o para tirar por la borda. Por tanto, si antes fuimos embrión y hoy un ser entero, pensante y creativo, ¿qué seremos mañana?

¿Por qué a veces creemos que el arte es eterno y no puede transformarse? La limitación del arte es el límite que cada uno de nosotros le ponemos desde nuestros prejuicios, catalogaciones y valoraciones contemporáneas.

Por tanto, el arte puede traspasar el verbo 'crear' y acoger en sí el verbo 'transformar'. Podemos partir de una realidad, de un hecho y transformarlo. Tenemos vía libre para jugar e investigar entorno al sujeto y al objeto, sobre lo material y lo inmaterial, sobre lo que se ve y lo que queremos ver. Todo roza la ambivalencia y la visión particular, de uno mismo para el resto.

Si creamos cosas irreales, ¿acaso éstas no las hacemos desde cosas reales? Entonces , ¿por qué nos perturban, chocan y desconciertan? ¿Cuál es el motivo para llamarlas 'raras' o 'insólitas'?

Todas estas cuestiones y más evoca la obra de Roberto, un amante de la magia de la fotografía. Parece que Roberto en vez de sangre lleva líquido revelador en las venas. Pero él va más allá de todo esto, le interesa la sensibilización de la sociedad por medio de la fotografía. Parte de la Teoría del Caos, es decir, como un pequeño cambio puede cambiar drásticamente el final (ya sea en un comportamiento, en un hecho, en un sistema, y porque no, en un proceso creativo). Sin embargo conviene tener presente que en realidad el caos no existe, sólo existen diferentes niveles de orden, entrelazados y plegados sobre sí mismos. Y en el área de la creatividad, uno de los principales niveles de orden, es sin duda la perspectiva. Ésta ha sido buscada y rebuscada por multitud de artistas, no olvidemos el énfasis que se le dio a ella en la época renacentista.

Y ahora, unamos: por un lado, la creatividad basada en la transformación y por otro la Teoría del Caos aplicada al campo de la creatividad ¿Resultado?

Una particular creatividad basada en extraer orden dentro del caos mediante la generación de nuevas y coherentes formas, a su vez provenientes de ideas existentes.

Como repito constantemente por aquí, artistas y lectores, 'abramos los ojos a lo desconocido', 'juguemos al arte' y no nos encerremos en teorías, leyes, normativas, prohibiciones o decoros. Si conseguimos eso, de entrada, partimos de una actitud creativa, que favorece no sólo a la recepción del mensaje de las obras, sino también a estimular nuestra vena artística-creativa.

Cuando entienda de qué manera importa usted (y todo lo que hace) en el esquema total de las cosas, podrá apreciar el precioso talento creativo que sustenta. Roberto Giusti.

Se busca pintor para puerto

Hoy y mañana en Candás (localidad del Ayuntamiento de Carreño, Asturias, España) se celebran las Jornadas de Arte Público en el puerto, cuya finalidad es dinamizar la creación de un foro de encuentro y trabajo entre los agentes implicados en el Arte Público siguiendo criterios patrimoniales, técnicos, sociales y artísticos. Reunirá a profesionales que entienden la ciudad y el paisaje como un espacio para la conexión, intervención, experimentación y reflexión, proyectando ideas y redefiniendo límites, buscando hacer una reflexión partiendo de las experiencias y del debate de los agentes implicados. Este encuentro nace del interés municipal para realizar una serie de intervenciones artísticas murales en el puerto de la localidad y su finalidad es concretar la intervención artística que se desarrollará en el lienzo más grande de la villa, la pared del puerto.

Este interés en dotar de arte a un caladero, remite sin duda, a la intervención de 'Los cubos de la memoria' desarrollada por Ibarrola en la localidad de Llanes.

Visto en La Nueva España.
Más información sobre las Jornadas, aquí.

Michael Ferris Jr.

¿Obras de madera reciclada?

Michael Ferris Jr. responde con un contundente Sí. Este artista esta interesado en establecer un diálogo entre el uso de materiales reciclados y ecológicos y las prácticas artísticas. Os dejo imágenes de sus interesantes obras en madera y papel.

Alain Séchas

Alain Séchas (Colombes, 1955. Francia) vive y trabaja en París. Es un multidisciplinar artista que realiza tablones de neón, vídeos y esculturas, algunas muy curiosas, porque son animadas como Los Sonámbulos de 2002 (reconozco que me encantaría verla en vivo). Os dejo una selección de sus obras, si queréis más información, os invito a visitar su web.