Al Held

Al Held (1928-2005) fue un pintor americano dentro de la corriente del expresionismo abstracto.

7 días en el mundo del arte

'Siete días en el mundo del arte' de Sarah Horton, es otro libro que me han recomendado donde según las críticas explica como el arte se ha convertido en el movimiento cultural por excelencia. Este hecho se ha producido debido a las últimas generaciones de artistas, pero también a otros factores que lo han convertido en una gran potencia y en un gran negocio.

Un mercado que ya estaba desarollado creció y se multiplicó, llegando a crear un microcosmos, un mercado particular, con leyes propias y eventos paradigmáticos.

Este proceso conllevó el surgimiento de un nuevo mundo: subastas, bienales, ferias internacionales, coleccionistas y grandes exposiciones.

¿Glamour? ¿Talento? o ¿Arte?

Un libro fruto de varios años de investigación y de viajes por Estados Unidos, Europa y Asia, que revela la grandeza y excesos del arte.

Andreas Theurer

Francis Upritchard

Francis Upritchard (Nueva Zelanda, 1976) es la artista que representó a Nueva Zelanda en la Bienal de Venecia de 2009.

Crea instalaciones escultóricas donde figuras humanas de colores vivos se encuentran viviendo en un mundo lleno de objetos encontrados, de uso cotidiano. Figuras introvertidas, tristes, alegres o incómodas, la condición humana en toda su diversidad. Además en su obra se fusiona el arte, la artesanía, el diseño y la puesta en escena, llegando a confundir al espectador en torno a 'su lugar' y el 'de la obra', pues ésta invade el espacio de la exposición.

Maurizio Cattelan en Menil Collection

Hasta el 15 de agosto, nuestro querido amigo Maurizio Cattelan expone en The Menil Collection (Houston, Texas, Estados Unidos), una colección, que sinceramente, me encantaría ver en vivo, ¡sino mirar su web!

Esta exposición muestra sus obras más recientes, incluye el Ave Maria de 2007.

Gustav Metzger y el arte auto-destructivo

El Musée départemental d'art contemporain de Rochechouart en Francia acogió hasta el 15 de junio una muestra bastante espectacular sobre Gustav Metzger (Alemania, 1926) titulada Gustav Metzger: Décadas 1959-2009.

Gustav es un artista y activista político que ha desarrollado el concepto de 'arte auto-destructivo' y 'huelga de arte'. Junto con John Sharkey inició en 1966 'Simposio en la destrucción del arte'. Gustav es sobre todo conocido por sus protestas en el ámbito político y artístico.

Me gusta su desafío ante el arte, fijaros, en 2005 fue jurado en el EAST International (una de las grandes exposiciones anuales en el Reino Unido sobre arte contemporáneo) y su exposición se tituló 'La exposición de arte sin arte'. Él se encargó de la exposición ese año, hecho que provocó, sin duda, que fuera una exposición muy diferente a lo que había ocurrido años anteriores, sin fotos, sin esculturas, sin vídeos. Su idea era transformar el espacio en un centro de comunicaciones, donde se podía a través de una serie de medios electrónicos tener acceso a la radiodifusión en todo el mundo. Más de 20 artistas mostraron su trabajo durante siete semanas en la Galería de Norwich, en la Escuela de Arte y Diseño de Norwich. La galería recibió, mezcló y transmitió imágenes y sonidos a través de televisión, radio, Internet, medios impresos, cine y plataformas móviles, durante 24 horas al día. La idea: plasmar la sobrecarga de información y el cómo los artistas estaban comenzando a sentir su camino hacia los canales y redes de comunicación internacional. Además en el período que duró la muestra, también hubó artistas que participaron a través de la web, caso bastante visionario.

Metzger ha seguido desafiando las obras de arte de todo el mundo, a lo largo de sus 60 años de carrera ha producido obras de política agresiva, incorporando materiales de desecho (basura, periódicos viejos, cristales líquidos...)

Una de las obras que más me han llamado la atención es la instalación 'Agitando los árboles' compuesta de 15 sauces incrustados en un bloque de hormigón, que simboliza un mundo al revés provocado por el calentamiento global. Metzger siente que los artistas se enfrentan a una amenaza y que el calentamiento global conducirá a la extinción de las cosas en la naturaleza. Y la naturaleza es una gran inspiración para los artistas. Metzger dijo en una ocasión que "los artistas tienen un papel especial que desempeñar en la oposición a la extinción, aunque sólo sea por una, intelectual base teórica."

El tiburón de 12 millones de dólares

'El tiburón de 12 millones de dólares: la curiosa economía del arte contemporáneo y las casas de subastas', de John Thompson.


He oído mucho sobre este libro, los que se quejaban de él, se quejan de todo y no entienden nada de arte contemporáneo. Alabanzas no he oído, pero risas sí. Creo que es un libro que se ha de leer predispuesto a 'entender' un poco el mercado del arte contemporáneo, que es diferente al mercado del arte en general. Hablar de arte contemporáneo es hablar de revalorización, de millones, de colecciones, de Hirst, de Koons, en fin...

¿Por qué razón invertiría un banquero multimillonario de Manhattan hasta 12 millones de dólares por la carcasa de un tiburón en proceso de descomposición? ¿Qué misteriosa alquimia hace que la pintura nº5 de Jackson Pollock se venda por 140 millones de dólares? ¿Cómo llega una chaqueta de cuero con una cadena plateada tirada en una esquina a Sotheby’s dejando a la casa de subastas la suma de 690.000?

El escritor supuestamente va desvelando los secretos económicos y las estrategias de marketing que impulsan al mercado a producir los precios astronómicos a los que se cotizan las obras de Hirst, Koons, Tàpies o Jasper Johns. Thompson descubre la psicología –y los intereses económicos– por los que se mueve el mercado del arte, mostrando hasta qué punto influyen el deseo de poder y el autoensalzamiento.

Para los ansiosos, os dejo con el primer capítulo del libro en pdf, aquí y algunos extractos de este capítulo...

El primer problema del agente que trataba de vender el tiburón disecado era el precio de venta, 12 millones de dólares, de esta obra de arte contemporáneo. Otro problema era su peso, algo más de 2 toneladas, por lo que no iba a ser fácil llevárselo a casa. La «escultura» del tiburón tigre disecado de 4,5 m estaba metida en una vitrina gigante de cristal y tenía el original título de La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo...

Aún había otra grave preocupación, que en cualquier otra compra habría disuadido a los compradores. Desde que se exhibió por primera vez en 1992 en la galería privada de Saatchi en Londres, el tiburón se había deteriorado de forma espectacular. Como las técnicas utilizadas para preservarlo habían sido inadecuadas, el original se había ido descomponiendo hasta que la piel se le arrugó visiblemente y comenzó a adquirir una tonalidad verde pálido, se le desprendió una aleta y la solución de formaldehído del tanque se fue enturbiando.


Se planteó entonces la cuestión de si Hirst podía reemplazar el tiburón en descomposición simplemente comprando y disecando uno nuevo. Muchos historiadores del arte argumentaron que si se renovaba o se reemplazaba el tiburón, se crearía una nueva obra de arte.

Balkan Naci İslimyeli

Julian Opie en el IVAM

El IVAM de Valencia acoge hasta el 18 de julio una muestra sobre el artista británico Julian Opie, con un total de 35 trabajos.

Julian Opie, conocido por sus silueteadas figuras humanas con cabezas redondeadas basadas en modelos de su entorno, presenta una treintena de lienzos, cuatro esculturas y diversas instalaciones en el hall y fachada del museo.

El catálogo de la muestra, aquí.

¿La vida no es un juego? Alexandre Madureira

Aquí tenéis recién publicada, mi sexta colaboración con iLike, este mes sobre el genial Alexandre Madureira y su proyecto 'El Museo Imaginario'. ¡Que la disfrutéis!

Lisa Hoke