Historia de las exposiciones I (II)

Esta semana os resumiré la sesión del 26/10/2009 sobre las exposiciones del comisario Pontus Hultén, especialmente la exposición-escultura SHE-A Cathedral celebrada en la Moderna Museet de Estocolmo en el año 1966 y la retrospectiva Andy Warhol realizada en el mismo lugar dos años después.

La sesión la dictó Magnus af Petersens del Moderna Museet y comenzó con una idea a la que vengo dando vueltas hace un tiempo, la idea 'del museo sin paredes', a la que Pontus (1924-2006) también abogaba, en realidad, fue el quien propuso la idea del 'museo de arte contemporáneo'. Cuanta razón tenía, no podemos querer poner arte contemporáneo en salas concebidas para la pura exhibición de lienzos. Una obra de arte contemporáneo puede medir mucho, o quizás muy poco, pero los paradigmas han de cambiarse para entender que no es aquello (arte tradicional) sino algo diferente (arte contemporáneo).

Un museo debía y debe ser accesible, no cubrirse bajo el paradigma de templo para la contemplación estética. Si entendemos el museo bajo este último concepto, nuestra mente se cerrará al arte contemporáneo. El museo ideal sería por tanto, un lugar cercano al público, que dispusiera de espacio para lecturas, debates, etc. Un museo nuevo, experimental, activo, cuya función no fuera sólo exponer sino también experimentar.

Un gran ejemplo de estas innovadoras ideas de Pontus tuvo lugar en 1966 con la exposición SHE- A Cathedral. Los artistas Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely y Per Olov Ultvedt fueron los responsables de la muestra cuyo catálogo se imprimió después de la muestra, para recopilar y mostrar todo el proceso de creación de obra. Los artistas fueron citados con el único fin de trabajar juntos, sin ningún plan previo. Este aspecto colaborativo para la creación de una obra en un museo es un rasgo bastante innovador.

El resultado de la colaboración de cinco semanas fue una gran pieza de poliéster, de 27 metros de largo, 8 metros de alto y 6 toneladas de peso, en forma de mujer tumbada. Para acceder al interior, la gente se adentraba por la vagina de la escultura En su interior la gente podía ver un estanque con peces, una gran rueda de molino, un hombre viendo la televisión, una máquina de romper botellas, una cabina de teléfonos, un tobogán para niños, una galería de cuadros falsos incluso una mini-sala de cine donde visualizar una película de Greta Garbo. Un total de tres pisos aprovechados en su totalidad que llegaron a recibir más de 100.000 visitas. Público que reaccionó muy positivamente hacia la pieza y se entendió que una catedral era más importante que una mera mujer recostada.

'La vida es corta, el arte es largo'. Una exposición creada no a partir de objetos llevados al museo, sino creados allí mismo y luego destruidos, el súmmum de lo efímero amig@s. 'She' se destruyó, era parte de su destino, y simbolizaba la crítica de los artistas hacia el llamado 'valor eterno del arte'.

El día de la presentación a los medios de comunicación los artistas estaban entusiasmados, sin embargo al día siguiente no salió nada en los diarios. Sin embargo, el Times publico un artículo favorable y entonces a todo el mundo le gustó la obra. Sorprende, no obstante, que una publicación como el Times se hiciera eco, teniendo en cuenta que Estocolmo aún en 1966 era un lugar bastante olvidado, pero como dijo Marshall McLuhan 'el arte puede ser cualquier cosa si te sales con la tuya'. La obra encajaba con una cosa que flotaba en el ambiente 'la libertad sexual'.

La otra exposición clave de Pontus, fue la primera retrospectiva de Andy Warhol en un museo, en el año 1968. El tema central de la exposición era la serialidad, para Warhol 'la serialidad es una repetición que va más allá de la composición'.

Andy Warhol decía: 'Me encantan que las cosas sean las mismas, exactamente las mismas'.

La exposición realmente comenzaba ya fuera del museo, en los muros se colocó un papel acartonado con la imagen de la vaca repetida.

El público fue muy escéptico y critico con la exposición. Pero la exposición aportó cosas importantes, la difuminación entre el arte y la vida. Las sopas Campbell's era algo de la vida de Warhol, las tomaba con frecuencia, y ahora pasaban en un museo a englobarse dentro del término 'arte'. Al mismo tiempo se entendía la obra como arte en progreso, dado que las cajas de Brillo por ejemplo, se realizaron en Estocolmo, no se transportaron desde el taller de Warhol.

En este caso Pontus estaba sumamente atraido por la multidisciplinariedad de Warhol, y esa atracción la debió de contagiar, dado que la gran mayoría de las obras fueron adquiridas por galerías y coleccionistas particulares.

La exposición también se hacía eco del cine, en aquel momento a Warhol le interesaba mucho este arte, incluso quería poner una película (concretamente imágenes del Empire State) junto con sus obras, en el mismo nivel el cine y el arte plástico, romper así la jerarquía, pero era complicado en aquella época poder reproducir una película en un museo o sala de arte.

En conclusión, para Pontus, la obra de arte era entendida como algo que estaba en diálogo con la sociedad.

Información adicional: Sobre las exposiciones de 'Pontus Hultén'